Если вам попадется в ОГЭ или ЕГЭ по обществознанию тема живописи или визита в музей, то в этом случае Вам будет полезен пример сочинения ниже.
Русская живопись — русский музей.
Сегодня мы поговорим с Вами о русской живописи второй половины девятнадцатого века. Свой рассказ я начну с повествования о представителях этого периода. Это всем известные знаменитые художники: Крамской, Перов, Мясоедов, Шишкин, Саврасов, Васнецов, Куинджи, Коровин и многие другие. Тема живописи весьма актуальна во все времена.
Вторая половина девятнадцатого века, ознаменована расцветом русской живописи. Большинство подлинных картин находятся в музеях России. Это знаменитый Русский музей в городе Санкт-Петербурге, не менее знаменитая Третьяковская галерея в городе Москва.
В живописи того времени отражался реализм бытия народа, стремление изменить эту жизнь. Главной темой искусства стал страдающий и угнетённый народ. Всяческая хула русской церкви и веры. Утверждением реализма в искусстве занимались руководители Академии художеств. Академики прибегали к мнению, что искусство выше насущной жизни и всячески направляли учеников на библейские и мифологические мотивы. Передвижники всецело не принимали академические взгляды на мифологию. Они стремились изображать живую жизнь. Ведущее место занимал бытовой жанр, а именно крестьянство, показывая угнетение, страдание, земледелие, домашние работы.
Тяжёлая доля народа обращала на себя огромное внимание. Василий Перов, показывает не лёгкую жизнь крестьян в своих работах. «Сельский крестный ход на пасху» , картина отражает нищету, пьянство, муки, страдания о нелёгкой жизни. Также многим известная работа » Проводы покойника» , показывает трагизм бедной семьи, оставшейся без кормильца. Не менее известная картина» Последний кабак у заставы», Перов изображает поздние сумерки зимнего дня, в соседних домах уже зажглись огни, небо сине-красного цвета, живописец тем самым показывает скупость, скуку и личное горе героев . Картина полна щемящей тоски и плача.
У Перова множество картин с изъезженными дорогами, которые символизируют скромную, «грустную» жизнь крестьян. В работах Перова нет ярких и чистых цветов, а наоборот пыльно-дымчатые оттенки. Не могу пропустить одну из известных работ » Охотники на привале» . Сам автор был заядлым охотником. Картина написана без внутренней психологии. Изображены три охотника, явно довольствующихся охотой. Один из охотников эмоционально рассказывает об удачной добыче, второй занятно слушает рассказчика, ну а третий в своих мыслях и настроен весьма скептически. Картина позволяет проникнуть в пространство .
Передвижники совершили определённые открытия в крестьянской жизни. Знаменитый Алексей Саврасов, который сумел показать красоту и лирику русской природы. Кто может назвать самую известную работу?
Да-да, именно » Грачи прилетели» . Многие художники писали русскую природу, но Алексею Кондратьевичу удалось передать изыск, нежность, и трепет простого , родного холмика. » Грачи прилетели»- самый известный пейзаж мирового уровня. Одним словом, работа стала образом удивительного поэтического обаяния.
Волшебным окрасом русской живописи стал Васнецов Виктор Михайлович, работы которого находятся в Русском музее. Его лучшее произведение -» Три богатыря».
Архип Кунджи, также пребывающий в русском музее. Отличается игрой света и тени. Воздействие воздуха и простора в его работах является полным противопоставлением произведениям искусства Перова. Таинственный свет луны, позволяет погрузиться в себя и задуматься о вечном.
Также на вторую половину девятнадцатого века приходится творчество Сурикова » Боярыня Морозова, Ильи Репина » Бурлаки на Волге, Врубеля » Демон летящий». Все художники того времени находятся на уровне мировой известности. Репин был знаменем передвижников. Для работ Ильи Репина в русском музее отведено специально несколько залов.
