Дрался он со Змием еще три часа
И убил Змею ту проклятую.
(Из былины)
Я очень люблю русские народные сказки и былины. Поэтому особенно тепло отношусь к творчеству Виктора Михайловича Васнецова. Мне известно, что это многоплановый художник: он и мастер монументальной живописи, и архитектор. Но особенно интересен был ему мир поэтических русских сказок, былин и легенд, в которых отражена душа нашего народа, его мечты и чаяния. К этому волшебному миру Васнецов обратился первым из русских художников, создав свои знаменитые эпические полотна: “Богатыри”, “Аленушка”, “После побоища”. Эти картины воистину стали народными, символами красоты и силы русского народа. В своих картинах-сказках Васнецов широко использовал специфику самого жанра живописи. Ни в музыке, ни в слове нельзя со всей ясностью показать внешность людей, их движения, выражения лиц, покрой и цвет костюмов, форму и цвет предметов и т.д. Живопись дает художнику такие возможности. Однако живопись не может изобразить действие, развернутое во времени. Художник должен выбрать один характерный момент, важный для всего повествования в целом. Мне ‘кажется, Васнецову удалось в своем творчестве преодолеть этот временной барьер. Он насыщает сюжет картины-сказки такими подробностями, о которых не упоминается в литературном тексте, превращает его в сложную, многогранную красочную композицию. В картине “Царевна-лягушка”, например, во время своего знаменитого танца на царском пиру Василиса Премудрая по тексту сказки “махнула левой рукой – сделалось озеро, махнула правой – поплыли по воде белые лебеди…”. Взглянув на картину и сравнив ее с литературным текстом, сразу же обнаруживаешь на картине новые детали: кроме сидящих на воде лебедей, на втором плане вслед за облаками летит еще пара белоснежных птиц, а вдали синеет лес и золотится пшеничное поле. Эти дополнительные детали создают ощущение действия, развернутого во времени и даже пространстве. Присутствие на картине облаков как бы сообщило птицам энергию движения. Сама Василиса Премудрая изображена в момент перед свершением очередного чуда. То есть предполагаемое движение руки держит нас в ожидании следующего действия. Я видел рисунки других художников на эту тему. Они рисовали героиню в момент, когда птицы вылетают их ее рукава. Но, к сожалению, несмотря на всю внешнюю обозначенность действия, самого действия, увы, не ощущается. Поэтому опыт Васнецова несомненно уникален.
Я считаю, на эти открытия художника вдохновляло собственное сказочное мироощущение. Он верил, что мир волшебен, и не верил в ограниченность возможностей передать это волшебство с помощью живописи. Например, в картине “Спящая Царевна” Васнецов поставил себе новую волшебную задачу: время в какие-то моменты не властно над человеком. По литературному тексту вместе с Царевной уснули и все присутствующие. Прошли годы, и вокруг дворца вырос непроходимый, дремучий лес. На картине есть и лес, и спящие вповалку люди, но ощущение власти человека над временем достигается, по-моему, композиционным приемом: художник нарисовал Царевну спящей между прелестной девочкой – на первом плане, и колоннами – на втором плане, которые увенчаны изображением головок двух царевен. Это как бы символизирует живую и мертвую воду, между которыми находится Спящая Царевна. И пока красота живая и красота мертвая находятся возле нее, ни время, ни смерть не властны над главной героиней картины. Мне кажется, эта картина самое сложное по исполнению и по замыслу полотно Васнецова. Удивительно тонко выразил художник чувство заснувшей, ожидающей своего пробуждения жизни. Возможно, пытливому взгляду откроются в этой картине и еще какие-то моменты. Таково свойство гениального произведения искусства: бесконечно волновать воображение людей.
Иных героев изображает Васнецов в картине “Несмеяна-царевна”. На высоком троне из слоновой кости восседает царевна Несмеяна. На лице ее глубокая тоска. Ничего не веселит и не радует царевну. Во дворец приглашены все: тут и нарядные женихи из дальних стран, тут и дворцовые скоморохи, и слуги, и толпы народа. Все пришли, чтобы развеселить царевну, но только простому юноше удается затронуть ее сердце. Но мне видится в этой картине нечто большее, чем известный сказочный сюжет. Мне кажется, Васнецов изобразил Россию в трех моментах: прошлом, настоящем, будущем. Почему Россия? Потому что царевна сидит на троне из слоновой кости, возвышаясь над всеми. Слоновая кость – символ центра мира. На заднем плане виднеется роспись типа фресок. Это прошлое России. По левую руку царевны, в просвете между колоннами, синеет даль, а колонна, расписанная в елочку, очень напоминает русскую полосатую версту. Вспомним у Пушкина: “Только версты полосаты попадаются од не…”
Печаль царевны – это настоящее России; по правую руку прошлое, которое символизируют два всадника, съезжающие для боя на белом и темном конях; по левую руку – манящее светлой далью будущее. Вот почему я считаю Васнецова прекрасной волшебной сказкой, которой ни расстояние, ни время не указчики, а только слушается эта волшебная сила русского духа. Как сказал великий сказочный поэт Александр Сергеевич Пушкин: “Там русский дух… там Русью пахнет!” Эти восторженные слова очень подходят к картинам В. М. Васнецова.
