Сочинение на тему живопись

10 вариантов

  1. Живопись – это вечное искусство, к которому человек обратился еще во времена своего житья в пещерах, в каменном веке. Уже тогда люди стали испытывать тягу к прекрасному и стали украшать стены пещер различными картинами, бытовыми сценами и сценами охоты. С течением времени искусство живописи все более развивалось и настоящего расцвета достигло в эпоху Ренессанса, когда в Европе жили и творили великие мастера, чьими творениями мы восхищаемся до сих пор и которые во многом остались непревзойденными – Леонардо, Рафаэль, Караваджо. Во всех странах жили и творили художники, которыми гордилась их родина, шедевры которых украшали лучшие музеи и творчество которых заставляло замереть в восхищении сердца людей. В России золотой век живописи пришелся на 19 век, когда работали великие портретисты, маринисты, пейзажисты Айвазовский, Шишкин, Репин, Суриков. Живопись – это язык который не требует перевода и живописные образы доступны всем людям, не зависимо от их национальности. Живопись поднимает настроение, успокаивает, зовет и агитирует. В настоящее время существуют десятки направлений в живописи, иногда очень оригинальные, но от этого не менее прекрасные. Ведь живопись это прежде всего средство выразить свои чувства и эмоции, поделиться ими с другими людьми. И иногда самые простые картины приковывают к себе внимание миллионов и заставляют замереть перед ними в восхищении, как это было с “Черным квадратом” Малевича, хотя казалось бы что странного и прекрасного в обычном квадрате черного цвета? Но в этом великая сила живописи, которая заставляет видеть невидимое и чувствовать неощутимое.

  2. «Живопись — это поэзия, которую видят, а поэзия — это живопись, которую слышат» – так перевели изречение Леонардо да Винчи одни знатоки языка, но правильнее, мне лично так кажется, следующий вариант перевода: «Живопись – это немая поэзия, а поэзия – это слепая живопись». Пабло Пикассо сказал, что «Живопись – занятие для слепцов. Художник рисует не то, что видит, а то, что чувствует». Абсолютно применимо это изречение и к поэтам, они пишут стихи так же о том, что чувствуют, а не просто созерцают.
    Что же прозвучало выше? Какой основной лейтмотив из выше сказанного я бы хотел взять? Ответ можно втиснуть в рамки одного предложения – поэзия и живопись – это 2 стороны одной медали, это чувственное, эмоциональное отображение происходящего вокруг внутри творческого человека.
    Человек всю свою жизнь тянется к прекрасному. Совсем иное дело и другой вопрос в том, что это «прекрасное» для каждого отдельного человека свое или имеет свои нюансы. «На вкус и цвет…»,- как говорится. Творческое начало у каждого человека имеет свою степень выраженности – у одних оно развито чрезвычайно сильно, у других почти полностью атрофировано. Но никто не станет спорить, что те или иные события или явления в жизни волнуют, впечатляют, заставляют радоваться или горевать. Если человек не впечатляется ничем, то у него психологические проблемы или отклонения, которые следует лечить или исправлять.
    Но вот эмоции, чувства, размышления – это и есть родители живописи и поэзии. Именно – общие родители, а значит, что эти 2 вида искусства родные друг для друга. Лично я считаю, что при всем моем почтении к глубокоуважаемому, великому и несравненному Леонардо, мастер был не прав в своем суждении. Так сказать – это слишком недопустимо поверхностно. Потому, что бывает, и это мое неоспоримое субъективное мнение, когда поэзия рисует в моем воображении картины, а живопись поет.

