Живопись – это вечное искусство, к которому человек обратился еще во времена своего житья в пещерах, в каменном веке. Уже тогда люди стали испытывать тягу к прекрасному и стали украшать стены пещер различными картинами, бытовыми сценами и сценами охоты. С течением времени искусство живописи все более развивалось и настоящего расцвета достигло в эпоху Ренессанса, когда в Европе жили и творили великие мастера, чьими творениями мы восхищаемся до сих пор и которые во многом остались непревзойденными – Леонардо, Рафаэль, Караваджо. Во всех странах жили и творили художники, которыми гордилась их родина, шедевры которых украшали лучшие музеи и творчество которых заставляло замереть в восхищении сердца людей. В России золотой век живописи пришелся на 19 век, когда работали великие портретисты, маринисты, пейзажисты Айвазовский, Шишкин, Репин, Суриков. Живопись – это язык который не требует перевода и живописные образы доступны всем людям, не зависимо от их национальности. Живопись поднимает настроение, успокаивает, зовет и агитирует. В настоящее время существуют десятки направлений в живописи, иногда очень оригинальные, но от этого не менее прекрасные. Ведь живопись это прежде всего средство выразить свои чувства и эмоции, поделиться ими с другими людьми. И иногда самые простые картины приковывают к себе внимание миллионов и заставляют замереть перед ними в восхищении, как это было с “Черным квадратом” Малевича, хотя казалось бы что странного и прекрасного в обычном квадрате черного цвета? Но в этом великая сила живописи, которая заставляет видеть невидимое и чувствовать неощутимое.
В мою жизнь настоящая живопись вошла, когда мне в руки попала книга об итальянской галерее «Уффици». Иллюстрации картин Боттичелли, Рафаэля просто потрясли мою душу. Но настоящие картины, хотя и не таких великих мастеров, как Рафаэль, увиденные впервые в городском художественном музее, произвели на меня гораздо большее впечатление, чем иллюстрации. Потом были картинные галереи Москвы, куда я ходила, когда приезжала в гости к своей тете. В Третьяковке я подолгу простаивала у картин великих русских мастеров. Выходила просветленная и потрясенная. Особенно — картинами Васнецова и Врубеля. Теперь моя мечта посетить картинные галереи Киева, Львова и, конечно, Петербурга. А уж потом попасть в Лувр, Прадо, в Уффици, в Дрезденскую галерею, в Британский музей. Это программа-максимум моей взрослой жизни.
Рядом с программой-максимум всегда существует программа-минимум. Проект «Музей одной картины», который где-то еще существует, — это, по-моему, очень правильное направление в культурном просвещении народа. Люди живут не только в больших культурных центрах — это раз, осмотреть сразу всю, к примеру, Третьяковку — это, считай, не увидеть ничего. Это два. И третье: организация больших передвижных выставок — дорогостоящее и потому редкое мероприятие. Поэтому «Музей одной картины» (конечно, шедевра) должен существовать и расширять свою географию и выставляемые картины. Материал с сайта //iEssay.ru
Живопись в моей жизни
Искусство вообще, а живопись в частности занимают огромное место в жизни человека. Способность к творчеству, к созданию произведений искусства существенное отличие рода человеческого от остального живого мира. В ряду видов искусства живописи принадлежит особое место. Спросите: почему? Отвечу так.
Не каждый ребенок тянется к перу и бумаге, чтоб писать стихи или прозу. Не каждый хочет играть на рояле или скрипке. Но нет ребенка, который бы не пытался рисовать. И еще одно: из глубины веков до нас дошли свидетельства о живописных пробах древних цивилизаций. Наскальные рисунки, роспись предметов обихода — это ли не первый шаг к шедеврам Рафаэля?
В мою жизнь настоящая живопись вошла, когда мне в руки попала книга об итальянской галерее «Уффици». Иллюстрации картин Боттичелли, Рафаэля просто потрясли мою душу. Но настоящие картины, хотя и не таких великих мастеров, как Рафаэль, увиденные впервые в городском художественном музее, произвели на меня гораздо большее впечатление, чем иллюстрации. Потом были картинные галереи Москвы, куда я ходила, когда приезжала в гости к своей тете. В Третьяковке я подолгу простаивала у картин великих русских мастеров. Выходила просветленная и потрясенная. Особенно — картинами Васнецова и Врубеля. Теперь моя мечта посетить картинные галереи Киева, Львова и, конечно, Петербурга. А уж потом попасть в Лувр, Прадо, в Уффици, в Дрезденскую галерею, в Британский музей. Это программа-максимум моей взрослой жизни.
Рядом с программой-максимум всегда существует программа-минимум. Проект «Музей одной картины», который где-то еще существует, — это, по-моему, очень правильное направление в культурном просвещении народа. Люди живут не только в больших культурных центрах — это раз, осмотреть сразу всю, к примеру, Третьяковку — это, считай, не увидеть ничего. Это два. И третье: организация больших передвижных выставок — дорогостоящее и потому редкое мероприятие. Поэтому «Музей одной картины» (конечно, шедевра) должен существовать и расширять свою географию и выставляемые картины.
Была на телевидении прекрасная передача Никиты Михалкова, посвященная какому-нибудь одному из шедевров русской живописи. В этой передаче рассказывалось обо всем: и о самом художнике, и об особенностях картины, и об истории ее создания. Но главное: Н. Михалков открывал нам столько интересного о давно прошедшем времени, о быте тех времен и того сословия людей, которые были изображены на картине. Обо всем этом очень редко можно услышать в музеях или прочитать в книгах по искусству.
Заключая, хочу сказать, что живопись для меня — это вечный источник душевного наслаждения и познания жизни. Так пусть же он не иссякает никогда!
Искусство вообще, а живопись в частности занимают огромное место в жизни человека. Способность к творчеству, к созданию произведений искусства существенное отличие рода человеческого от остального живого мира. В ряду видов искусства живописи принадлежит особое место. Спросите: почему? Отвечу так.
