Живопись – это вечное искусство, к которому человек обратился еще во времена своего житья в пещерах, в каменном веке. Уже тогда люди стали испытывать тягу к прекрасному и стали украшать стены пещер различными картинами, бытовыми сценами и сценами охоты. С течением времени искусство живописи все более развивалось и настоящего расцвета достигло в эпоху Ренессанса, когда в Европе жили и творили великие мастера, чьими творениями мы восхищаемся до сих пор и которые во многом остались непревзойденными – Леонардо, Рафаэль, Караваджо. Во всех странах жили и творили художники, которыми гордилась их родина, шедевры которых украшали лучшие музеи и творчество которых заставляло замереть в восхищении сердца людей. В России золотой век живописи пришелся на 19 век, когда работали великие портретисты, маринисты, пейзажисты Айвазовский, Шишкин, Репин, Суриков. Живопись – это язык который не требует перевода и живописные образы доступны всем людям, не зависимо от их национальности. Живопись поднимает настроение, успокаивает, зовет и агитирует. В настоящее время существуют десятки направлений в живописи, иногда очень оригинальные, но от этого не менее прекрасные. Ведь живопись это прежде всего средство выразить свои чувства и эмоции, поделиться ими с другими людьми. И иногда самые простые картины приковывают к себе внимание миллионов и заставляют замереть перед ними в восхищении, как это было с “Черным квадратом” Малевича, хотя казалось бы что странного и прекрасного в обычном квадрате черного цвета? Но в этом великая сила живописи, которая заставляет видеть невидимое и чувствовать неощутимое.
Различают несколько разновидностей живописного искусства. Наиболее хорошо известна и наиболее распространена в настоящее время так называемая станковая живопись, к которой относятся обычные картины любого содержания.
Их главным отличительным свойством является то, что их можно переносить с места на место, вешая на любой подходящей для этого стене. Теперь картины пишут обычно на холсте, натянутом на специально сделанный деревянный подрамник. Готовую картину вставляют в раму, которая во многих случаях имеет такую форму, что создаёт впечатление оконного косяка, а само изображение на холсте становится похожим на вид, открывающийся в воображаемом окне.
Станковая живопись появилась сравнительно недавно — немногим более пятисот лет тому назад, в эпоху Возрождения: она как нельзя лучше отвечала потребностям мастеров того времени — воспроизводить реальный мир со всей непосредственностью и жизненной убедительностью.
Название своё станковая живопись получила оттого, что пишутся картины на особом виде станка, называемом французским словом «мольберт».
А вот произведения монументальной живописи, едва ли не самой древней в истории человечества, пишутся на поверхности стен или на перекрытиях зданий, украшать которые они предназначены. Ещё люди каменного века расписывали стены пещер изображениями разных животных, выполняя их несколькими красками. Процветала она и позже: в античную эпоху в греко-римском мире и в средние века.
Многие великие мастера Возрождения были авторами больших монументальных произведений, расписывая стены, своды, иногда и пол, нередко сочетая своё искусство со скульптурой, лепниной и различными орнаментами. Но иногда прибегают к другому техническому приёму: холст, натянутый на подрамник так же, как для обычной станковой картины, покрывают росписью, а затем закрепляют наглухо на стене, и тогда это произведение называется «панно», или на потолке или своде, и тогда оно называется «плафон».
В отличие от монументальной живописи, представляющей собой композиции с человеческими фигурами, нередко целые законченные сцены, декоративная роспись имеет орнаментальный или полуорнаментальный характер — в ней преобладает узор. Если монументальная роспись сочетается с декоративной, когда, например, написанная на стене монументальная композиция окружена рамкой из различных орнаментов, то говорят о монументально-декоративной живописи.
Декоративной живописью могут украшаться предметы быта: различные лари и сундуки, коробки, прялки, чудная деревянная посуда. И тогда речь идёт о прикладном искусстве, украшающем нашу повседневную жизнь.