  3. О ЖИВОПИСИ…

    Различают несколько разновидностей живописного искус­ства. Наиболее хорошо известна и наиболее распространена в настоящее время так называемая станковая живопись, к кото­рой относятся обычные картины любого содержания.
    Их главным отличительным свойством является то, что их можно переносить с места на место, вешая на любой подходя­щей для этого стене. Теперь картины пишут обычно на холсте, натянутом на специально сделанный деревянный подрамник. Готовую картину вставляют в раму, которая во многих случаях имеет такую форму, что создаёт впечатление оконного косяка, а само изображение на холсте становится похожим на вид, от­крывающийся в воображаемом окне.
    Станковая живопись появилась сравнительно недавно — не­многим более пятисот лет тому назад, в эпоху Возрождения: она как нельзя лучше отвечала потребностям мастеров того вре­мени — воспроизводить реальный мир со всей непосредственно­стью и жизненной убедительностью.
    Название своё станковая живопись получила оттого, что пи­шутся картины на особом виде станка, называемом французс­ким словом «мольберт».
    А вот произведения монументальной живописи, едва ли не самой древней в истории человечества, пишутся на поверхнос­ти стен или на перекрытиях зданий, украшать которые они пред­назначены. Ещё люди каменного века расписывали стены пе­щер изображениями разных животных, выполняя их не­сколькими красками. Процветала она и позже: в античную эпо­ху в греко-римском мире и в средние века.
    Многие великие мастера Возрождения были авторами боль­ших монументальных произведений, расписывая стены, сво­ды, иногда и пол, нередко сочетая своё искусство со скульпту­рой, лепниной и различными орнаментами. Но иногда прибегают к другому техническому приёму: холст, натянутый на подрамник так же, как для обычной станковой картины, покрывают росписью, а затем закрепляют наглухо на стене, и тогда это произведение называется «панно», или на потолке или своде, и тогда оно называется «плафон».
    В отличие от монументальной живописи, представляющей собой композиции с человеческими фигурами, нередко целые законченные сцены, декоративная роспись имеет орнаменталь­ный или полуорнаментальный характер — в ней преобладает узор. Если монументальная роспись сочетается с декоративной, когда, например, написанная на стене монументальная компо­зиция окружена рамкой из различных орнаментов, то говорят о монументально-декоративной живописи.
    Декоративной живописью могут украшаться предметы быта: различные лари и сундуки, коробки, прялки, чудная деревян­ная посуда. И тогда речь идёт о прикладном искусстве, украша­ющем нашу повседневную жизнь.

  4. Искусство вообще, а живопись в частности занимают огромное место в жизни человека. Способность к творчеству, к созданию произведений искусства существенное отличие рода человеческого от остального живого мира. В ряду видов искусства живописи принадлежит особое место. Спросите: почему? Отвечу так.
    Не каждый ребенок тянется к перу и бумаге, чтоб писать стихи или прозу. Не каждый хочет играть на рояле или скрипке. Но нет ребенка, который бы не пытался рисовать. И еще одно: из глубины веков до нас дошли свидетельства о живописных пробах древних цивилизаций. Наскальные рисунки, роспись предметов обихода — это ли не первый шаг к шедеврам Рафаэля?
    В мою жизнь настоящая живопись вошла, когда мне в руки попала книга об итальянской галерее «Уффици». Иллюстрации картин Боттичелли, Рафаэля просто потрясли мою душу. Но настоящие картины, хотя и не таких великих мастеров, как Рафаэль, увиденные впервые в городском художественном музее, произвели на меня гораздо большее впечатление, чем иллюстрации. Потом были картинные галереи Москвы, куда я ходила, когда приезжала в гости к своей тете. В Третьяковке я подолгу простаивала у картин великих русских мастеров. Выходила просветленная и потрясенная. Особенно — картинами Васнецова и Врубеля. Теперь моя мечта посетить картинные галереи Киева, Львова и, конечно, Петербурга. А уж потом попасть в Лувр, Прадо, в Уффици, в Дрезденскую галерею, в Британский музей. Это программа-максимум моей взрослой жизни.
    Рядом с программой-максимум всегда существует программа-минимум. Проект «Музей одной картины», который где-то еще существует, — это, по-моему, очень правильное направление в культурном просвещении народа. Люди живут не только в больших культурных центрах — это раз, осмотреть сразу всю, к примеру, Третьяковку — это, считай, не увидеть ничего. Это два. И третье: организация больших передвижных выставок — дорогостоящее и потому редкое мероприятие. Поэтому «Музей одной картины» (конечно, шедевра) должен существовать и расширять свою географию и выставляемые картины.
    Была на телевидении прекрасная передача Никиты Михалкова, посвященная какому-нибудь одному из шедевров русской живописи. В этой передаче рассказывалось обо всем: и о самом художнике, и об особенностях картины, и об истории ее создания. Но главное: Н. Михалков открывал нам столько интересного о давно прошедшем времени, о быте тех времен и того сословия людей, которые были изображены на картине. Обо всем этом очень редко можно услышать в музеях или прочитать в книгах по искусству.
    Заключая, хочу сказать, что живопись для меня — это вечный источник душевного наслаждения и познания жизни. Так пусть же он не иссякает никогда!