Не каждый ребенок тянется к перу и бумаге, чтоб писать стихи или прозу. Не каждый хочет играть на рояле или скрипке. Но нет ребенка, который бы не пытался рисовать. И еще одно: из глубины веков до нас дошли свидетельства о живописных пробах древних цивилизаций. Наскальные рисунки, роспись предметов обихода — это ли не первый шаг к шедеврам Рафаэля?
В мою жизнь настоящая живопись вошла, когда мне в руки попала книга об итальянской галерее «Уффици». Иллюстрации картин Боттичелли, Рафаэля просто потрясли мою душу. Но настоящие картины, хотя и не таких великих мастеров, как Рафаэль, увиденные впервые в городском художественном музее, произвели на меня гораздо большее впечатление, чем иллюстрации. Потом были картинные галереи Москвы, куда я ходила, когда приезжала в гости к своей тете. В Третьяковке я подолгу простаивала у картин великих русских мастеров. Выходила просветленная и потрясенная. Особенно — картинами Васнецова и Врубеля. Теперь моя мечта посетить картинные галереи Киева, Львова и, конечно, Петербурга. А уж потом попасть в Лувр, Прадо, в Уффици, в Дрезденскую галерею, в Британский музей. Это программа-максимум моей взрослой жизни.
Рядом с программой-максимум всегда существует программа-минимум. Проект «Музей одной картины», который где-то еще существует, — это, по-моему, очень правильное направление в культурном просвещении народа. Люди живут не только в больших культурных центрах — это раз, осмотреть сразу всю, к примеру, Третьяковку — это, считай, не увидеть ничего. Это два. И третье: организация больших передвижных выставок — дорогостоящее и потому редкое мероприятие. Поэтому «Музей одной картины» (конечно, шедевра) должен существовать и расширять свою географию и выставляемые картины.
Была на телевидении прекрасная передача Никиты Михалкова, посвященная какому-нибудь одному из шедевров русской живописи. В этой передаче рассказывалось обо всем: и о самом художнике, и об особенностях картины, и об истории ее создания. Но главное: Н. Михалков открывал нам столько интересного о давно прошедшем времени, о быте тех времен и того сословия людей, которые были изображены на картине. Обо всем этом очень редко можно услышать в музеях или прочитать в книгах по искусству.
Заключая, хочу сказать, что живопись для меня — это вечный источник душевного наслаждения и познания жизни. Так пусть же он не иссякает никогда!
«Живопись — это поэзия, которую видят, а поэзия — это живопись, которую слышат» – так перевели изречение Леонардо да Винчи одни знатоки языка, но правильнее, мне лично так кажется, следующий вариант перевода: «Живопись – это немая поэзия, а поэзия – это слепая живопись». Пабло Пикассо сказал, что «Живопись – занятие для слепцов. Художник рисует не то, что видит, а то, что чувствует». Абсолютно применимо это изречение и к поэтам, они пишут стихи так же о том, что чувствуют, а не просто созерцают.
Что же прозвучало выше? Какой основной лейтмотив из выше сказанного я бы хотел взять? Ответ можно втиснуть в рамки одного предложения – поэзия и живопись – это 2 стороны одной медали, это чувственное, эмоциональное отображение происходящего вокруг внутри творческого человека.
Человек всю свою жизнь тянется к прекрасному. Совсем иное дело и другой вопрос в том, что это «прекрасное» для каждого отдельного человека свое или имеет свои нюансы. «На вкус и цвет…»,- как говорится. Творческое начало у каждого человека имеет свою степень выраженности – у одних оно развито чрезвычайно сильно, у других почти полностью атрофировано. Но никто не станет спорить, что те или иные события или явления в жизни волнуют, впечатляют, заставляют радоваться или горевать. Если человек не впечатляется ничем, то у него психологические проблемы или отклонения, которые следует лечить или исправлять.
Но вот эмоции, чувства, размышления – это и есть родители живописи и поэзии. Именно – общие родители, а значит, что эти 2 вида искусства родные друг для друга. Лично я считаю, что при всем моем почтении к глубокоуважаемому, великому и несравненному Леонардо, мастер был не прав в своем суждении. Так сказать – это слишком недопустимо поверхностно. Потому, что бывает, и это мое неоспоримое субъективное мнение, когда поэзия рисует в моем воображении картины, а живопись поет.
О ЖИВОПИСИ…
Различают несколько разновидностей живописного искусства. Наиболее хорошо известна и наиболее распространена в настоящее время так называемая станковая живопись, к которой относятся обычные картины любого содержания.
Их главным отличительным свойством является то, что их можно переносить с места на место, вешая на любой подходящей для этого стене. Теперь картины пишут обычно на холсте, натянутом на специально сделанный деревянный подрамник. Готовую картину вставляют в раму, которая во многих случаях имеет такую форму, что создаёт впечатление оконного косяка, а само изображение на холсте становится похожим на вид, открывающийся в воображаемом окне.
Станковая живопись появилась сравнительно недавно — немногим более пятисот лет тому назад, в эпоху Возрождения: она как нельзя лучше отвечала потребностям мастеров того времени — воспроизводить реальный мир со всей непосредственностью и жизненной убедительностью.
Название своё станковая живопись получила оттого, что пишутся картины на особом виде станка, называемом французским словом «мольберт».
А вот произведения монументальной живописи, едва ли не самой древней в истории человечества, пишутся на поверхности стен или на перекрытиях зданий, украшать которые они предназначены. Ещё люди каменного века расписывали стены пещер изображениями разных животных, выполняя их несколькими красками. Процветала она и позже: в античную эпоху в греко-римском мире и в средние века.
Живопись – это творение жизни во всех её проявлениях. Живописцы переносят зрительные образы, мысли, чувства, состояния посредством нанесения красок на основу. Современное искусство включает так же изображения, выполненные с помощью цифровых технологий, хотя берёт своё начало в глубокой древности, в эпоху первобытного общества, на стенах пещер.