Подводя итоги, хочется сказать: русские художники покоряют сердца людей не только России, но и разных городов и стран. В Русский музей съезжаются разные народы, которые относятся с большим почтением к памятникам русского искусства. Посмотрите другие сочинения-рассуждения для ОГЭ и ЕГЭ по обществознанию:
История русской живописи
Иконописное искусство
Византийская живописная традиция пришла на Русь вместе с христианством и храмовым строительством: храмы украшались мозаиками и фресками. Храмовая живопись отличалась одухотворенностью и строгой каноничностью. Выразительные образы призваны были воплотить идею превосходства духа над плотью.
Другим новшеством, принесенным христианством стали иконы (от греч. eikon — изображение, образ), представлявшие изображение Иисуса Христа, Богоматери и святых, которому приписывалось священное значение. Иконы заменили деревянных истуканов, символизировавших языческих богов.
Высочайшего уровня развития русская живопись достигает на рубеже XIV–XV веков. На этот период приходится расцвет иконописного искусства, связанный с деятельностью трех выдающихся мастеров иконописи: Феофана Грека, Андрея Рублева и Дионисия.
Западная школа живописи
С открытием Петром I окна в Европу Россия приобщается к западной школе живописи. Русские художники овладевают техническими достижениями западных мастеров: в обиход входят новые материалы (холст, масляные краски, мрамор). В живопись проникает невиданное дотоле многообразие образов и сюжетов. Самой, пожалуй, интересной сферой развития изобразительного искусства была портретная живопись.
Позднее расцветает пейзаж. В начале ХХ в. – это уже не просто изображение ландшафта, а живопись, через образы природы передающая тончайшие движения человеческой души. Величайшими мастерами пейзажа в России были А. К. Саврасов («Грачи прилетели»), И. И. Шишкин («Сосновый бор»). Реализм в живописи XIX в. достигает вершины в творчестве Ильи Репина и Василия Сурикова.
Русский модернизм
Начало ХХ в. – время развития и становления русского модернизма, представленного огромным количеством самых разнообразных течений и направлений: фовизм, футуризм, кубизм, супрематизм и т. п. Для модернизма характерно отрицание опыта традиционного искусства. Новое направление осознавало себя находящимся на переднем крае развития искусства – авангардом. Виднейшими представителями авангарда были родоначальник абстрактного искусства Василий Кандинский, Марк Шагал, Казимир Малевич, основатель супрематизма – художественного направления, доведшего идею беспредметной абстрактной живописи до логического завершения. Программное произведение Малевича – «Черный квадрат» (1913 г.) стало идейным манифестом супрематизма.
Достижения русской художественной школы общепризнанны. Картины русских художников, как живших в прошлом веке, так и наших современников, произведения скульпторов, великолепные образцы русского прикладного искусства считают за честь иметь все крупнейшие музеи мира.
Русское искусство – это большой пласт мировой культуры. Сюда входят и богатая сокровищница искусства изобразительного, и искусство танца, и музыкальные, литературные достижения русского народа. Конечно, я назвал не все виды искусства, их много больше. Найдем в перечне искусств также театр и кино, фотографию и прочие…
Во всем мире знаменит русский балет, имена Майи Плисецкой, Галины Улановой, Анны Павловой, других великих русских балерин. Любим и известен во многих странах цирк из России: цирковые династии Дуровых, Кио, других семей…
А русская литература известна своей проникновенностью, душевностью, психологичностью. Не так известен, например, по всей нашей планете поэт Александр Пушкин, прелестный прежде всего поэзией, оборотами русского языка, а оттого почти непереводимый на другие языки. Но широко знакомы мировой общественности прозаики, знатоки человеческих душ Федор Достоевский, Антон Чехов, Лев Толстой.
Русское музыкальное искусство уже давно не ассоциируется с балалайкой и гармонью. Оркестры и джаз-бэнды из России успешно гастролируют по всему миру. Примером может служить легендарный симфонический оркестр «Виртуозы Москвы», основанный Владимиром Спиваковым. Или джаз-оркестр Олега Лундстрема, который хорошо был известен и нашим родителям, и бабушкам, и дедушкам.