«Живопись — это поэзия, которую видят, а поэзия — это живопись, которую слышат» – так перевели изречение Леонардо да Винчи одни знатоки языка, но правильнее, мне лично так кажется, следующий вариант перевода: «Живопись – это немая поэзия, а поэзия – это слепая живопись». Пабло Пикассо сказал, что «Живопись – занятие для слепцов. Художник рисует не то, что видит, а то, что чувствует». Абсолютно применимо это изречение и к поэтам, они пишут стихи так же о том, что чувствуют, а не просто созерцают.
Что же прозвучало выше? Какой основной лейтмотив из выше сказанного я бы хотел взять? Ответ можно втиснуть в рамки одного предложения – поэзия и живопись – это 2 стороны одной медали, это чувственное, эмоциональное отображение происходящего вокруг внутри творческого человека.
Человек всю свою жизнь тянется к прекрасному. Совсем иное дело и другой вопрос в том, что это «прекрасное» для каждого отдельного человека свое или имеет свои нюансы. «На вкус и цвет…»,- как говорится. Творческое начало у каждого человека имеет свою степень выраженности – у одних оно развито чрезвычайно сильно, у других почти полностью атрофировано. Но никто не станет спорить, что те или иные события или явления в жизни волнуют, впечатляют, заставляют радоваться или горевать. Если человек не впечатляется ничем, то у него психологические проблемы или отклонения, которые следует лечить или исправлять.
Но вот эмоции, чувства, размышления – это и есть родители живописи и поэзии. Именно – общие родители, а значит, что эти 2 вида искусства родные друг для друга. Лично я считаю, что при всем моем почтении к глубокоуважаемому, великому и несравненному Леонардо, мастер был не прав в своем суждении. Так сказать – это слишком недопустимо поверхностно. Потому, что бывает, и это мое неоспоримое субъективное мнение, когда поэзия рисует в моем воображении картины, а живопись поет.
В мою жизнь настоящая живопись вошла, когда мне в руки попала книга об итальянской галерее «Уффици». Иллюстрации картин Боттичелли, Рафаэля просто потрясли мою душу. Но настоящие картины, хотя и не таких великих мастеров, как Рафаэль, увиденные впервые в городском художественном музее, произвели на меня гораздо большее впечатление, чем иллюстрации. Потом были картинные галереи Москвы, куда я ходила, когда приезжала в гости к своей тете. В Третьяковке я подолгу простаивала у картин великих русских мастеров. Выходила просветленная и потрясенная. Особенно — картинами Васнецова и Врубеля. Теперь моя мечта посетить картинные галереи Киева, Львова и, конечно, Петербурга. А уж потом попасть в Лувр, Прадо, в Уффици, в Дрезденскую галерею, в Британский музей. Это программа-максимум моей взрослой жизни.
Рядом с программой-максимум всегда существует программа-минимум. Проект «Музей одной картины», который где-то еще существует, — это, по-моему, очень правильное направление в культурном просвещении народа. Люди живут не только в больших культурных центрах — это раз, осмотреть сразу всю, к примеру, Третьяковку — это, считай, не увидеть ничего. Это два. И третье: организация больших передвижных выставок — дорогостоящее и потому редкое мероприятие. Поэтому «Музей одной картины» (конечно, шедевра) должен существовать и расширять свою географию и выставляемые картины. Материал с сайта //iEssay.ru
Любите живопись, поэты!
Лишь ей, единственной, дано
Души изменчивой приметы
Переносить на полотно.
Н. Заболоцкий
Живопись — один из древнейших видов искусства, достигший своего расцвета в эпоху Возрождения: Рафаэль и Леонардо да Винчи, а вслед за ними… Рокотов и Левицкий, Брюллов и великие французы: Ренуар, Сезанн… Разве всех перечислишь?! Это искусство, которое совершенствуется, движется вперед, собирая вокруг себя все новых и новых поклонников.
Еще не понимая ничего в поэзии и живописи, я услышала стихи Заболоцкого “Любите живопись, поэты!” и рисовала в своем детском воображении прекрасный образ Струйской, которой посвящены эти строки. Она мне виделась то Золушкой, то героиней сказок Пушкина. Позже я увидела ее портрет в Третьяковской галерее, и мне казалось, что я увидела свою давнюю знакомую, даже родственницу, о которой много слышала, давно мечтала об этой встрече. Но как точно определил поэт состояние этой необыкновенной женщины!