Физиологически люди мало чем отличаются от животных и даже состоят с ними в одних и тех же систематических группах. Самое главное, что приобрёл человек за всё время эволюции – это ВООБРАЖЕНИЕ. Именно благодаря воображению мы стали так отличаться от всего животного мира, смогли преобразовать то, что нас окружает, запечатлеть, украсить. Первобытные люди изображали на стенах пещер то, что они видели вокруг, то, чего они боялись, то, к чему стремились. Например, изображая и рассматривая различные этапы охоты, древний человек воодушевлялся перед боем, учился, перенимал технику, а, рисуя приручённых животных, любовался своими достижениями, радовался стабильности в пропитании, благодарил природу за возможность жить под её защитой и покровительством. Живопись была для наших далёких предков источником самовыражения, связи друг с другом, попыткой закрепиться в зачастую враждебном мире.
Трудно сказать, что побудило древнего человека начать изображать окружающий его мир. Возможно, рисуя всё то, что его волнует, он становился увереннее, а, может быть, это был хороший способ обучать своих соплеменников приёмам выживания. Что же изменилось с течением времени? Почему до сих пор человек берётся за кисть? Зачем ему, окружённому столькими достижениями науки и техники, рисовать? Причины значительно не изменились. Здесь и стремление к самовыражению, и возможность поделиться информацией, и изображение своих страхов, которые и теперь связаны с окружающим миром, его укладом, традициями и требованиями.
Живопись-это след самой жизни, который может оставить не только человек, но и сама природа, частью которой он является, и время. С одной стороны шедевром живописи можно назвать всю биосферу, состоящую из живых объектов или преобразованную ими. А с другой стороны, живопись сама формирует искусственную и природную среду.
Человек неутомимо придумывает всё новые и новые способы для создания и сохранения своего следа в истории планеты. Сегодня уже никого не удивляют традиционные техники живописи, такие как: энкаустика, темперная, настенная, клеевая техника, живопись масляными, а с недавнего времени, и синтетическими краски со связующим веществом из полимеров.
Во все времена люди творили на твёрдых поверхностях, которые могут быть плоскими, например, холст, дерево, стены, стёкла, асфальт, кожа, металл, или имеют сложную форму. Они и сегодня различными способами имитируют трёхмерное пространство в плоскости, посредством линейной и цветовой перспективы, но уже не просто воспроизводят реальность, а смело экспериментируют с пространством и временем. Живопись успешно выполняет глобальные функции – познавательную, эстетическую, религиозную, идеологическую, документальную, социально-воспитательную, философскую. Она, посредством цвета, который в силу психологических факторов воздействия и восприятия, сам по себе является носителем идеи, позволяет решать ряд морально-нравственных, исторических, образовательных и других вопросов. Не случайно, современная живопись столь многогранна и непредсказуема. Ближайшие десятилетия ознаменовались разнообразием новых течений и направлений в искусстве, каждое из которых отражало общественные, научные и философские изменения своего времени. Это и абстрактный экспрессионизм 50х, с его огромными полотнами, большими кистями и полнейшим выбросом эмоций благодаря свободным каплям краски, и сменивший его поп-арт 60-х, ориентированный на новую образность, создаваемую средствами массовой информации, и фотореализм, собирающий свои художественные объекты с помощью камеры и фотографий. Следующие десятилетия подарили человечеству граффити, неогеометрический концептуализм, тоизм, веб-искусство, софт-арт, стрит-арт и многое другое. Но какое бы направление не выбрал человек для своего творчества, он и сегодня, и завтра будет брать в руки средство для рисования, чтобы запечатлеть мир именно таким, каким видит его только он, ведь взгляд каждого из нас на всё окружающее уникален, ценен и неповторим. Художники снова и снова будут нашими проводниками в мир чувств и фантазий. Они будут пропускать через себя всё важное, волнующее и значимое, и творить, чтобы показать людям глубину человеческих чувств, чтобы возвышать, исцелять, останавливать время, оставлять свой след в истории человечества – свою живопись.
Автор: Наталья Черная
Живопись — один из древнейших видов искусства, достигший своего расцвета в эпоху Возрождения: Рафаэль и Леонардо да Винчи, а вслед за ними… Рокотов и Левицкий, Брюллов и великие французы: Ренуар, Сезанн… Разве всех перечислишь?! Это искусство, которое совершенствуется, движется вперед, собирая вокруг себя все новых и новых поклонников. Еще не понимая ничего в поэзии и живописи, я услышала стихи Заболоцкого «Любите живопись, поэты!» и рисовала в своем детском воображении прекрасный образ Струйской, которой посвящены эти строки. Она мне виделась то Золушкой, то героиней сказок Пушкина. Позже я увидела ее портрет в Третьяковской галерее, и мне казалось, что я увидела свою давнюю знакомую, даже родственницу, о которой много слышала, давно мечтала об этой встрече. Но как точно определил поэт состояние этой необыкновенной женщины!
Ее глаза — как два тумана.
Полуулыбка, полуплач,
Ее глаза — как два обмана,
Покрытых мглою неудач.
Оттенки серого цвета, в которых написан портрет, поражают своим разнообразием: от серебристого газа или тончайшего шелка, окутывающего красавицу, до почти черного блеска ее глаз и общего фона картины. Ее глаза именно «мерцают». Лучшего слова не подобрать. Портрет написан в минорных тонах. Струйская о чем-то грустит или размышляет, и лишь глаза горят внутренним огнем, раскрывая зрителям пылкую душу, яркую натуру необыкновенной женщины. Поэт помогает и тут понять потаенные мысли этого неземного создания.
Соединенъе двух загадок,
Полувосторг, полуиспуг.
Безумной нежности припадок,
Предвосхищенъе смертных мук.
Полюбить живопись, стараться ее понять мне помог поэт Заболоцкий, который сумел передать в небольшом стихотворении красоту не просто женского лица, но художественного произведения в целом, отныне ставшего для меня эталоном красоты и совершенства. Вслед за поэтом я часто повторяю:
Когда потемки наступают
И приближается гроза.
Со дна души моей мерцают
Ее прекрасные глаза.
Конечно же, есть работы известнее, совершеннее этого небольшого портрета, но благодаря стихотворению Заболоцкого Рокотов стал моим любимым художником. Его портреты поражают меня реализмом и изысканной манерой исполнения. Они гармоничны, как сама жизнь, которую художник пытался отразить в своем творчестве.