МУНИЦИПАЛЬНОЕ БЮДЖЕТНОЕ ОБЩЕОБРАЗОВАТЕЛЬНОЕ УЧРЕЖДЕНИЕ-
СРЕДНЯЯ ОБЩЕОБРАЗОВАТЕЛЬНАЯ ШКОЛА №7 Г. БЕЛГОРОДА
Конкурс «Прогулки по Эрмитажу»
Номинация «Созвучие красок»
Эссе
«Душа художника – в его произведении»
Автор учащаяся 5 «В» класса
МБОУ СОШ №7 г. Белгорода
Кравченко Маргарита Артёмовна
Домашний адрес г. Белгород,
ул. Железнякова д.15 кв. 19
тел.: 8-919-227-59-79
Преподаватель Невструева
Татьяна Александровна
Е-mail [email protected]
Душа художника – в его произведении
Скажу честно: я никогда не была в Эрмитаже.
Но я очень люблю рисовать, и мне интересно всё, что связано с живописью. Конечно, до определенного момента я даже не задумывалась о том, где хранятся картины знаменитых художников, какова история создания произведения, да и вообще не было особого интереса к какому-либо музею.
Мама подарила мне тетрадь с художественной обложкой, на которой было фото неизвестной мне картины. Но я была поражена наполненностью этого произведения воздухом и светом. Ярко-красные, как капли крови, цветы на клумбе посреди сада словно запылали от кисти художника. Мне захотелось узнать, что это за картина и кто ее автор. Интернет помог мне узнать, что картина, на которой изображена дама в ослепительно белом платье, это «Дама в саду Сент-Адресс», написана известным французским художником Клодом Моне в 1867 году, а в 1930 году картина поступила в Эрмитаж из Государственного музея нового западного искусства в Москве.
Клод Моне…Клод Моне – Клод Моне – Клод Моне… так-так-та-а-ак…
Клод Моне. С этим именем мне в голову, пришло название ресторана французской кухни из телесериала «Кухня». Да-да, теперь мне и самой смешно об этом вспоминать, какая я была дремучая! Но теперь-то я знаю, что художник, от картин которого захватывает дух и хочется радоваться жизни – Клод Моне (1840 – 1926) – французский живописец второй половины XIX века, один из основателей направления импрессионизма в искусстве.
Я смотрю на полотно через экран компьютера… Конечно, была бы я в Эрмитаже, созерцая произведения великих художников, мне было бы трудно оторваться даже на минуту от «Дамы в саду Сент-Адресс».
Можно сказать, что изображение женщины здесь совершенно неосязаемо, оно не первостепенно, а лишь помогает понять и увидеть красоту природы. Я снова и снова возвращаюсь мыслями в сад Сент-Адресс…
Зной летнего дня, солнечные лучи пронизывают мозаику листвы на дереве, которое стоит в самом центре клумбы. Здесь же находиться прогуливающаяся девушка в ослепительно белом платье. Нет, это не просто белый: тут и синий, и розовый, и голубой….Как же чудесно Моне передал эту сияющую белизну платья дамы!
Я задумалась: почему художник не показал нам лица девушки?.. Возможно, потому, чтобы показать её равнозначность с природой, ведь природа безлика, она в каждом алом цветке на клумбе, в каждой травинке, а также и в этой девушке, гуляющей под зонтиком в саду.
Картина настолько воздушна и ярка, что девушка на картине мне кажется настолько слившейся с природой, что она передо мной встает не человеком, а белым лебедем, плывущим вдоль кустарников по саду.
Я наблюдала за движением на полотне, да-да, там есть движение, хотя природа и замерла, когда ее поместили на холст, природа живет, она дарит нам свою негу в летний зной.
Глядя на картину, понимаешь, что для Клода Моне тема природы является излюбленной темой для творчества, ведь пейзаж, написанный не в помещении, а с натуры, на пленере, настолько неповторим и ярок, что изображенная на нём дама, кажется, вот-вот сольётся с этой природой, её поглотят эти дивные краски.
Великолепие сада, пышные кроны деревьев и юная девушка, которая любуется окружающим пейзажем — во всем этом сам Моне, его душа, душа настоящего художника, который способен любить и наслаждаться окружающим миром.
Пожалуй, «Дама в саду Сент-Адресс» Клода Моне убедит меня когда-нибудь посетить Эрмитаж, не через экран компьютера и не из книги почувствовать этот свет и воздух, насытиться эмоциями от ярких красок импрессиониста, и не путать больше великого художника с рестораном французской кухни из телесериала.
Мой любимый художник
Я очень люблю море, поэтому мне нравится творчество художников-маринистов. Но больше всех — картины Ивана Константиновича Айвазовского.