А я как-то более всего с теплотой отношусь к русскому изобразительному искусству. Но не к скульптуре и всяческим монументальным его жанрам. И даже не к фотографии, хотя ею, сейчас, как мне кажется, вокруг увлекаются поголовно все! А именно к русской живописи. Мне кажется, так, как Суриков, Шишкин, Левитан, Айвазовский и другие русские мастера, никто из художников не передал так красоты природы, окружающего мира. А таких «мастеров потустороннего мира», как Михаил Врубель, знатоков глубин человеческих чувств и страстей, в мире, наверное, единицы.
В XVIII веке в России происходил небывалый размах развития ваяния появления новой, западноевропейского типа скульптуры, какой еще не знала Россия. Заметную стилевую перемену в развитии русской пластики принесла новая эстетика классицизма эпохи Просвещения. Важную роль в освоении классической скульптуры в России сыграл приглашенный на русскую службу французский скульптор Н.Жилле, долгое время возглавлявший скульптурный класс Академии.
Школу Н.Жилле ,заложившую основы классического ваяния в России, прошли все ведущие русские скульпторы второй половины XVIII-века, окончившие Петербургскую Академию художеств: Ф.Гордеев, М.Козловский, И.Прокофьев, Ф.Щедрин, Ф.Шубин, И.Марос и другие. Рассмотрим наиболее известные работы и стилевые тенденции этих и некоторых других выдающихся скульпторов того времени. Наиболее полно овладевает принципами зрелого классицизма Иван Мартос (1752-1835 гг.). Он создает вполне классические произведения, заметно отличающиеся чистотой и ясностью своей формы от работ других мастеров. После окончания Академии художеств Мартос для совершенствования мастерства едет в Рим. Где непосредственно соприкасается с античной скульптурой. Мартос – мастер широкого диапазона, обращавшийся к разнообразной тематике. Особенно заметный след он оставил в разработке темы классического надгробия и городского монумента. Он был известен и как великолепный мастер декоративно-лепных работ, пробовал заниматься портретом. Его дарование как монументалиста в полной мере раскрылось в памятнике Минину и Пожарскому в Москве, ставшем эталонным произведением – он нашел новые пути соединения монументальной пластики не только с классическими зданиями, но и с пространственным городским ансамблем, превзойдя всех своих предшественников.
Последователен в своей эволюции к классицизму был и Иван Прокофьев (1758-1828 гг.). По сравнению с другими мастерами у Прокофьева сильнее чувствуется сентименталистская струя, придавшая особую мягкость и лиризм его образам. Самое лучшее в его наследии – это рельефы, созданные для петербургской Академии художеств, в которых он достигает исключительного совершенства формы в выражении величавой тишины, гармонирующих с классическим строем интерьера. В этом же контексте развивалось и искусство скульптора Федота Шубина (1740-1805 гг.) .Благодаря своему упорству и способностям он оказывается в Петербургской Академии художеств, где начинается блестящий расцвет его таланта. Ф.Шубин становится непревзойденным мастером скульптурного портрета. Он выполнил множество заказных портретов, бюстов. Это были бюсты А.М.Голицина, З.П.Чернышева и других известных деятелей екатерининской эпохи. К концу XVIII-века намечались и новые формы образного выражения в виде сентименталистских, а затем и романтических настроений. Характерны в этом отношении бюсты П.В.Завадовского и А.А.Безбородко (1798 г.), также выполненные Шубиным. Вместе с тем в поздних работах художника заметна и другая тенденция- усиливается конкретизация портретного образа, а в стиле нарастают черты строгости и простоты. Этими признаками обладают зрелые работы Шубина: бюсты Г.А.Потемкина (1791 г.) , Е.М.Чулкова (1792 г.) , М.В.Ломоносова (1793 г.), и др. Ф.Шубин показал своих современников в неповторимости индивидуальных особенностей их характера и склада души. Шубинский талант обусловил объективность и глубину его произведений, отразивших все многообразие и противоречивость эпохи. Художником одного творения (созданного для России ) можно назвать французского скульптора Э.М Фальконе (1716-1791 гг.). Созданная в России им всего одна работа “Медный всадник” принесла ему славу великого мастера.