Благодаря Заболоцкому я стала интересоваться живописью. Пусть не на профессиональном уровне, но самостоятельно пыталась проникнуть в замысел художника, увидеть и понять красоту и гармонию, которые он несет людям в своем искусстве.
Так поэт и художник, объединившись, несут в мир добро и красоту.
В веселой, притопывающей песенке нет и десятка слов, а перед глазами возникает солнце, вороха соломы, рокочущая веялка, девушки в повязанных до бровей платках. Частушек у народа многие десятки тысяч; большинство их хранит неповторимую интонацию самобытного душевного движения, рождающего однострофную песню-миниатюру, многоголосую, светлую, реагирующую на слабые моменты жизни человека. В частушке фольклор достигает яркого самовыражения исполнителя, отсюда и вариации одного и того же текста, разные его оттенки: Не запью я свое горе И ни пивом,i ни вином: Я те, милка, не забуду И ни вечером, ни днем! Не запить мне свово горюшка Ни пивом, ни вином: Не забыть своих сыночков Мне ни ноченькой, ни днем!.. После отмены крепостного права в деревне пошатнулись старозаветные бытовые устои, и эмоциональный мир личности начал постепенно высвобождаться из «вековых цепей». Именно в этот период повсеместно распространяется частушка. Сельская лирика всегда идеализировала действительность (достаточно вспомнить лирическую песню), в частушке же ощутимо меняется художественная форма, приобретая гибкость пословицы и загадки. В частушечной культуре зазвенели ручьи разговорной речи, сборники частушек, словно открываясь гомону ярмарочной толпы, полнятся шумным многоголосьем. Мы с миленочком расстались — Оба мы заплакали. Золотые наши слезы На дорожку капали.
С частушкой народное искусство обрело свободу речевого жеста, и образ лирического героя стал раскрываться через социальную и психологическую характерность высказывания человека, через прямое соответствие слова и интонации персонажа его облику и душевному состоянию. От дружка письмо пришло, От маменьки скрывается В черной юпочке в кармане: . Каждый день читается. Я сидела на угоре На той на высоте… Дай ты, боже, помоложе — По моей по красоте! Частушка способна говорить о чувстве, не называя его самого. Я рассыпала часы — Сбила серебриночки. Не часы рассыпала — Горячие слезиночки. Исключительная зоркость жанра, внимание к едва уловимым, к тенью набегающим чувствам, к подробностям и оттенкам человеческого поведения сделали частушку искусством предельной психологической правды. В ту сторонушку взглянула — Все равно как побыла. Платочком беленьким махнула — Все равно как отдала. Частушка отражала молодой задор, тайное признание, иносказание, обещание встречи и преддверие разлуки. Достигая абсолютных высот лиризма, частушка утончила художественную культуру индивидуального высказывания.
В ней душа народа вообще, а говорящего, и вместе с тем она необыкновенно универсальна, отражает дух нации, юмор, непременно присутствующий в большинстве текстов. Ай ты, мила, попляши: Твои ножки хороши! Твои щечки как цветочки, — Целовать их разреши! Не умерла частушка и в наши дни, она заметно погрубела, приобрела остро сатирический оттенок, но осталась столь же ярким и самобытным видом фольклора, непременным атрибутом народных гуляний и праздников. У парнишки моего Новая хваленая: В четырех водах умоется — И все-таки зеленая! У меня миленок — летчик, Я его невеста. Если сяду в самолет, Самолет — ни с места!
ЖАНРЫ ЖИВОПИСИ
Жанрами в живописи называют её разновидности, которые определяются предметом изображения. Одним из наиболее важных и широко распространённых является бытовой жанр, то есть изображение повседневной жизни. Бытовой жанр часто называют жанровой живописью. Интерес к ней понятен: это искусство говорит о нас самих, о наших делах и днях. О труде и об отдыхе, о радостях и тревогах, стремлениях и успехах таких же, как и мы с вами, обыкновенных людей. Жанровая живопись помогает нам прямо и непосредственно осмысливать нашу жизнь, наш сегодняшний день: в ней отражаются те жизненные ситуации и вопросы, которые волнуют нас и ответы на которые мы ищем. Художникам всегда хотелось запечатлеть также «шаги истории самой»: какие-либо более или менее важные события общественной жизни минувших времён или просто быт ушедших поколений. Историческая живопись существует очень давно, со времён Древнего Египта, но подлинного расцвета достигла она в XIX столетии, когда в связи с дальнейшим развитием буржуазного общества художники стали особенно чуткими к драматическим судьбам народов.
Русская историческая живопись представлена произведениями Репина, Иванова, Серова и прежде всего, такого гиганта, как Суриков. Конечно, не всегда сюжет исторического полотна будет взят из действительно важных реальных событий истории. Не так уж на самом деле исторически значительна трагедия сосланного в Сибирь Меншикова, но в этом эпизоде Суриков сумел почувствовать отражение сложнейших противоречий всей эпохи петровских преобразований.
С историческим жанром тесно связан батальный, призванный изображать военные сцены, битвы. Историю крупнейших войн, которые вела Россия в прошлом веке, дал в своих известных циклах картин знаменитейший баталист Верещагин. Героем его картин стал простой солдат во все моменты его ратного труда: в походе, на отдыхе, в быту — всюду, где требуются его воля, сила, смекалка. Пейзажная живопись, в отличие от бытовой (жанровой), даёт возможность художнику выразить своё отношение к миру в широком, обобщённо-политическом плане, хотя она обращена не к прямому изображению человека или обстоятельств его жизни, а к миру природы, которая нас окружает.
Природа сближает людей, часто рождая у них сходные настроения, раздумья, переживания и поэтому произведения пейзажистов нам обычно близки и понятны, хотя человек в пейзажной картине нередко отсутствует. Удачно написанный пейзаж способствует более полному восприятию красоты и величия природы. Цель портретного искусства — фиксация внешнего облика и внутреннего содержания конкретного человека.