Айвазовский, уроженец Феодосии, с детства был влюблен в изменчивую жизнь моря. Он знал море спокойным и бушующим. Таким оно и изображено на его полотнах. Лунные ночи на штилевом море чаруют нас красотой, а картины морских бурь и кораблекрушений потрясают мощью разбушевавшихся волн. Картины Айвазовского “Буря ночью”, “Девятый вал”, “Лунная ночь” занимают почетные места среди работ величайших маринистов.
Но я хочу рассказать о картине “Радуга”, которую я не так давно для себя открыл. На картине изображено кораблекрушение в бурю. Под напором могучих волн корабль наклонился набок. Недолго ему осталось ждать своей страшной участи. Но люди успели пересесть в лодку. Волны так и рвутся поглотить и корабль, и лодку, наполненную людьми. Море и небо как будто схлестнулись в борьбе. Но вот уже виден просвет среди туч, прорвалось солнце и осветило кипящие волны. Они кажутся прозрачными, а пена на них — невесомой. Над лодкой повисает радуга — она сулит людям спасение. И буревестник, острыми крыльями врезающийся в радугу, издает победный клич…
На мгновение замерли люди в лодке, ждут, что пророчат им птицы: жизнь или смерть. Увидев радугу, они поднимаются ей навстречу, еще не веря в свое спасение…
Я люблю творчество Айвазовского и так хотел бы побывать в Феодосийской картинной галерее его имени!
«Художник мыслит образами, он рисует, показывает, изображает»,- написал Григорий Яковлевич Солганик, доктор филологических наук. «В этом и заключается специфика языка художественной литературы»,- таков конец этого высказывания.
В принципе, все понятно. Как по мне – так и, вообще, ничего нового этот доктор наук и не сказал. Ведь, если литература относится к разряду художественной, то и язык которым она написана – художественный, то есть, за определением – красочный, образный, изобразительный. Даже если рассудить – какая, если не такая, должна бы быть специфика языка художественной литературы? Кроме того как согласиться с такими словами-определением Г.Я. Солганика, то и ничего более и не сделаешь. Обманывать самого себя: восхищаться конгениальностью фразы, говорить, что это его выражение не имеет земных рамок – нет! Я такого делать не буду, уж извиняйте. Без никаких сомнений, я согласен с сутью фразы, она ясна до банальности и проста до примитивности.
Попробуем доказать позицию от обратного? Да запросто! Покажите мне того человека, который будет упорствовать в том, что творческий человек с ярко выраженным художественным началом, в данном случае – писатель, мыслит шаблонно, скупо, серо, не подключая ни капельки свое воображение. Ой, что-то мало объектов для контраргументирования? Ну, дело такое…
Вне сомнений, доктор филологических наук Григорий Яковлевич Солганик – большой человек, умный, авторитетный. Завуалированное определение художественной литературы в его словах – понятное, с таким определением я с удовольствием соглашаюсь, но отнюдь им не умиляюсь.
Действительно, русский язык настолько могуч и богат, что его словесный и конструктивный запас вооружает любого человека достаточным количеством средств для вербализации образов, картин, любых явлений и событий. «Художник»-писатель, за Солгаником, может, используя богатый русский язык, донести желаемые образы и картины целевой аудитории, тем самым раскрывая суть художественной литературы.
сочинение на тему -Художник
Ответы:
Художник — это человек, который зарабатывает себе на жизнь рисованием. Хотя художественное творчество может не приносить доход (как у Ван Гога), но если это основной вид деятельности, то такую личность всё равно можно причислить к представителям этой профессии. Появление человека разумного как вида совпадает с зарождением изобразительного искусства. Учёным удалось найти первобытные скульптуры, рисунки на стенах пещер со времён верхнего палеолита. Именно благодаря работе художников и простых умельцев можно изучать историю целых народов. В ХХ веке художники смогли найти себе применение в новых сферах — тату, компьютерная графика, фотография.… Значимость работы художника зависит от его узкой специализации. Например, если он рисует картины и продаёт их, то польза в этом сугубо эстетическая для коллекционера. Без многих вещей можно обойтись длительное время — без телевизора, без походов в галерею, без красивых заставок на рабочем столе. Поэтому, если труд художников востребован, то это значит, что у людей есть всё необходимое для жизни и они могут себе позволить такое хобби — думать и рассуждать об искусстве. Другими словами, увлечение изобразительным искусством зависит от экономической ситуации в стране. Художник должен быть талантливым, уметь рисовать и чертить. Не обойтись ему без специальных знаний — правила смешиваний красок, значение света и качества используемой туши, бумаги, карандашей. Такая работа подразумевает терпеливое отношение, так как для создания портера понадобится минимум 4 часа времени. Представители этой профессии являются зачастую экспрессивными людьми, которым не знакомо слово реализм. Но от реалий скрыться не удалось ни одному мечтателю. Ведь рисует художник не для себя (как бы ему этого не хотелось), а для потребителя — его картины должны продаваться, дизайнерские решения быть актуальными, созданный стиль отвечать времени и месту. Слишком много рамок и ограничений не всегда может принять и понять творческая личность, поэтому не всем удаётся избежать стрессов, финансового краха, непонимания окружающих.