  5. В мою жизнь настоящая живопись вошла, когда мне в руки попала книга об итальянской галерее «Уффици». Иллюстрации картин Боттичелли, Рафаэля просто потрясли мою душу. Но настоящие картины, хотя и не таких великих мастеров, как Рафаэль, увиденные впервые в городском художественном музее, произвели на меня гораздо большее впечатление, чем иллюстрации. Потом были картинные галереи Москвы, куда я ходила, когда приезжала в гости к своей тете. В Третьяковке я подолгу простаивала у картин великих русских мастеров. Выходила просветленная и потрясенная. Особенно — картинами Васнецова и Врубеля. Теперь моя мечта посетить картинные галереи Киева, Львова и, конечно, Петербурга. А уж потом попасть в Лувр, Прадо, в Уффици, в Дрезденскую галерею, в Британский музей. Это программа-максимум моей взрослой жизни.
    Рядом с программой-максимум всегда существует программа-минимум. Проект «Музей одной картины», который где-то еще существует, — это, по-моему, очень правильное направление в культурном просвещении народа. Люди живут не только в больших культурных центрах — это раз, осмотреть сразу всю, к примеру, Третьяковку — это, считай, не увидеть ничего. Это два. И третье: организация больших передвижных выставок — дорогостоящее и потому редкое мероприятие. Поэтому «Музей одной картины» (конечно, шедевра) должен существовать и расширять свою географию и выставляемые картины. Материал с сайта //iEssay.ru

  6. Различают несколько разновидностей живописного искусства. Наиболее хорошо известна и наиболее распространена в настоящее время так называемая станковая живопись, к которой относятся обычные картины любого содержания.
    Их главным отличительным свойством является то, что их можно переносить с места на место, вешая на любой подходящей для этого стене. Теперь картины пишут обычно на холсте, натянутом на специально сделанный деревянный подрамник. Готовую картину вставляют в раму, которая во многих случаях имеет такую форму, что создаёт впечатление оконного косяка, а само изображение на холсте становится похожим на вид, открывающийся в воображаемом окне.
    Станковая живопись появилась сравнительно недавно — немногим более пятисот лет тому назад, в эпоху Возрождения: она как нельзя лучше отвечала потребностям мастеров того времени — воспроизводить реальный мир со всей непосредственностью и жизненной убедительностью.
    Название своё станковая живопись получила оттого, что пишутся картины на особом виде станка, называемом французским словом «мольберт».
    А вот произведения монументальной живописи, едва ли не самой древней в истории человечества, пишутся на поверхности стен или на перекрытиях зданий, украшать которые они предназначены. Ещё люди каменного века расписывали стены пещер изображениями разных животных, выполняя их несколькими красками. Процветала она и позже: в античную эпоху в греко-римском мире и в средние века.
    Многие великие мастера Возрождения были авторами больших монументальных произведений, расписывая стены, своды, иногда и пол, нередко сочетая своё искусство со скульптурой, лепниной и различными орнаментами. Но иногда прибегают к другому техническому приёму: холст, натянутый на подрамник так же, как для обычной станковой картины, покрывают росписью, а затем закрепляют наглухо на стене, и тогда это произведение называется «панно», или на потолке или своде, и тогда оно называется «плафон».
    В отличие от монументальной живописи, представляющей собой композиции с человеческими фигурами, нередко целые законченные сцены, декоративная роспись имеет орнаментальный или полуорнаментальный характер — в ней преобладает узор. Если монументальная роспись сочетается с декоративной, когда, например, написанная на стене монументальная композиция окружена рамкой из различных орнаментов, то говорят о монументально-декоративной живописи.
    Декоративной живописью могут украшаться предметы быта: различные лари и сундуки, коробки, прялки, чудная деревянная посуда. И тогда речь идёт о прикладном искусстве, украшающем нашу повседневную жизнь.