Живопись – это вечное искусство, к которому человек обратился еще во времена своего житья в пещерах, в каменном веке. Уже тогда люди стали испытывать тягу к прекрасному и стали украшать стены пещер различными картинами, бытовыми сценами и сценами охоты. С течением времени искусство живописи все более развивалось и настоящего расцвета достигло в эпоху Ренессанса, когда в Европе жили и творили великие мастера, чьими творениями мы восхищаемся до сих пор и которые во многом остались непревзойденными – Леонардо, Рафаэль, Караваджо. Во всех странах жили и творили художники, которыми гордилась их родина, шедевры которых украшали лучшие музеи и творчество которых заставляло замереть в восхищении сердца людей. В России золотой век живописи пришелся на 19 век, когда работали великие портретисты, маринисты, пейзажисты Айвазовский, Шишкин, Репин, Суриков. Живопись – это язык который не требует перевода и живописные образы доступны всем людям, не зависимо от их национальности. Живопись поднимает настроение, успокаивает, зовет и агитирует. В настоящее время существуют десятки направлений в живописи, иногда очень оригинальные, но от этого не менее прекрасные. Ведь живопись это прежде всего средство выразить свои чувства и эмоции, поделиться ими с другими людьми. И иногда самые простые картины приковывают к себе внимание миллионов и заставляют замереть перед ними в восхищении, как это было с “Черным квадратом” Малевича, хотя казалось бы что странного и прекрасного в обычном квадрате черного цвета? Но в этом великая сила живописи, которая заставляет видеть невидимое и чувствовать неощутимое.
В мою жизнь настоящая живопись вошла, когда мне в руки попала книга об итальянской галерее «Уффици». Иллюстрации картин Боттичелли, Рафаэля просто потрясли мою душу. Но настоящие картины, хотя и не таких великих мастеров, как Рафаэль, увиденные впервые в городском художественном музее, произвели на меня гораздо большее впечатление, чем иллюстрации. Потом были картинные галереи Москвы, куда я ходила, когда приезжала в гости к своей тете. В Третьяковке я подолгу простаивала у картин великих русских мастеров. Выходила просветленная и потрясенная. Особенно — картинами Васнецова и Врубеля. Теперь моя мечта посетить картинные галереи Киева, Львова и, конечно, Петербурга. А уж потом попасть в Лувр, Прадо, в Уффици, в Дрезденскую галерею, в Британский музей. Это программа-максимум моей взрослой жизни.
Рядом с программой-максимум всегда существует программа-минимум. Проект «Музей одной картины», который где-то еще существует, — это, по-моему, очень правильное направление в культурном просвещении народа. Люди живут не только в больших культурных центрах — это раз, осмотреть сразу всю, к примеру, Третьяковку — это, считай, не увидеть ничего. Это два. И третье: организация больших передвижных выставок — дорогостоящее и потому редкое мероприятие. Поэтому «Музей одной картины» (конечно, шедевра) должен существовать и расширять свою географию и выставляемые картины. Материал с сайта //iEssay.ru
Живопись в моей жизни
Искусство вообще, а живопись в частности занимают огромное место в жизни человека. Способность к творчеству, к созданию произведений искусства существенное отличие рода человеческого от остального живого мира. В ряду видов искусства живописи принадлежит особое место. Спросите: почему? Отвечу так.
Не каждый ребенок тянется к перу и бумаге, чтоб писать стихи или прозу. Не каждый хочет играть на рояле или скрипке. Но нет ребенка, который бы не пытался рисовать. И еще одно: из глубины веков до нас дошли свидетельства о живописных пробах древних цивилизаций. Наскальные рисунки, роспись предметов обихода — это ли не первый шаг к шедеврам Рафаэля?
В мою жизнь настоящая живопись вошла, когда мне в руки попала книга об итальянской галерее «Уффици». Иллюстрации картин Боттичелли, Рафаэля просто потрясли мою душу. Но настоящие картины, хотя и не таких великих мастеров, как Рафаэль, увиденные впервые в городском художественном музее, произвели на меня гораздо большее впечатление, чем иллюстрации. Потом были картинные галереи Москвы, куда я ходила, когда приезжала в гости к своей тете. В Третьяковке я подолгу простаивала у картин великих русских мастеров. Выходила просветленная и потрясенная. Особенно — картинами Васнецова и Врубеля. Теперь моя мечта посетить картинные галереи Киева, Львова и, конечно, Петербурга. А уж потом попасть в Лувр, Прадо, в Уффици, в Дрезденскую галерею, в Британский музей. Это программа-максимум моей взрослой жизни.
Рядом с программой-максимум всегда существует программа-минимум. Проект «Музей одной картины», который где-то еще существует, — это, по-моему, очень правильное направление в культурном просвещении народа. Люди живут не только в больших культурных центрах — это раз, осмотреть сразу всю, к примеру, Третьяковку — это, считай, не увидеть ничего. Это два. И третье: организация больших передвижных выставок — дорогостоящее и потому редкое мероприятие. Поэтому «Музей одной картины» (конечно, шедевра) должен существовать и расширять свою географию и выставляемые картины.
Была на телевидении прекрасная передача Никиты Михалкова, посвященная какому-нибудь одному из шедевров русской живописи. В этой передаче рассказывалось обо всем: и о самом художнике, и об особенностях картины, и об истории ее создания. Но главное: Н. Михалков открывал нам столько интересного о давно прошедшем времени, о быте тех времен и того сословия людей, которые были изображены на картине. Обо всем этом очень редко можно услышать в музеях или прочитать в книгах по искусству.
Заключая, хочу сказать, что живопись для меня — это вечный источник душевного наслаждения и познания жизни. Так пусть же он не иссякает никогда!
Искусство вообще, а живопись в частности занимают огромное место в жизни человека. Способность к творчеству, к созданию произведений искусства существенное отличие рода человеческого от остального живого мира. В ряду видов искусства живописи принадлежит особое место. Спросите: почему? Отвечу так.