Каждый человек должен иметь профессию. Идеальное сочетание – это когда хобби является работой или наоборот. В таком случае человек идет на свою работу как на праздник, он меньше устает, с удовольствием исполняет свои обязанности, у него проявляется креативность и всегда находится стимул. Все эти положительные факторы приводят к отличным результатам и можно много чего добиться в своей профессии.
Что касается меня, то мне очень нравится профессия художника. Интерес к этой профессии возник у меня в пятом классе. Тогда к нам пришел новый учитель рисования, который был художником. Всего за несколько дней он нарисовал на стенах кабинета очень красивые лесные пейзажи, и они потрясли не только учеников, но и учителей. Потом мы узнали, что он разрисовал также некоторые стены в небольшой местной церкви. Библейская тематика его живописи была просто изумительной.
Что касается школьных занятий, то я считаю, что это просто счастье иметь такого учителя. Он очень интересно и подробно все объясняет: как рисовать, какие линии использовать, как правильно делать тень, как располагать разные элементы и многое другое. Спустя некоторое время в школе открылся кружок рисования. Я с радостью записался. Мы занимаемся два раза в неделю. Дополнительные уроки значительно отличаются от обычных. Для рисования мы используем деревянные мольберты, разнообразные кисти и более тщательно учимся смешивать цвета для того, чтобы получить необходимые оттенки. Рисовать на профессиональных подставках намного интереснее, это помогает сразу ощутить себя художником и это вызывает чувство гордости. Некоторые наши занятия проходят под открытым небом. Иногда рисовать приходится в парке, на берегу озера, возле мостов или исторических построек. Сейчас мы учимся как правильно изображать пейзажи: леса, поля, реки, водопады в разные времена года. У меня уже есть несколько таких рисунков. Один из наилучших я назвал «Утро в весеннем лесу». На нем нарисованы не только деревья, кусты, трава, но и птицы, а также много ярких бабочек.
В будущем я очень хочу стать художником мультипликатором. Мне нравится фантазировать и создавать разнообразных героев. В основном в их роли я вижу добрых зверюшек, одетых в яркие одежки, они мило улыбаются и совсем не знают, что такое злость и подлость. Таким образом на телеэкранах появилось бы больше поучительных мультфильмов, которые заряжали бы детей позитивом и демонстрировали, что добро всегда побеждает зло.
Мой любимый художник Сальвадор Дали. Он является очень известным испанским живописцем, который работал в направлении сюрреализм. Кроме того, его знают, как непревзойденного скульптора и режиссера.
Сальвадор Дали родился в городе Фигуэрасе, Испания, 11 мая 1904 года в богатой семье. Его отец работал нотариусом, поэтому их жизнь проходила в достатке. В детстве Сальвадор Дали был непослушным, капризным ребенком, чем часто доставлял немало хлопот своим родителям. Он регулярно демонстрировал окружающим свою бунтарскую натуру и это становилось его особенностью. Ему трудно было находить общий язык со сверстниками, так как он всегда хотел показать свою индивидуальность и неповторимость. В школьные годы Сальвадор Дали продолжал делать эпатажные поступки, любил драться и скандалить. В 1921 году он поступил в Академию Сан-Фернандо. Этот период был очень тяжелый для него, так как в этом же году умерла его мать. Собравшись с силами Сальвадору Дали все-таки удалось подготовить достойный рисунок для того, чтобы поступить в Академию. К сожалению, закончить ее, талантливому художнику не удалось. Помешал высокомерный характер и хамское отношение к преподавателям. Поэтому он решил уехать в Париж, где встретился с Пабло Пикассо, который помог ему определиться со своим стилем.
Сальвадор Дали активно развивал новые течения в живописи, часто экспериментировал. В Париже он работал над фильмами в сюрреалистическом направлении, вместе с другими художниками и режиссерами. Все это поспособствовало возникновению новых идей и фантазий, которые нашли отображение в его картинах.
На полотнах Сальвадора Дали изображены разные темы: война и ее последствия, человеческие чувства, психология, страхи и переживания, животные, фантастические существа, разные предметы, необычная природа, портреты, натюрморты и многие другие. Мне больше всего нравятся картины на которых изображен хлеб. Одна из них называется «Корзина с хлебом». Это потрясающий натюрморт, который снова и снова напоминает нам, что хлеб является главным в жизни каждого человека. На нем изображены четыре кусочка хлеба в красивой плетенной корзинке. Таким образом художник демонстрирует свое особенное к нему отношение.
Сейчас картины Сальвадора Дали хранятся в театре-музее города Фигуэрас, а также их можно увидеть в США, в лучших музеях мира и в некоторых частных коллекциях.