Стремление к максимальному обобщению толкало на путь отвлеченного от конкретности истолкования памятника: гранитная скала постамента в виде морской волны, вздыбленный конь и растоптанная змея становятся олицетворением тех препятствий и враждебных сил , которые приходилось преодолевать Петру –I. В результате родился символ, ставший олицетворением не только великих деяний Петра, но и преобразованной им России. Еще множество прекрасных мастеров творило в этот период, и как бы подводя итог этой эпохи. хотелось бы отметить,что XVIII век стал временем, благоприятствующим развитию русской культуры, определив две основные ее линии: профессиональную, ориентированную на общеевропейский путь, и местную, продолжающую развивать традиции народного творчества.
Во второй половине XVII столетия вместе с другими видами искусства в России, живопись переживает серьезные изменения. В определенной мере они подготавливают те коренные реформы, которые происходят в ней в начале XVIII века. Вступая на позиции искусства нового времени со значительным запозданием по сравнению с другими передовыми в художественном отношении европейскими странами, русская живопись по-своему отражает общие закономерности этой стадии развития. На первый план выдвигается светское искусство. Первоначально светская живопись утверждается в Петербурге и Москве, но уже со второй половины XVIII века получает значительное распространение в других городах и усадьбах. Традиционное ответвление живописи – иконопись по-прежнему широко бытует во всех слоях общества.
Русская живопись развивалась на протяжении всего XVIII века в тесном контакте с искусством западноевропейских школ, приобщаясь к всеобщему достоянию – произведениям искусства эпохи Ренессанса и барокко, а также широко используя опыт соседних государств. Вместе с тем. как уже давно установили исследователи, искусство в целом и живопись в частности, на протяжении всего XVIII века связаны единой направленностью и имеют ярко выраженный национальный характер. В этот период в России творили величайшие мастера своего дела – представители отечественной художественной школы и иностранные живописцы. Наиболее интересным явлением в искусстве петровской эпохи стал портрет. У истоков портретной живописи нового времени стоит И.Н.Никитин (ок. 1680 – 1742) . И.Н.Никитин ярко воплощает силу человеческих возможностей, открытых петровской эпохой. Крупнейший реформатор русской живописи, он разделяет с ним триумфы, а под конец – трагические невзгоды. Портреты, созданные Никитиным в ранний период, уже представляют собой вполне европейские по характеру изображения, наиболее близкие произведениям французской школы начала XVIII века. Используя общеевропейский опыт, русский художник реализует свои собственные представления о мире, красоте и индивидуальных особенностях модели. Так возникает свой вариант портрета- общепонятный и вполне неповторимый.К кисти этого великого художника принадлежат такие произведения, как: портрет цесаревны Анны Петровны и царевны Прасковьи Иоанновны ( предположительно 1714 г.). Пожалуй, самым сильным произведением, после возвращения Никитина из Италии, является портрет государственного канцлера Г.И.Головкина (1720-е.г.). Помимо возросшей грамотности в рисунке и технике живописи он демонстрирует духовность выражения и взаимодействие образа со зрителем. Не меньшая серьезность присуща и “Портрету напольного гетмана” (1720-е.г.) . Авторская самостоятельность проявляется и в портрете С.Г.Строганова (1726 г.) и в картине “Петр-I на смертном ложе” (1725 г.). Со смертью Петра трагично закончилась и жизнь самого художника – он был судим по ложному обвинению и сослан в Тобольск. К петровской эпохе по духу принадлежит и творчество другого русского живописца – Андрея Матвеева (1701-1739). По указу Петра он был послан в Голландию учиться, что обеспечило необходимый уровень знаний. Еще в период прохождения обучения им были созданы картины – “Аллегория живописи” (1725 г.) и “ Венера и Амур”. Самое известное произведение Матвеева – “ Автопортрет с женой” (1729 г.).Произведение Макеева рисует новую для России культуру отношений. Муж и жена не просто выступают как равные: художник бережно и горделиво представляет зрителю свою супругу. Заинтересованность в делах искусства и трудолюбие выгодно отличали этого художника.