Ее глаза — как два тумана.
Полуулыбка, полуплач,
Ее глаза — как два обмана,
Покрытых мглою неудач.
Оттенки серого цвета, в которых написан портрет, поражают своим разнообразием: от серебристого газа или тончайшего шелка, окутывающего красавицу, до почти черного блеска ее глаз и общего фона картины. Ее глаза именно “мерцают”. Лучшего слова не подобрать. Портрет написан в минорных тонах. Струйская о чем-то грустит или размышляет, и лишь глаза горят внутренним огнем, раскрывая зрителям пылкую душу, яркую натуру необыкновенной женщины. Поэт помогает и тут понять потаенные мысли этого неземного создания.
Соединенъе двух загадок,
Полувосторг, полуиспуг.
Безумной нежности припадок,
Предвосхищенъе смертных мук.
Полюбить живопись, стараться ее понять мне помог поэт Заболоцкий, который сумел передать в небольшом стихотворении красоту не просто женского лица, но художественного произведения в целом, отныне ставшего для меня эталоном красоты и совершенства. Вслед за поэтом я часто повторяю:
Когда потемки наступают
И приближается гроза.
Со дна души моей мерцают
Ее прекрасные глаза.
Конечно же, есть работы известнее, совершеннее этого небольшого портрета, но благодаря стихотворению Заболоцкого Рокотов стал моим любимым художником. Его портреты поражают меня реализмом и изысканной манерой исполнения. Они гармоничны, как сама жизнь, которую художник пытался отразить в своем творчестве.
Благодаря Заболоцкому я стала интересоваться живописью. Пусть не на профессиональном уровне, но самостоятельно пыталась проникнуть в замысел художника, увидеть и понять красоту и гармонию, которые он несет людям в своем искусстве.
Так поэт и художник, объединившись, несут в мир добро и красоту.
Живопись – это вечное искусство, к которому человек обратился еще во времена своего житья в пещерах, в каменном веке. Уже тогда люди стали испытывать тягу к прекрасному и стали украшать стены пещер различными картинами, бытовыми сценами и сценами охоты. С течением времени искусство живописи все более развивалось и настоящего расцвета достигло в эпоху Ренессанса, когда в Европе жили и творили великие мастера, чьими творениями мы восхищаемся до сих пор и которые во многом остались непревзойденными – Леонардо, Рафаэль, Караваджо. Во всех странах жили и творили художники, которыми гордилась их родина, шедевры которых украшали лучшие музеи и творчество которых заставляло замереть в восхищении сердца людей. В России золотой век живописи пришелся на 19 век, когда работали великие портретисты, маринисты, пейзажисты Айвазовский, Шишкин, Репин, Суриков. Живопись – это язык который не требует перевода и живописные образы доступны всем людям, не зависимо от их национальности. Живопись поднимает настроение, успокаивает, зовет и агитирует. В настоящее время существуют десятки направлений в живописи, иногда очень оригинальные, но от этого не менее прекрасные. Ведь живопись это прежде всего средство выразить свои чувства и эмоции, поделиться ими с другими людьми. И иногда самые простые картины приковывают к себе внимание миллионов и заставляют замереть перед ними в восхищении, как это было с “Черным квадратом” Малевича, хотя казалось бы что странного и прекрасного в обычном квадрате черного цвета? Но в этом великая сила живописи, которая заставляет видеть невидимое и чувствовать неощутимое.
Различают несколько разновидностей живописного искусства. Наиболее хорошо известна и наиболее распространена в настоящее время так называемая станковая живопись, к которой относятся обычные картины любого содержания.
Их главным отличительным свойством является то, что их можно переносить с места на место, вешая на любой подходящей для этого стене. Теперь картины пишут обычно на холсте, натянутом на специально сделанный деревянный подрамник. Готовую картину вставляют в раму, которая во многих случаях имеет такую форму, что создаёт впечатление оконного косяка, а само изображение на холсте становится похожим на вид, открывающийся в воображаемом окне.