Дрался он со Змием еще три часа
И убил Змею ту проклятую.
(Из былины)
Я очень люблю русские народные сказки и былины. Поэтому особенно тепло отношусь к творчеству Виктора Михайловича Васнецова. Мне известно, что это многоплановый художник: он и мастер монументальной живописи, и архитектор. Но особенно интересен был ему мир поэтических русских сказок, былин и легенд, в которых отражена душа нашего народа, его мечты и чаяния. К этому волшебному миру Васнецов обратился первым из русских художников, создав свои знаменитые эпические полотна: “Богатыри”, “Аленушка”, “После побоища”. Эти картины воистину стали народными, символами красоты и силы русского народа. В своих картинах-сказках Васнецов широко использовал специфику самого жанра живописи. Ни в музыке, ни в слове нельзя со всей ясностью показать внешность людей, их движения, выражения лиц, покрой и цвет костюмов, форму и цвет предметов и т.д. Живопись дает художнику такие возможности. Однако живопись не может изобразить действие, развернутое во времени. Художник должен выбрать один характерный момент, важный для всего повествования в целом. Мне ‘кажется, Васнецову удалось в своем творчестве преодолеть этот временной барьер. Он насыщает сюжет картины-сказки такими подробностями, о которых не упоминается в литературном тексте, превращает его в сложную, многогранную красочную композицию. В картине “Царевна-лягушка”, например, во время своего знаменитого танца на царском пиру Василиса Премудрая по тексту сказки “махнула левой рукой – сделалось озеро, махнула правой – поплыли по воде белые лебеди…”. Взглянув на картину и сравнив ее с литературным текстом, сразу же обнаруживаешь на картине новые детали: кроме сидящих на воде лебедей, на втором плане вслед за облаками летит еще пара белоснежных птиц, а вдали синеет лес и золотится пшеничное поле. Эти дополнительные детали создают ощущение действия, развернутого во времени и даже пространстве. Присутствие на картине облаков как бы сообщило птицам энергию движения. Сама Василиса Премудрая изображена в момент перед свершением очередного чуда. То есть предполагаемое движение руки держит нас в ожидании следующего действия. Я видел рисунки других художников на эту тему. Они рисовали героиню в момент, когда птицы вылетают их ее рукава. Но, к сожалению, несмотря на всю внешнюю обозначенность действия, самого действия, увы, не ощущается. Поэтому опыт Васнецова несомненно уникален.
Я считаю, на эти открытия художника вдохновляло собственное сказочное мироощущение. Он верил, что мир волшебен, и не верил в ограниченность возможностей передать это волшебство с помощью живописи. Например, в картине “Спящая Царевна” Васнецов поставил себе новую волшебную задачу: время в какие-то моменты не властно над человеком. По литературному тексту вместе с Царевной уснули и все присутствующие. Прошли годы, и вокруг дворца вырос непроходимый, дремучий лес. На картине есть и лес, и спящие вповалку люди, но ощущение власти человека над временем достигается, по-моему, композиционным приемом: художник нарисовал Царевну спящей между прелестной девочкой – на первом плане, и колоннами – на втором плане, которые увенчаны изображением головок двух царевен. Это как бы символизирует живую и мертвую воду, между которыми находится Спящая Царевна. И пока красота живая и красота мертвая находятся возле нее, ни время, ни смерть не властны над главной героиней картины. Мне кажется, эта картина самое сложное по исполнению и по замыслу полотно Васнецова. Удивительно тонко выразил художник чувство заснувшей, ожидающей своего пробуждения жизни. Возможно, пытливому взгляду откроются в этой картине и еще какие-то моменты. Таково свойство гениального произведения искусства: бесконечно волновать воображение людей.
Иных героев изображает Васнецов в картине “Несмеяна-царевна”. На высоком троне из слоновой кости восседает царевна Несмеяна. На лице ее глубокая тоска. Ничего не веселит и не радует царевну. Во дворец приглашены все: тут и нарядные женихи из дальних стран, тут и дворцовые скоморохи, и слуги, и толпы народа. Все пришли, чтобы развеселить царевну, но только простому юноше удается затронуть ее сердце. Но мне видится в этой картине нечто большее, чем известный сказочный сюжет. Мне кажется, Васнецов изобразил Россию в трех моментах: прошлом, настоящем, будущем. Почему Россия? Потому что царевна сидит на троне из слоновой кости, возвышаясь над всеми. Слоновая кость – символ центра мира. На заднем плане виднеется роспись типа фресок. Это прошлое России. По левую руку царевны, в просвете между колоннами, синеет даль, а колонна, расписанная в елочку, очень напоминает русскую полосатую версту. Вспомним у Пушкина: “Только версты полосаты попадаются од не…”
Печаль царевны – это настоящее России; по правую руку прошлое, которое символизируют два всадника, съезжающие для боя на белом и темном конях; по левую руку – манящее светлой далью будущее. Вот почему я считаю Васнецова прекрасной волшебной сказкой, которой ни расстояние, ни время не указчики, а только слушается эта волшебная сила русского духа. Как сказал великий сказочный поэт Александр Сергеевич Пушкин: “Там русский дух… там Русью пахнет!” Эти восторженные слова очень подходят к картинам В. М. Васнецова.