Живопись последних десятилетий XVIII века отличается значительным разнообразием и полнотой. В первую очередь это обусловлено основанием Академии художеств. Русская школа овладевает теперь теми жанрами живописи, которые прежде были представлены лишь работами старых и современных западноевропейских мастеров. Наиболее крупные достижения русской живописи последних десятилетий XVIII века связаны с искусством портрета. Творчество Ф.С.Рокотова (1735-1808) составляет одну из самых обаятельных и труднообъяснимых страниц нашей культуры. Уже в довольно зрелом возрасте он был принят в Академию художеств. Его ранние произведения – портреты Г.Г.Орлова (1762-1763 гг.), Е.Б.Юсуповой (1756-1761 гг.) свидетельствуют о его причастности к культуре рококо. Признаки этого стиля есть и в коронационном портрете Екатерины-II (1763 г.) , ставшей образцом для изображения весьма взыскательной императрицы. Еще много портретов вышло из-под кисти художника – поэт В.И.Майков (1769-1770 гг.), почти все семейство Воронцова – он сам (конец 1760-х), его жена М.А.Воронцова и дети (1770-е). В период восьмидесятых годов восемнадцатого века в портретах Ф.С.Рокотова преобладает оттенок горделивого сознания собственной значимости, к этому периоду относят: портрет молодой генеральши В.Е.Новосильцевой (1780 г.), знатной дамы Е.Н.Орловой. Современником Рокотова был Д.Г.Левицкий (1735-1822 гг.).
Около 20 лет Левицкий возглавлял портретный класс Академии художеств и не только участвовал в воспитании целой школы русских портретистов, но задавал тон и уровень высокой репутации портретного искусства в России. Сфера его живописи шире, чем рокотовская. Ему одинаково хорошо удавались и камерные портреты и парадное изображение в рост. Неудивительно , что круг его заказчиков весьма обширен. Это и богач Демидов. чью картину он нарисовал в 1773 г., и светская красавица Урсула Мнишек (1782 г.) ,и итальянская актриса Анна Давиа-Бернуци (1782 г.). Важное место в творчестве Левицкого занимает работа над портретом Екатерины -II ,получившим отражение в “Видении Мурзы” Г.Р.Державина. Возвышенная, мифологизированная интерпретация не могла не нравиться императрице, которая более чем внимательно относилась к своим изображениям.
В.Л.Боровиковский (1757-1825 гг.) как бы замыкает плеяду крупнейших русских портретистов XVIII века. Боровиковский, как и Левицкий, родом с Украины. Уже в первые петербургские годы он сблизился с кружком, возглавляемый Н.А.Львовым , и неоднократно портретировал близких к этому обществу лиц. Довольно быстро при поддержке друзей, знакомых и пользовавшегося успехом при дворе австрийского живописца И.Б.Лампи, Боровиковский становится популярным среди широкого круга петербургского дворянства. Художник портретирует целые семейные “кланы” – Лопухиных, Толстых, Арсеньевых, Гагариных, Безбородко, распространявших его известность по родственным каналам. К этому периоду его жизни относятся портреты Екатерины-II,ее многочисленных внуков, министра финансов А.И.Васильева и его жены. Преобладающее место в творчестве Боровиковского занимают камерные портреты. Полотна художника очень нарядны благодаря грациозной постановке моделей, изящным жестам и умелому обращению к костюму. Герои Боровиковского обычно бездеятельны, большинство моделей пребывает в упоении собственной чувствительностью. Это выражают и портрет М.И.Лопухиной (1797 г.),и портрет Скобеевой (середина 1790-х г.), и изображение дочери Екатерины-II и А.Г.Потемкина – Е.Г.Темкиной (1798 г.). Большое внимание художник уделяет малоформатным и прекрасно удавшимся ему миниатюрным портретам. Так же Боровиковский – автор ряда двойных и семейных групповых портретов, которые появляются уже после 1800-х гг. Из всего вышеперечисленного можно сделать вывод, что на протяжении всего XVIII века русское искусство живописи прошло большой путь становления по законам нового времени. Потребности эпохи получили отражение в преимущественном развитии светской живописи – портрета, пейзажа, исторического и бытового жанров.