  7. Различают несколько разновидностей живописного искус­ства. Наиболее хорошо известна и наиболее распространена в настоящее время так называемая станковая живопись, к кото­рой относятся обычные картины любого содержания.
    Их главным отличительным свойством является то, что их можно переносить с места на место, вешая на любой подходя­щей для этого стене. Теперь картины пишут обычно на холсте, натянутом на специально сделанный деревянный подрамник. Готовую картину вставляют в раму, которая во многих случаях имеет такую форму, что создаёт впечатление оконного косяка, а само изображение на холсте становится похожим на вид, от­крывающийся в воображаемом окне.
    Станковая живопись появилась сравнительно недавно — не­многим более пятисот лет тому назад, в эпоху Возрождения: она как нельзя лучше отвечала потребностям мастеров того вре­мени — воспроизводить реальный мир со всей непосредственно­стью и жизненной убедительностью.
    Название своё станковая живопись получила оттого, что пи­шутся картины на особом виде станка, называемом французс­ким словом «мольберт».
    А вот произведения монументальной живописи, едва ли не самой древней в истории человечества, пишутся на поверхнос­ти стен или на перекрытиях зданий, украшать которые они пред­назначены. Ещё люди каменного века расписывали стены пе­щер изображениями разных животных, выполняя их не­сколькими красками. Процветала она и позже: в античную эпо­ху в греко-римском мире и в средние века.
    Многие великие мастера Возрождения были авторами боль­ших монументальных произведений, расписывая стены, сво­ды, иногда и пол, нередко сочетая своё искусство со скульпту­рой, лепниной и различными орнаментами. Но иногда прибегают к другому техническому приёму: холст, натянутый на подрамник так же, как для обычной станковой картины, покрывают росписью, а затем закрепляют наглухо на стене, и тогда это произведение называется «панно», или на потолке или своде, и тогда оно называется «плафон».
    В отличие от монументальной живописи, представляющей собой композиции с человеческими фигурами, нередко целые законченные сцены, декоративная роспись имеет орнаменталь­ный или полуорнаментальный характер — в ней преобладает узор. Если монументальная роспись сочетается с декоративной, когда, например, написанная на стене монументальная компо­зиция окружена рамкой из различных орнаментов, то говорят о монументально-декоративной живописи.
    Декоративной живописью могут украшаться предметы быта: различные лари и сундуки, коробки, прялки, чудная деревян­ная посуда. И тогда речь идёт о прикладном искусстве, украша­ющем нашу повседневную жизнь.