МУНИЦИПАЛЬНОЕ БЮДЖЕТНОЕ ОБЩЕОБРАЗОВАТЕЛЬНОЕ УЧРЕЖДЕНИЕ-
СРЕДНЯЯ ОБЩЕОБРАЗОВАТЕЛЬНАЯ ШКОЛА №7 Г. БЕЛГОРОДА
Конкурс «Прогулки по Эрмитажу»
Номинация «Созвучие красок»
Эссе
«Душа художника – в его произведении»
Автор учащаяся 5 «В» класса
МБОУ СОШ №7 г. Белгорода
Кравченко Маргарита Артёмовна
Домашний адрес г. Белгород,
ул. Железнякова д.15 кв. 19
тел.: 8-919-227-59-79
Преподаватель Невструева
Татьяна Александровна
Е-mail [email protected]
Душа художника – в его произведении
Скажу честно: я никогда не была в Эрмитаже.
Но я очень люблю рисовать, и мне интересно всё, что связано с живописью. Конечно, до определенного момента я даже не задумывалась о том, где хранятся картины знаменитых художников, какова история создания произведения, да и вообще не было особого интереса к какому-либо музею.
Мама подарила мне тетрадь с художественной обложкой, на которой было фото неизвестной мне картины. Но я была поражена наполненностью этого произведения воздухом и светом. Ярко-красные, как капли крови, цветы на клумбе посреди сада словно запылали от кисти художника. Мне захотелось узнать, что это за картина и кто ее автор. Интернет помог мне узнать, что картина, на которой изображена дама в ослепительно белом платье, это «Дама в саду Сент-Адресс», написана известным французским художником Клодом Моне в 1867 году, а в 1930 году картина поступила в Эрмитаж из Государственного музея нового западного искусства в Москве.
Клод Моне…Клод Моне – Клод Моне – Клод Моне… так-так-та-а-ак…
Клод Моне. С этим именем мне в голову, пришло название ресторана французской кухни из телесериала «Кухня». Да-да, теперь мне и самой смешно об этом вспоминать, какая я была дремучая! Но теперь-то я знаю, что художник, от картин которого захватывает дух и хочется радоваться жизни – Клод Моне (1840 – 1926) – французский живописец второй половины XIX века, один из основателей направления импрессионизма в искусстве.
Я смотрю на полотно через экран компьютера… Конечно, была бы я в Эрмитаже, созерцая произведения великих художников, мне было бы трудно оторваться даже на минуту от «Дамы в саду Сент-Адресс».
Можно сказать, что изображение женщины здесь совершенно неосязаемо, оно не первостепенно, а лишь помогает понять и увидеть красоту природы. Я снова и снова возвращаюсь мыслями в сад Сент-Адресс…
Зной летнего дня, солнечные лучи пронизывают мозаику листвы на дереве, которое стоит в самом центре клумбы. Здесь же находиться прогуливающаяся девушка в ослепительно белом платье. Нет, это не просто белый: тут и синий, и розовый, и голубой….Как же чудесно Моне передал эту сияющую белизну платья дамы!
Я задумалась: почему художник не показал нам лица девушки?.. Возможно, потому, чтобы показать её равнозначность с природой, ведь природа безлика, она в каждом алом цветке на клумбе, в каждой травинке, а также и в этой девушке, гуляющей под зонтиком в саду.
Картина настолько воздушна и ярка, что девушка на картине мне кажется настолько слившейся с природой, что она передо мной встает не человеком, а белым лебедем, плывущим вдоль кустарников по саду.
Я наблюдала за движением на полотне, да-да, там есть движение, хотя природа и замерла, когда ее поместили на холст, природа живет, она дарит нам свою негу в летний зной.
Глядя на картину, понимаешь, что для Клода Моне тема природы является излюбленной темой для творчества, ведь пейзаж, написанный не в помещении, а с натуры, на пленере, настолько неповторим и ярок, что изображенная на нём дама, кажется, вот-вот сольётся с этой природой, её поглотят эти дивные краски.
Великолепие сада, пышные кроны деревьев и юная девушка, которая любуется окружающим пейзажем — во всем этом сам Моне, его душа, душа настоящего художника, который способен любить и наслаждаться окружающим миром.
Пожалуй, «Дама в саду Сент-Адресс» Клода Моне убедит меня когда-нибудь посетить Эрмитаж, не через экран компьютера и не из книги почувствовать этот свет и воздух, насытиться эмоциями от ярких красок импрессиониста, и не путать больше великого художника с рестораном французской кухни из телесериала.
Мой любимый художник
Я очень люблю море, поэтому мне нравится творчество художников-маринистов. Но больше всех — картины Ивана Константиновича Айвазовского.