Сочинение – описание по картине Сыромятниковой Екатерины «Первые зрители»
Картина многоплановая, изобилует деталями имеется и первый план, и дальняя перспектива. Стена с окном как бы разграничивает пространство картины на два пространства- комната и все остальное. Читать дальше
Сочинение о природе по картинам Левитана и Шишкина
Картины Левитана «Березы”, «Березовая роща”, пейзажи, привезенные из зарубежных поездок, такие как «Близ Бордигеры”, «Бурный день» останутся в истории живописи навсегда.
Кому неизвестна картина Шишкина «Утро в сосновом лесу”? Конечно, медведи, коренные обитатели дремучего леса нарисованы не самим художником, но его лес, могучий, которого не сломили даже буреломы, он именно главный герой картины. Читать дальше
Сочинение по картине Фельдмана Владимира «Родина»
Пожухлая осенняя трава, неизвестно какими судьбами уцелевший цветок, как привет от Родины, а он стоит около березы, смотрит вдаль и вспоминает. Читать дальше
Сочинение по картине художника В. Репки «Водитель Валя»
Она изображена в момент, когда требуется совершить какой-то маневр. Руки лежат на огромной баранке руля, готовые развернуть машину в любом необходимом направлении. Читать дальше
Сочинение по картине Щербакова Бориса «Русь подмосковная»
На Руси церкви и соборы всегда строили на вершинах холмов. Их было видно издалека. Читать дальше
Сочинеие по Русской истории на примере Александра Невского
Ведь Александр, тогда ещё не Невский сам лично сражался со шведами и « Возложил копьем своим печатьна лицо» Биргера, командира шведских искателей приключений. Читать дальше
Сочинение по картине Н. Н. Ге «Пущин в гостях у Пушкина в Михайловском»
Небогатая обстановка провинциальной усадьбы. Взволнованный поэт, с чувством читает свои произведения, которых он еще никому не читал. Читать дальше
Сочинение по картина Ракши Юрия «Проводы ополчения»
Княгиня с драгоценными подвесками глядит вдаль – туда, куда ушел её Ладо, но видно,
что её уже одолевают мысли от будущем, что делать, если войско не вернется, ведь на её плечи легла забота о судьбе города. Читать дальше
Сочинение по картинам С. Герасимова «Церковь Покрова на Нерли» и С. Баулина «Храм Покрова на Нерли»
От Древней Руси до нас дошло ничтожное количество уцелевших храмов и сооружений. Читать дальше
Сочинение по картине Назаренко Татьяны Григорьевны – «Церковь Вознесения на улице Неждановой»
Одной из известных картин середины прошлого века является картина художницы Назаренко Татьяны Григорьевны- «Церковь Вознесения на улице Неждановой». Читать дальше
Сочинение по картине А. Г. Венецианова «На пашне. Весна»
В этой картине все красиво — красивая женщина, красивые кони, красивый пейзаж. Молодая красавица в кокошнике и расшитом платье ведет под уздцы двух лошадей, боронуя пашню. Читать дальше
Сочинение по картине А. Дейнека «Будущие летчики»
Во всю ширь картины на заднем плане протянулось море. Оно сине-черное, только белые барашки вскипают на гребнях волн. Читать дальше
Сочинение по картине А. М. Герасимова «Натюрморт. Полевые цветы»
Сколько стихов, песен сочинили поэты про скромные полевые цветы. Они не такие роскошные, как орхидеи, но про полевые цветы – ромашки, колокольчики, другие цветы сочинено столько легенд, преданий… Читать дальше
Сочинение по картине А. П. Рябушкина «Московская девушка XVII века.»