  8. Свободная тема – «Ж». Сочинения на свободную тему – Живопись в моей жизни

    Живопись в моей жизни

    Искусство вообще, а живопись в частности занимают огромное место в жизни человека. Способность к творчеству, к созданию произведений искусства существенное отличие рода человеческого от остального живого мира. В ряду видов искусства живописи принадлежит особое место. Спросите: почему? Отвечу так.
    Не каждый ребенок тянется к перу и бумаге, чтоб писать стихи или прозу. Не каждый хочет играть на рояле или скрипке. Но нет ребенка, который бы не пытался рисовать. И еще одно: из глубины веков до нас дошли свидетельства о живописных пробах древних цивилизаций. Наскальные рисунки, роспись предметов обихода — это ли не первый шаг к шедеврам Рафаэля?
    В мою жизнь настоящая живопись вошла, когда мне в руки попала книга об итальянской галерее «Уффици». Иллюстрации картин Боттичелли, Рафаэля просто потрясли мою душу. Но настоящие картины, хотя и не таких великих мастеров, как Рафаэль, увиденные впервые в городском художественном музее, произвели на меня гораздо большее впечатление, чем иллюстрации. Потом были картинные галереи Москвы, куда я ходила, когда приезжала в гости к своей тете. В Третьяковке я подолгу простаивала у картин великих русских мастеров. Выходила просветленная и потрясенная. Особенно — картинами Васнецова и Врубеля. Теперь моя мечта посетить картинные галереи Киева, Львова и, конечно, Петербурга. А уж потом попасть в Лувр, Прадо, в Уффици, в Дрезденскую галерею, в Британский музей. Это программа-максимум моей взрослой жизни.
    Рядом с программой-максимум всегда существует программа-минимум. Проект «Музей одной картины», который где-то еще существует, — это, по-моему, очень правильное направление в культурном просвещении народа. Люди живут не только в больших культурных центрах — это раз, осмотреть сразу всю, к примеру, Третьяковку — это, считай, не увидеть ничего. Это два. И третье: организация больших передвижных выставок — дорогостоящее и потому редкое мероприятие. Поэтому «Музей одной картины» (конечно, шедевра) должен существовать и расширять свою географию и выставляемые картины.
    Была на телевидении прекрасная передача Никиты Михалкова, посвященная какому-нибудь одному из шедевров русской живописи. В этой передаче рассказывалось обо всем: и о самом художнике, и об особенностях картины, и об истории ее создания. Но главное: Н. Михалков открывал нам столько интересного о давно прошедшем времени, о быте тех времен и того сословия людей, которые были изображены на картине. Обо всем этом очень редко можно услышать в музеях или прочитать в книгах по искусству.
    Заключая, хочу сказать, что живопись для меня — это вечный источник душевного наслаждения и познания жизни. Так пусть же он не иссякает никогда!
    zhivopis-v-moej-zhizniживопись в моей жизни
    Искусство вообще, а живопись в частности занимают огромное место в жизни человека. Способность к творчеству, к созданию произведений искусства существенное отличие рода человеческого от остального живого мира. В ряду видов искусства живописи принадлежит особое место. Спросите: почему? Отвечу так.
    Не каждый ребенок тянется к перу и бумаге, чтоб писать стихи или прозу. Не каждый хочет играть на рояле или скрипке. Но нет ребенка, который бы не пытался рисовать. И еще одно: из глубины веков до нас дошли свидетельства о живописных пробах древних цивилизаций. Наскальные рисунки, роспись предметов обихода — это ли не первый шаг к шедеврам Рафаэля?
    В мою жизнь настоящая живопись вошла, когда мне в руки попала книга об итальянской галерее «Уффици». Иллюстрации картин Боттичелли, Рафаэля просто потрясли мою душу. Но настоящие картины, хотя и не таких великих мастеров, как Рафаэль, увиденные впервые в городском художественном музее, произвели на меня гораздо большее впечатление, чем иллюстрации. Потом были картинные галереи Москвы, куда я ходила, когда приезжала в гости к своей тете. В Третьяковке я подолгу простаивала у картин великих русских мастеров. Выходила просветленная и потрясенная. Особенно — картинами Васнецова и Врубеля. Теперь моя мечта посетить картинные галереи Киева, Львова и, конечно, Петербурга. А уж потом попасть в Лувр, Прадо, в Уффици, в Дрезденскую галерею, в Британский музей. Это программа-максимум моей взрослой жизни.
    Рядом с программой-максимум всегда существует программа-минимум. Проект «Музей одной картины», который где-то еще существует, — это, по-моему, очень правильное направление в культурном просвещении народа. Люди живут не только в больших культурных центрах — это раз, осмотреть сразу всю, к примеру, Третьяковку — это, считай, не увидеть ничего. Это два. И третье: организация больших передвижных выставок — дорогостоящее и потому редкое мероприятие. Поэтому «Музей одной картины» (конечно, шедевра) должен существовать и расширять свою географию и выставляемые картины.
    Была на телевидении прекрасная передача Никиты Михалкова, посвященная какому-нибудь одному из шедевров русской живописи. В этой передаче рассказывалось обо всем: и о самом художнике, и об особенностях картины, и об истории ее создания. Но главное: Н. Михалков открывал нам столько интересного о давно прошедшем времени, о быте тех времен и того сословия людей, которые были изображены на картине. Обо всем этом очень редко можно услышать в музеях или прочитать в книгах по искусству.
    Заключая, хочу сказать, что живопись для меня — это вечный источник душевного наслаждения и познания жизни. Так пусть же он не иссякает никогда!