Айвазовский, уроженец Феодосии, с детства был влюблен в изменчивую жизнь моря. Он знал море спокойным и бушующим. Таким оно и изображено на его полотнах. Лунные ночи на штилевом море чаруют нас красотой, а картины морских бурь и кораблекрушений потрясают мощью разбушевавшихся волн. Картины Айвазовского “Буря ночью”, “Девятый вал”, “Лунная ночь” занимают почетные места среди работ величайших маринистов.
Но я хочу рассказать о картине “Радуга”, которую я не так давно для себя открыл. На картине изображено кораблекрушение в бурю. Под напором могучих волн корабль наклонился набок. Недолго ему осталось ждать своей страшной участи. Но люди успели пересесть в лодку. Волны так и рвутся поглотить и корабль, и лодку, наполненную людьми. Море и небо как будто схлестнулись в борьбе. Но вот уже виден просвет среди туч, прорвалось солнце и осветило кипящие волны. Они кажутся прозрачными, а пена на них — невесомой. Над лодкой повисает радуга — она сулит людям спасение. И буревестник, острыми крыльями врезающийся в радугу, издает победный клич…
На мгновение замерли люди в лодке, ждут, что пророчат им птицы: жизнь или смерть. Увидев радугу, они поднимаются ей навстречу, еще не веря в свое спасение…
Я люблю творчество Айвазовского и так хотел бы побывать в Феодосийской картинной галерее его имени!
«Художник мыслит образами, он рисует, показывает, изображает»,- написал Григорий Яковлевич Солганик, доктор филологических наук. «В этом и заключается специфика языка художественной литературы»,- таков конец этого высказывания.
В принципе, все понятно. Как по мне – так и, вообще, ничего нового этот доктор наук и не сказал. Ведь, если литература относится к разряду художественной, то и язык которым она написана – художественный, то есть, за определением – красочный, образный, изобразительный. Даже если рассудить – какая, если не такая, должна бы быть специфика языка художественной литературы? Кроме того как согласиться с такими словами-определением Г.Я. Солганика, то и ничего более и не сделаешь. Обманывать самого себя: восхищаться конгениальностью фразы, говорить, что это его выражение не имеет земных рамок – нет! Я такого делать не буду, уж извиняйте. Без никаких сомнений, я согласен с сутью фразы, она ясна до банальности и проста до примитивности.
Попробуем доказать позицию от обратного? Да запросто! Покажите мне того человека, который будет упорствовать в том, что творческий человек с ярко выраженным художественным началом, в данном случае – писатель, мыслит шаблонно, скупо, серо, не подключая ни капельки свое воображение. Ой, что-то мало объектов для контраргументирования? Ну, дело такое…
Вне сомнений, доктор филологических наук Григорий Яковлевич Солганик – большой человек, умный, авторитетный. Завуалированное определение художественной литературы в его словах – понятное, с таким определением я с удовольствием соглашаюсь, но отнюдь им не умиляюсь.
Действительно, русский язык настолько могуч и богат, что его словесный и конструктивный запас вооружает любого человека достаточным количеством средств для вербализации образов, картин, любых явлений и событий. «Художник»-писатель, за Солгаником, может, используя богатый русский язык, донести желаемые образы и картины целевой аудитории, тем самым раскрывая суть художественной литературы.
сочинение на тему -Художник
Ответы:
Художник — это человек, который зарабатывает себе на жизнь рисованием. Хотя художественное творчество может не приносить доход (как у Ван Гога), но если это основной вид деятельности, то такую личность всё равно можно причислить к представителям этой профессии. Появление человека разумного как вида совпадает с зарождением изобразительного искусства. Учёным удалось найти первобытные скульптуры, рисунки на стенах пещер со времён верхнего палеолита. Именно благодаря работе художников и простых умельцев можно изучать историю целых народов. В ХХ веке художники смогли найти себе применение в новых сферах — тату, компьютерная графика, фотография.… Значимость работы художника зависит от его узкой специализации. Например, если он рисует картины и продаёт их, то польза в этом сугубо эстетическая для коллекционера. Без многих вещей можно обойтись длительное время — без телевизора, без походов в галерею, без красивых заставок на рабочем столе. Поэтому, если труд художников востребован, то это значит, что у людей есть всё необходимое для жизни и они могут себе позволить такое хобби — думать и рассуждать об искусстве. Другими словами, увлечение изобразительным искусством зависит от экономической ситуации в стране. Художник должен быть талантливым, уметь рисовать и чертить. Не обойтись ему без специальных знаний — правила смешиваний красок, значение света и качества используемой туши, бумаги, карандашей. Такая работа подразумевает терпеливое отношение, так как для создания портера понадобится минимум 4 часа времени. Представители этой профессии являются зачастую экспрессивными людьми, которым не знакомо слово реализм. Но от реалий скрыться не удалось ни одному мечтателю. Ведь рисует художник не для себя (как бы ему этого не хотелось), а для потребителя — его картины должны продаваться, дизайнерские решения быть актуальными, созданный стиль отвечать времени и месту. Слишком много рамок и ограничений не всегда может принять и понять творческая личность, поэтому не всем удаётся избежать стрессов, финансового краха, непонимания окружающих.