Станковая живопись появилась сравнительно недавно — немногим более пятисот лет тому назад, в эпоху Возрождения: она как нельзя лучше отвечала потребностям мастеров того времени — воспроизводить реальный мир со всей непосредственностью и жизненной убедительностью.
Название своё станковая живопись получила оттого, что пишутся картины на особом виде станка, называемом французским словом «мольберт».
А вот произведения монументальной живописи, едва ли не самой древней в истории человечества, пишутся на поверхности стен или на перекрытиях зданий, украшать которые они предназначены. Ещё люди каменного века расписывали стены пещер изображениями разных животных, выполняя их несколькими красками. Процветала она и позже: в античную эпоху в греко-римском мире и в средние века.
Многие великие мастера Возрождения были авторами больших монументальных произведений, расписывая стены, своды, иногда и пол, нередко сочетая своё искусство со скульптурой, лепниной и различными орнаментами. Но иногда прибегают к другому техническому приёму: холст, натянутый на подрамник так же, как для обычной станковой картины, покрывают росписью, а затем закрепляют наглухо на стене, и тогда это произведение называется «панно», или на потолке или своде, и тогда оно называется «плафон».
В отличие от монументальной живописи, представляющей собой композиции с человеческими фигурами, нередко целые законченные сцены, декоративная роспись имеет орнаментальный или полуорнаментальный характер — в ней преобладает узор. Если монументальная роспись сочетается с декоративной, когда, например, написанная на стене монументальная композиция окружена рамкой из различных орнаментов, то говорят о монументально-декоративной живописи.
Декоративной живописью могут украшаться предметы быта: различные лари и сундуки, коробки, прялки, чудная деревянная посуда. И тогда речь идёт о прикладном искусстве, украшающем нашу повседневную жизнь.
«Живопись — это поэзия, которую видят, а поэзия — это живопись, которую слышат» – так перевели изречение Леонардо да Винчи одни знатоки языка, но правильнее, мне лично так кажется, следующий вариант перевода: «Живопись – это немая поэзия, а поэзия – это слепая живопись». Пабло Пикассо сказал, что «Живопись – занятие для слепцов. Художник рисует не то, что видит, а то, что чувствует». Абсолютно применимо это изречение и к поэтам, они пишут стихи так же о том, что чувствуют, а не просто созерцают.
Что же прозвучало выше? Какой основной лейтмотив из выше сказанного я бы хотел взять? Ответ можно втиснуть в рамки одного предложения – поэзия и живопись – это 2 стороны одной медали, это чувственное, эмоциональное отображение происходящего вокруг внутри творческого человека.
Человек всю свою жизнь тянется к прекрасному. Совсем иное дело и другой вопрос в том, что это «прекрасное» для каждого отдельного человека свое или имеет свои нюансы. «На вкус и цвет…»,- как говорится. Творческое начало у каждого человека имеет свою степень выраженности – у одних оно развито чрезвычайно сильно, у других почти полностью атрофировано. Но никто не станет спорить, что те или иные события или явления в жизни волнуют, впечатляют, заставляют радоваться или горевать. Если человек не впечатляется ничем, то у него психологические проблемы или отклонения, которые следует лечить или исправлять.
Но вот эмоции, чувства, размышления – это и есть родители живописи и поэзии. Именно – общие родители, а значит, что эти 2 вида искусства родные друг для друга. Лично я считаю, что при всем моем почтении к глубокоуважаемому, великому и несравненному Леонардо, мастер был не прав в своем суждении. Так сказать – это слишком недопустимо поверхностно. Потому, что бывает, и это мое неоспоримое субъективное мнение, когда поэзия рисует в моем воображении картины, а живопись поет.