Зимний день в Москве семнадцатого века. Девушка идет одна по улице без сопровождающих, гордо вздернув головку и опустив глаза, думая о чем-то о своём. Куда она идет? Неизвестно. Читать дальше
Сочинение по картине А.А. Рылова «Домик с красною крышей»
На даче знакомых, в подмосковной деревне Крюково художник увидел пейзаж, который так понравился ему, что он сделал множество эскизов и набросков, стремясь запечатлеть мир и покой, царивший в этом уголке Подмосковья. Читать дальше
Сочинение по картине А.Г. Венецианова «Девушка в платке»
Девушка больше похожа на сказочную принцессу. Высокий лоб, гладко зачесанные волосы, полуприкрытые синим платком с разноцветными полосами, глаза, которые доверчиво смотрят на зрителя. Читать дальше
Сочинение по картине А.К. Денисова –Уральского «Лесной пожар»
До самого неба взметнулись клубы огня и дыма, кажется и нам слышен треск погибающих деревьев. На переднем плане стоит сосна, но и она обречена, не говоря уже о более мелких деревцах. Читать дальше
Сочинение по картине Айвазовского Ивана Константиновича «Буря на Черном море. 1873»
«О скалы грозные дробятся с ревом волны, и с белой пеною, крутясь бегут назад…»
Эти строки как нельзя лучше отражают положение моряков, потерпевших кораблекрушение. Их корабль погиб, теперь волны несут их на суровый и неприветливый берег, ощетинившийся скалами. Читать дальше
Сочинение по картине Айвазовского Ивана Константиновича «Буря на Черном море. 1873»
Впередсмотрящий приготовил шест, чтобы попытаться оттолкнуть лодку от гибельных скал.
Вот очередной вал несет лодку, а за ним вырастает ещё один. Что они сулят морякам — гибель, или спасение?. Читать дальше
Сочинение по картине Айвазовского Ивана Константиновича «Буря»
Вне всякого сомнения, Айвазовский принадлежит к величайшим маринистам мира и даже чопрные англичане, которые жалели жителей континента, за несчастье родиться не в Англии, даже они могли сравнить Айвазовского только со своим маринистом -Тёрнером. Читать дальше
Русская живопись второй половины XVIII века
XVIII век в России – это не только время взлета общественного самосознания, общественной и философской мысли, но и время расцвета искусства. Рядом с именами корифеев русской науки и литературы – Ломоносова, Фонвизина, Радищева, Державина стоят имена русских художников – Рокотова, Левицкого, Боровиковского, Лосенко, Шибанова.
В XVIII веке в живописи начинает преобладать реалистическое направление. Героем искусства, носителем общественного и эстетического идеалов становится живой и мыслящий человек. В это время формируются новые жанры живописи: исторический, пейзажный, бытовой. Разнообразие и полнота жанровой структуры получили развитие в последние десятилетия XVIII в. Живопись широко распространяется: обогащаются царские собраний, складываются фамильные коллекции в столицах, провинциальных городах и усадьбах. Получают общественное признание амплуа живописца, поэта, артиста. С этим же временем связываются первые художественные выставки и продажа произведений, роль профессионального мнения по вопросам искусства, первые эстетические трактаты.
Первой и наиболее крупной фигурой в области исторической живописи был Антон Павлович Лосенко (1737-1773). Он написал всего несколько картин, среди которых «Владимир и Рогнеда» на сюжет русской истории и «Прощание Гектора с Андромахой на тему „Илиады“ Гомера. Обе картины сегодня кажутся во многом архаичными, но в свое время они пользовались большой известностью и стали первыми тематическими композициями в русском искусстве.