Каждый человек должен иметь профессию. Идеальное сочетание – это когда хобби является работой или наоборот. В таком случае человек идет на свою работу как на праздник, он меньше устает, с удовольствием исполняет свои обязанности, у него проявляется креативность и всегда находится стимул. Все эти положительные факторы приводят к отличным результатам и можно много чего добиться в своей профессии.
Что касается меня, то мне очень нравится профессия художника. Интерес к этой профессии возник у меня в пятом классе. Тогда к нам пришел новый учитель рисования, который был художником. Всего за несколько дней он нарисовал на стенах кабинета очень красивые лесные пейзажи, и они потрясли не только учеников, но и учителей. Потом мы узнали, что он разрисовал также некоторые стены в небольшой местной церкви. Библейская тематика его живописи была просто изумительной.
Что касается школьных занятий, то я считаю, что это просто счастье иметь такого учителя. Он очень интересно и подробно все объясняет: как рисовать, какие линии использовать, как правильно делать тень, как располагать разные элементы и многое другое. Спустя некоторое время в школе открылся кружок рисования. Я с радостью записался. Мы занимаемся два раза в неделю. Дополнительные уроки значительно отличаются от обычных. Для рисования мы используем деревянные мольберты, разнообразные кисти и более тщательно учимся смешивать цвета для того, чтобы получить необходимые оттенки. Рисовать на профессиональных подставках намного интереснее, это помогает сразу ощутить себя художником и это вызывает чувство гордости. Некоторые наши занятия проходят под открытым небом. Иногда рисовать приходится в парке, на берегу озера, возле мостов или исторических построек. Сейчас мы учимся как правильно изображать пейзажи: леса, поля, реки, водопады в разные времена года. У меня уже есть несколько таких рисунков. Один из наилучших я назвал «Утро в весеннем лесу». На нем нарисованы не только деревья, кусты, трава, но и птицы, а также много ярких бабочек.
В будущем я очень хочу стать художником мультипликатором. Мне нравится фантазировать и создавать разнообразных героев. В основном в их роли я вижу добрых зверюшек, одетых в яркие одежки, они мило улыбаются и совсем не знают, что такое злость и подлость. Таким образом на телеэкранах появилось бы больше поучительных мультфильмов, которые заряжали бы детей позитивом и демонстрировали, что добро всегда побеждает зло.
Мой любимый художник Сальвадор Дали. Он является очень известным испанским живописцем, который работал в направлении сюрреализм. Кроме того, его знают, как непревзойденного скульптора и режиссера.
Сальвадор Дали родился в городе Фигуэрасе, Испания, 11 мая 1904 года в богатой семье. Его отец работал нотариусом, поэтому их жизнь проходила в достатке. В детстве Сальвадор Дали был непослушным, капризным ребенком, чем часто доставлял немало хлопот своим родителям. Он регулярно демонстрировал окружающим свою бунтарскую натуру и это становилось его особенностью. Ему трудно было находить общий язык со сверстниками, так как он всегда хотел показать свою индивидуальность и неповторимость. В школьные годы Сальвадор Дали продолжал делать эпатажные поступки, любил драться и скандалить. В 1921 году он поступил в Академию Сан-Фернандо. Этот период был очень тяжелый для него, так как в этом же году умерла его мать. Собравшись с силами Сальвадору Дали все-таки удалось подготовить достойный рисунок для того, чтобы поступить в Академию. К сожалению, закончить ее, талантливому художнику не удалось. Помешал высокомерный характер и хамское отношение к преподавателям. Поэтому он решил уехать в Париж, где встретился с Пабло Пикассо, который помог ему определиться со своим стилем.
Сальвадор Дали активно развивал новые течения в живописи, часто экспериментировал. В Париже он работал над фильмами в сюрреалистическом направлении, вместе с другими художниками и режиссерами. Все это поспособствовало возникновению новых идей и фантазий, которые нашли отображение в его картинах.
На полотнах Сальвадора Дали изображены разные темы: война и ее последствия, человеческие чувства, психология, страхи и переживания, животные, фантастические существа, разные предметы, необычная природа, портреты, натюрморты и многие другие. Мне больше всего нравятся картины на которых изображен хлеб. Одна из них называется «Корзина с хлебом». Это потрясающий натюрморт, который снова и снова напоминает нам, что хлеб является главным в жизни каждого человека. На нем изображены четыре кусочка хлеба в красивой плетенной корзинке. Таким образом художник демонстрирует свое особенное к нему отношение.
Сейчас картины Сальвадора Дали хранятся в театре-музее города Фигуэрас, а также их можно увидеть в США, в лучших музеях мира и в некоторых частных коллекциях.