Не каждый ребенок тянется к перу и бумаге, чтоб писать стихи или прозу. Не каждый хочет играть на рояле или скрипке. Но нет ребенка, который бы не пытался рисовать. И еще одно: из глубины веков до нас дошли свидетельства о живописных пробах древних цивилизаций. Наскальные рисунки, роспись предметов обихода — это ли не первый шаг к шедеврам Рафаэля?
В мою жизнь настоящая живопись вошла, когда мне в руки попала книга об итальянской галерее «Уффици». Иллюстрации картин Боттичелли, Рафаэля просто потрясли мою душу. Но настоящие картины, хотя и не таких великих мастеров, как Рафаэль, увиденные впервые в городском художественном музее, произвели на меня гораздо большее впечатление, чем иллюстрации. Потом были картинные галереи Москвы, куда я ходила, когда приезжала в гости к своей тете. В Третьяковке я подолгу простаивала у картин великих русских мастеров. Выходила просветленная и потрясенная. Особенно — картинами Васнецова и Врубеля. Теперь моя мечта посетить картинные галереи Киева, Львова и, конечно, Петербурга. А уж потом попасть в Лувр, Прадо, в Уффици, в Дрезденскую галерею, в Британский музей. Это программа-максимум моей взрослой жизни.
Рядом с программой-максимум всегда существует программа-минимум. Проект «Музей одной картины», который где-то еще существует, — это, по-моему, очень правильное направление в культурном просвещении народа. Люди живут не только в больших культурных центрах — это раз, осмотреть сразу всю, к примеру, Третьяковку — это, считай, не увидеть ничего. Это два. И третье: организация больших передвижных выставок — дорогостоящее и потому редкое мероприятие. Поэтому «Музей одной картины» (конечно, шедевра) должен существовать и расширять свою географию и выставляемые картины.
Была на телевидении прекрасная передача Никиты Михалкова, посвященная какому-нибудь одному из шедевров русской живописи. В этой передаче рассказывалось обо всем: и о самом художнике, и об особенностях картины, и об истории ее создания. Но главное: Н. Михалков открывал нам столько интересного о давно прошедшем времени, о быте тех времен и того сословия людей, которые были изображены на картине. Обо всем этом очень редко можно услышать в музеях или прочитать в книгах по искусству.
Заключая, хочу сказать, что живопись для меня — это вечный источник душевного наслаждения и познания жизни. Так пусть же он не иссякает никогда!
«Живопись — это поэзия, которую видят, а поэзия — это живопись, которую слышат» – так перевели изречение Леонардо да Винчи одни знатоки языка, но правильнее, мне лично так кажется, следующий вариант перевода: «Живопись – это немая поэзия, а поэзия – это слепая живопись». Пабло Пикассо сказал, что «Живопись – занятие для слепцов. Художник рисует не то, что видит, а то, что чувствует». Абсолютно применимо это изречение и к поэтам, они пишут стихи так же о том, что чувствуют, а не просто созерцают.
Что же прозвучало выше? Какой основной лейтмотив из выше сказанного я бы хотел взять? Ответ можно втиснуть в рамки одного предложения – поэзия и живопись – это 2 стороны одной медали, это чувственное, эмоциональное отображение происходящего вокруг внутри творческого человека.
Человек всю свою жизнь тянется к прекрасному. Совсем иное дело и другой вопрос в том, что это «прекрасное» для каждого отдельного человека свое или имеет свои нюансы. «На вкус и цвет…»,- как говорится. Творческое начало у каждого человека имеет свою степень выраженности – у одних оно развито чрезвычайно сильно, у других почти полностью атрофировано. Но никто не станет спорить, что те или иные события или явления в жизни волнуют, впечатляют, заставляют радоваться или горевать. Если человек не впечатляется ничем, то у него психологические проблемы или отклонения, которые следует лечить или исправлять.
Но вот эмоции, чувства, размышления – это и есть родители живописи и поэзии. Именно – общие родители, а значит, что эти 2 вида искусства родные друг для друга. Лично я считаю, что при всем моем почтении к глубокоуважаемому, великому и несравненному Леонардо, мастер был не прав в своем суждении. Так сказать – это слишком недопустимо поверхностно. Потому, что бывает, и это мое неоспоримое субъективное мнение, когда поэзия рисует в моем воображении картины, а живопись поет.
О ЖИВОПИСИ…
Различают несколько разновидностей живописного искусства. Наиболее хорошо известна и наиболее распространена в настоящее время так называемая станковая живопись, к которой относятся обычные картины любого содержания.
Их главным отличительным свойством является то, что их можно переносить с места на место, вешая на любой подходящей для этого стене. Теперь картины пишут обычно на холсте, натянутом на специально сделанный деревянный подрамник. Готовую картину вставляют в раму, которая во многих случаях имеет такую форму, что создаёт впечатление оконного косяка, а само изображение на холсте становится похожим на вид, открывающийся в воображаемом окне.
Станковая живопись появилась сравнительно недавно — немногим более пятисот лет тому назад, в эпоху Возрождения: она как нельзя лучше отвечала потребностям мастеров того времени — воспроизводить реальный мир со всей непосредственностью и жизненной убедительностью.
Название своё станковая живопись получила оттого, что пишутся картины на особом виде станка, называемом французским словом «мольберт».
А вот произведения монументальной живописи, едва ли не самой древней в истории человечества, пишутся на поверхности стен или на перекрытиях зданий, украшать которые они предназначены. Ещё люди каменного века расписывали стены пещер изображениями разных животных, выполняя их несколькими красками. Процветала она и позже: в античную эпоху в греко-римском мире и в средние века.
Живопись – это творение жизни во всех её проявлениях. Живописцы переносят зрительные образы, мысли, чувства, состояния посредством нанесения красок на основу. Современное искусство включает так же изображения, выполненные с помощью цифровых технологий, хотя берёт своё начало в глубокой древности, в эпоху первобытного общества, на стенах пещер.