  9. Жанрами в живописи называют её разновидности, которые определяются предметом изображения. Одним из наиболее важных и широко распространённых является бытовой жанр, то есть изображение повседневной жизни. Бытовой жанр часто называют жанровой живописью. Интерес к ней понятен: это искусство говорит о нас самих, о наших делах и днях. О труде и об отдыхе, о радостях и тревогах, стремлениях и успехах таких же, как и мы с вами, обыкновенных людей. Жанровая живопись помогает нам прямо и непосредственно осмысливать нашу жизнь, наш сегодняшний день: в ней отражаются те жизненные ситуации и вопросы, которые волнуют нас и ответы на которые мы ищем. Художникам всегда хотелось запечатлеть также «шаги истории самой»: какие-либо более или менее важные события общественной жизни минувших времён или просто быт ушедших поколений. Историческая живопись существует очень давно, со времён Древнего Египта, но подлинного расцвета достигла она в XIX столетии, когда в связи с дальнейшим развитием буржуазного общества художники стали особенно чуткими к драматическим судьбам народов.
    Русская историческая живопись представлена произведениями Репина, Иванова, Серова и прежде всего, такого гиганта, как Суриков. Конечно, не всегда сюжет исторического полотна будет взят из действительно важных реальных событий истории. Не так уж на самом деле исторически значительна трагедия сосланного в Сибирь Меншикова, но в этом эпизоде Суриков сумел почувствовать отражение сложнейших противоречий всей эпохи петровских преобразований.
    С историческим жанром тесно связан батальный, призванный изображать военные сцены, битвы. Историю крупнейших войн, которые вела Россия в прошлом веке, дал в своих известных циклах картин знаменитейший баталист Верещагин. Героем его картин стал простой солдат во все моменты его ратного труда: в походе, на отдыхе, в быту — всюду, где требуются его воля, сила, смекалка. Пейзажная живопись, в отличие от бытовой (жанровой), даёт возможность художнику выразить своё отношение к миру в широком, обобщённо-политическом плане, хотя она обращена не к прямому изображению человека или обстоятельств его жизни, а к миру природы, которая нас окружает.
    Природа сближает людей, часто рождая у них сходные настроения, раздумья, переживания и поэтому произведения пейзажистов нам обычно близки и понятны, хотя человек в пейзажной картине нередко отсутствует. Удачно написанный пейзаж способствует более полному восприятию красоты и величия природы. Цель портретного искусства — фиксация внешнего облика и внутреннего содержания конкретного человека.
    Рассказывают, когда Веласкес закончил свой портрет папы Иннокентиях, папа негодующе воскликнул: «Слишком правдиво!» Сегодня мы никак не можем проверить это, но довольно одного взгляда на портрет, чтобы почувствовать всю его могучую и беспощадную правду. И нам важно уже не то, действительно ли был таким коварный, подозрительный, умный, настороженный облик римского первосвященника. Нас потрясает раскрытая гениальным художником сложнейшая жизнь души, властное обнажение сокровенных тайн характера, проникновение в бездонные глубины человеческой психологии. Портрет служит средством понимания людей, их натуры, их внутреннего содержания, он формирует в нас правильное отношение к человеку, уважение к нему и к его внутреннему миру.
    Иногда говорят, что в наши дни, когда имеется фотография, технические возможности которой с каждым днём прогрессируют, нет нужды живописцам заниматься портретом: фотоаппарат с успехом зафиксирует облик любого человека, причём сделает это точнее, чем художник. Но что такое «точность» применительно к облику человека? Кстати, гипсовая маска, снятая с лица даже живого человека, бывает, как правило, наименее похожа на оригинал. Ведь художник, наблюдая свою модель, выбирает из множества состояний, выражений, поворотов лица наиболее характерные и, синтезируя их, создаёт образ, в котором личность портретируемого, его характер и психология переданы с такой обобщающей силой и глубиной проникновения в душу человека, какая невозможна при механической фиксации.

Добавить комментарий

Ваш e-mail не будет опубликован. Обязательные поля помечены *