В мою жизнь настоящая живопись вошла, когда мне в руки попала книга об итальянской галерее «Уффици». Иллюстрации картин Боттичелли, Рафаэля просто потрясли мою душу. Но настоящие картины, хотя и не таких великих мастеров, как Рафаэль, увиденные впервые в городском художественном музее, произвели на меня гораздо большее впечатление, чем иллюстрации. Потом были картинные галереи Москвы, куда я ходила, когда приезжала в гости к своей тете. В Третьяковке я подолгу простаивала у картин великих русских мастеров. Выходила просветленная и потрясенная. Особенно — картинами Васнецова и Врубеля. Теперь моя мечта посетить картинные галереи Киева, Львова и, конечно, Петербурга. А уж потом попасть в Лувр, Прадо, в Уффици, в Дрезденскую галерею, в Британский музей. Это программа-максимум моей взрослой жизни.
Рядом с программой-максимум всегда существует программа-минимум. Проект «Музей одной картины», который где-то еще существует, — это, по-моему, очень правильное направление в культурном просвещении народа. Люди живут не только в больших культурных центрах — это раз, осмотреть сразу всю, к примеру, Третьяковку — это, считай, не увидеть ничего. Это два. И третье: организация больших передвижных выставок — дорогостоящее и потому редкое мероприятие. Поэтому «Музей одной картины» (конечно, шедевра) должен существовать и расширять свою географию и выставляемые картины. Материал с сайта //iEssay.ru
Любите живопись, поэты!
Лишь ей, единственной, дано
Души изменчивой приметы
Переносить на полотно.
Н. Заболоцкий
Живопись — один из древнейших видов искусства, достигший своего расцвета в эпоху Возрождения: Рафаэль и Леонардо да Винчи, а вслед за ними… Рокотов и Левицкий, Брюллов и великие французы: Ренуар, Сезанн… Разве всех перечислишь?! Это искусство, которое совершенствуется, движется вперед, собирая вокруг себя все новых и новых поклонников.
Еще не понимая ничего в поэзии и живописи, я услышала стихи Заболоцкого “Любите живопись, поэты!” и рисовала в своем детском воображении прекрасный образ Струйской, которой посвящены эти строки. Она мне виделась то Золушкой, то героиней сказок Пушкина. Позже я увидела ее портрет в Третьяковской галерее, и мне казалось, что я увидела свою давнюю знакомую, даже родственницу, о которой много слышала, давно мечтала об этой встрече. Но как точно определил поэт состояние этой необыкновенной женщины!
Ее глаза — как два тумана.
Полуулыбка, полуплач,
Ее глаза — как два обмана,
Покрытых мглою неудач.
Оттенки серого цвета, в которых написан портрет, поражают своим разнообразием: от серебристого газа или тончайшего шелка, окутывающего красавицу, до почти черного блеска ее глаз и общего фона картины. Ее глаза именно “мерцают”. Лучшего слова не подобрать. Портрет написан в минорных тонах. Струйская о чем-то грустит или размышляет, и лишь глаза горят внутренним огнем, раскрывая зрителям пылкую душу, яркую натуру необыкновенной женщины. Поэт помогает и тут понять потаенные мысли этого неземного создания.
Соединенъе двух загадок,
Полувосторг, полуиспуг.
Безумной нежности припадок,
Предвосхищенъе смертных мук.
Полюбить живопись, стараться ее понять мне помог поэт Заболоцкий, который сумел передать в небольшом стихотворении красоту не просто женского лица, но художественного произведения в целом, отныне ставшего для меня эталоном красоты и совершенства. Вслед за поэтом я часто повторяю:
Когда потемки наступают
И приближается гроза.
Со дна души моей мерцают
Ее прекрасные глаза.
Конечно же, есть работы известнее, совершеннее этого небольшого портрета, но благодаря стихотворению Заболоцкого Рокотов стал моим любимым художником. Его портреты поражают меня реализмом и изысканной манерой исполнения. Они гармоничны, как сама жизнь, которую художник пытался отразить в своем творчестве.
Благодаря Заболоцкому я стала интересоваться живописью. Пусть не на профессиональном уровне, но самостоятельно пыталась проникнуть в замысел художника, увидеть и понять красоту и гармонию, которые он несет людям в своем искусстве.
Так поэт и художник, объединившись, несут в мир добро и красоту.