Физиологически люди мало чем отличаются от животных и даже состоят с ними в одних и тех же систематических группах. Самое главное, что приобрёл человек за всё время эволюции – это ВООБРАЖЕНИЕ. Именно благодаря воображению мы стали так отличаться от всего животного мира, смогли преобразовать то, что нас окружает, запечатлеть, украсить. Первобытные люди изображали на стенах пещер то, что они видели вокруг, то, чего они боялись, то, к чему стремились. Например, изображая и рассматривая различные этапы охоты, древний человек воодушевлялся перед боем, учился, перенимал технику, а, рисуя приручённых животных, любовался своими достижениями, радовался стабильности в пропитании, благодарил природу за возможность жить под её защитой и покровительством. Живопись была для наших далёких предков источником самовыражения, связи друг с другом, попыткой закрепиться в зачастую враждебном мире.
Трудно сказать, что побудило древнего человека начать изображать окружающий его мир. Возможно, рисуя всё то, что его волнует, он становился увереннее, а, может быть, это был хороший способ обучать своих соплеменников приёмам выживания. Что же изменилось с течением времени? Почему до сих пор человек берётся за кисть? Зачем ему, окружённому столькими достижениями науки и техники, рисовать? Причины значительно не изменились. Здесь и стремление к самовыражению, и возможность поделиться информацией, и изображение своих страхов, которые и теперь связаны с окружающим миром, его укладом, традициями и требованиями.
Живопись-это след самой жизни, который может оставить не только человек, но и сама природа, частью которой он является, и время. С одной стороны шедевром живописи можно назвать всю биосферу, состоящую из живых объектов или преобразованную ими. А с другой стороны, живопись сама формирует искусственную и природную среду.
Человек неутомимо придумывает всё новые и новые способы для создания и сохранения своего следа в истории планеты. Сегодня уже никого не удивляют традиционные техники живописи, такие как: энкаустика, темперная, настенная, клеевая техника, живопись масляными, а с недавнего времени, и синтетическими краски со связующим веществом из полимеров.
Во все времена люди творили на твёрдых поверхностях, которые могут быть плоскими, например, холст, дерево, стены, стёкла, асфальт, кожа, металл, или имеют сложную форму. Они и сегодня различными способами имитируют трёхмерное пространство в плоскости, посредством линейной и цветовой перспективы, но уже не просто воспроизводят реальность, а смело экспериментируют с пространством и временем. Живопись успешно выполняет глобальные функции – познавательную, эстетическую, религиозную, идеологическую, документальную, социально-воспитательную, философскую. Она, посредством цвета, который в силу психологических факторов воздействия и восприятия, сам по себе является носителем идеи, позволяет решать ряд морально-нравственных, исторических, образовательных и других вопросов. Не случайно, современная живопись столь многогранна и непредсказуема. Ближайшие десятилетия ознаменовались разнообразием новых течений и направлений в искусстве, каждое из которых отражало общественные, научные и философские изменения своего времени. Это и абстрактный экспрессионизм 50х, с его огромными полотнами, большими кистями и полнейшим выбросом эмоций благодаря свободным каплям краски, и сменивший его поп-арт 60-х, ориентированный на новую образность, создаваемую средствами массовой информации, и фотореализм, собирающий свои художественные объекты с помощью камеры и фотографий. Следующие десятилетия подарили человечеству граффити, неогеометрический концептуализм, тоизм, веб-искусство, софт-арт, стрит-арт и многое другое. Но какое бы направление не выбрал человек для своего творчества, он и сегодня, и завтра будет брать в руки средство для рисования, чтобы запечатлеть мир именно таким, каким видит его только он, ведь взгляд каждого из нас на всё окружающее уникален, ценен и неповторим. Художники снова и снова будут нашими проводниками в мир чувств и фантазий. Они будут пропускать через себя всё важное, волнующее и значимое, и творить, чтобы показать людям глубину человеческих чувств, чтобы возвышать, исцелять, останавливать время, оставлять свой след в истории человечества – свою живопись.
Автор: Наталья Черная
Живопись — один из древнейших видов искусства, достигший своего расцвета в эпоху Возрождения: Рафаэль и Леонардо да Винчи, а вслед за ними… Рокотов и Левицкий, Брюллов и великие французы: Ренуар, Сезанн… Разве всех перечислишь?! Это искусство, которое совершенствуется, движется вперед, собирая вокруг себя все новых и новых поклонников. Еще не понимая ничего в поэзии и живописи, я услышала стихи Заболоцкого «Любите живопись, поэты!» и рисовала в своем детском воображении прекрасный образ Струйской, которой посвящены эти строки. Она мне виделась то Золушкой, то героиней сказок Пушкина. Позже я увидела ее портрет в Третьяковской галерее, и мне казалось, что я увидела свою давнюю знакомую, даже родственницу, о которой много слышала, давно мечтала об этой встрече. Но как точно определил поэт состояние этой необыкновенной женщины!
Ее глаза — как два тумана.
Полуулыбка, полуплач,
Ее глаза — как два обмана,
Покрытых мглою неудач.
Оттенки серого цвета, в которых написан портрет, поражают своим разнообразием: от серебристого газа или тончайшего шелка, окутывающего красавицу, до почти черного блеска ее глаз и общего фона картины. Ее глаза именно «мерцают». Лучшего слова не подобрать. Портрет написан в минорных тонах. Струйская о чем-то грустит или размышляет, и лишь глаза горят внутренним огнем, раскрывая зрителям пылкую душу, яркую натуру необыкновенной женщины. Поэт помогает и тут понять потаенные мысли этого неземного создания.
Соединенъе двух загадок,
Полувосторг, полуиспуг.
Безумной нежности припадок,
Предвосхищенъе смертных мук.
Полюбить живопись, стараться ее понять мне помог поэт Заболоцкий, который сумел передать в небольшом стихотворении красоту не просто женского лица, но художественного произведения в целом, отныне ставшего для меня эталоном красоты и совершенства. Вслед за поэтом я часто повторяю:
Когда потемки наступают
И приближается гроза.
Со дна души моей мерцают
Ее прекрасные глаза.
Конечно же, есть работы известнее, совершеннее этого небольшого портрета, но благодаря стихотворению Заболоцкого Рокотов стал моим любимым художником. Его портреты поражают меня реализмом и изысканной манерой исполнения. Они гармоничны, как сама жизнь, которую художник пытался отразить в своем творчестве.
Благодаря Заболоцкому я стала интересоваться живописью. Пусть не на профессиональном уровне, но самостоятельно пыталась проникнуть в замысел художника, увидеть и понять красоту и гармонию, которые он несет людям в своем искусстве.
Так поэт и художник, объединившись, несут в мир добро и красоту.
В веселой, притопывающей песенке нет и десятка слов, а перед глазами возникает солнце, вороха соломы, рокочущая веялка, девушки в повязанных до бровей платках. Частушек у народа многие десятки тысяч; большинство их хранит неповторимую интонацию самобытного душевного движения, рождающего однострофную песню-миниатюру, многоголосую, светлую, реагирующую на слабые моменты жизни человека. В частушке фольклор достигает яркого самовыражения исполнителя, отсюда и вариации одного и того же текста, разные его оттенки: Не запью я свое горе И ни пивом,i ни вином: Я те, милка, не забуду И ни вечером, ни днем! Не запить мне свово горюшка Ни пивом, ни вином: Не забыть своих сыночков Мне ни ноченькой, ни днем!.. После отмены крепостного права в деревне пошатнулись старозаветные бытовые устои, и эмоциональный мир личности начал постепенно высвобождаться из «вековых цепей». Именно в этот период повсеместно распространяется частушка. Сельская лирика всегда идеализировала действительность (достаточно вспомнить лирическую песню), в частушке же ощутимо меняется художественная форма, приобретая гибкость пословицы и загадки. В частушечной культуре зазвенели ручьи разговорной речи, сборники частушек, словно открываясь гомону ярмарочной толпы, полнятся шумным многоголосьем. Мы с миленочком расстались — Оба мы заплакали. Золотые наши слезы На дорожку капали.
С частушкой народное искусство обрело свободу речевого жеста, и образ лирического героя стал раскрываться через социальную и психологическую характерность высказывания человека, через прямое соответствие слова и интонации персонажа его облику и душевному состоянию. От дружка письмо пришло, От маменьки скрывается В черной юпочке в кармане: . Каждый день читается. Я сидела на угоре На той на высоте… Дай ты, боже, помоложе — По моей по красоте! Частушка способна говорить о чувстве, не называя его самого. Я рассыпала часы — Сбила серебриночки. Не часы рассыпала — Горячие слезиночки. Исключительная зоркость жанра, внимание к едва уловимым, к тенью набегающим чувствам, к подробностям и оттенкам человеческого поведения сделали частушку искусством предельной психологической правды. В ту сторонушку взглянула — Все равно как побыла. Платочком беленьким махнула — Все равно как отдала. Частушка отражала молодой задор, тайное признание, иносказание, обещание встречи и преддверие разлуки. Достигая абсолютных высот лиризма, частушка утончила художественную культуру индивидуального высказывания.
В ней душа народа вообще, а говорящего, и вместе с тем она необыкновенно универсальна, отражает дух нации, юмор, непременно присутствующий в большинстве текстов. Ай ты, мила, попляши: Твои ножки хороши! Твои щечки как цветочки, — Целовать их разреши! Не умерла частушка и в наши дни, она заметно погрубела, приобрела остро сатирический оттенок, но осталась столь же ярким и самобытным видом фольклора, непременным атрибутом народных гуляний и праздников. У парнишки моего Новая хваленая: В четырех водах умоется — И все-таки зеленая! У меня миленок — летчик, Я его невеста. Если сяду в самолет, Самолет — ни с места!
ЖАНРЫ ЖИВОПИСИ
Жанрами в живописи называют её разновидности, которые определяются предметом изображения. Одним из наиболее важных и широко распространённых является бытовой жанр, то есть изображение повседневной жизни. Бытовой жанр часто называют жанровой живописью. Интерес к ней понятен: это искусство говорит о нас самих, о наших делах и днях. О труде и об отдыхе, о радостях и тревогах, стремлениях и успехах таких же, как и мы с вами, обыкновенных людей. Жанровая живопись помогает нам прямо и непосредственно осмысливать нашу жизнь, наш сегодняшний день: в ней отражаются те жизненные ситуации и вопросы, которые волнуют нас и ответы на которые мы ищем. Художникам всегда хотелось запечатлеть также «шаги истории самой»: какие-либо более или менее важные события общественной жизни минувших времён или просто быт ушедших поколений. Историческая живопись существует очень давно, со времён Древнего Египта, но подлинного расцвета достигла она в XIX столетии, когда в связи с дальнейшим развитием буржуазного общества художники стали особенно чуткими к драматическим судьбам народов.
Русская историческая живопись представлена произведениями Репина, Иванова, Серова и прежде всего, такого гиганта, как Суриков. Конечно, не всегда сюжет исторического полотна будет взят из действительно важных реальных событий истории. Не так уж на самом деле исторически значительна трагедия сосланного в Сибирь Меншикова, но в этом эпизоде Суриков сумел почувствовать отражение сложнейших противоречий всей эпохи петровских преобразований.
С историческим жанром тесно связан батальный, призванный изображать военные сцены, битвы. Историю крупнейших войн, которые вела Россия в прошлом веке, дал в своих известных циклах картин знаменитейший баталист Верещагин. Героем его картин стал простой солдат во все моменты его ратного труда: в походе, на отдыхе, в быту — всюду, где требуются его воля, сила, смекалка. Пейзажная живопись, в отличие от бытовой (жанровой), даёт возможность художнику выразить своё отношение к миру в широком, обобщённо-политическом плане, хотя она обращена не к прямому изображению человека или обстоятельств его жизни, а к миру природы, которая нас окружает.
Природа сближает людей, часто рождая у них сходные настроения, раздумья, переживания и поэтому произведения пейзажистов нам обычно близки и понятны, хотя человек в пейзажной картине нередко отсутствует. Удачно написанный пейзаж способствует более полному восприятию красоты и величия природы. Цель портретного искусства — фиксация внешнего облика и внутреннего содержания конкретного человека.