Федор Степанович Рокотов (1735-1808) – выдающийся мастер камерного портрета, т.е. погрудного изображения модели, где все внимание художника сосредоточено на лице портретируемого. Главное для Рокотова – показать внутренние переживания человека, его духовную исключительность. Рокотов был превосходным мастером женского портрета. Женские образы художника преисполнены чувства внутреннего достоинства и духовной красоты, они величественны и гуманны. Его творчеству были присущи поэтичность образов, тонкость живописных отношений, легкость и мягкость мазка. Его кисти принадлежат портреты Н.Е. и А.П. Струйских (1772, ГТГ), „Неизвестного в треуголке“ (начало 1770-х, ГТГ), „Неизвестной в розовом платье“ (1770-е гг. ГТГ).
Во второй половине XVIII века художники начинают уделять внимание изображению жизни и быта крестьян. Крестьянской теме посвятил свои работы крепостной художник графа Потемкина Михаил Шибанов.
Среди других художников XVIII века можно отметить творчество Владимира Лукича Боровиковского (1757-1825), который являлся третьим из ведущих мастеров портрета второй половины восемнадцатого века. Его полотна выделяются подчеркнутой лиричностью, созерцательностью, вниманием к миру личных переживаний человека. Он написал такие картины, как „Екатерина II на прогулке в Царскосельском парке“ (1794, ГТГ) и „Портрет Д.А. Державиной“ (181З, ГТГ), как отечественный вариант английского „портрета – прогулки“. Сентиментализмом проникнуты женские образы художника – портреты М.И. Лопухиной (1797), Е.А. Нарышкиной (1799), Е.Г. Темкиной (1798, все в ГТГ). В композиции полотен большую роль художник отводил пейзажу.
На портретную живопись восемнадцатого века значительное влияние оказал современник Ф.С. Рокотова Дмитрий Григорьевич Левицкий (1735-1822). Именно в творчестве Левицкого воплотилась самая суть российского века Просвещения, чей расцвет приходится на екатерининское царствование.
Творчество Левицкого демонстрирует, что Россия окончательно вошла в европейский круг. Просветительские идеалы достоинства, разума и естественности, актуальные для западного культурного сознания, весьма для него значимы. По живописному мастерству его портреты не уступают работам лучших французских и английских современников. Никто так сочно и осязательно не пишет вещественный мир, восхищаясь его драгоценностью и разнообразием: блеском бронзы, тяжестью и переливами тканей.
Происходя из рода малороссийских священников, Левицкий обрел вкус к рисованию еще с детства. Его отец, Григорий Кириллович, в придачу к духовному званию, был известнейшим на Украине гравером, „справщиком“ типографии Киево-Печерской Лавры. Просвещенный человек, поэт-любитель, он получил художественное образование на Западе. По семейной традиции, окончив семинарию и Киевскую духовную академию, сын помогал отцу в исполнении аллегорических программ для богословских диспутов. Его обучению „искусствам“ суждено было продолжиться, когда для руководства живописными работами в строящемся по проекту Ф.Б. Растрелли Андреевском соборе в Киеве в 1752 году прибыл Алексей Петрович Антропов. Оба Левицких были у него „на подхвате“. Оценив их старания, Антропов рекомендовал старшего на должность храмового ревизора – изымать иконы „неискусной резьбы“, а младшего в 1758 году пригласил к себе в ученики.
Антропов был портретист – тому и учил. У Левицкого появились первые заказы: ремесло не только доставляло удовольствие, но еще и обещало кормить, а это было важно, поскольку в семье подрастала дочь. Впоследствии Левицкий станет самым „модным“ художником – он будет буквально завален частными заказами. Уже по собственной инициативе, для „шлифовки стиля“, он берет несколько уроков у мастеровитых иностранцев – Ж.-Л. Лагрене-старшего и Дж. Валериани. И в 1770 году пришел настоящий успех – за „Портрет А.Ф. Кокоринова“ (1769), показанный на выставке Академии художеств, не обучавшийся в ней художник получил звание академика, а еще через год был приглашен вести портретный класс.
Левицкий писал портреты так, как того требовали эстетические и этические нормы эпохи. Модели непременно должны были быть представлены в наивыигрышном свете. Они не скрывают, что позируют художнику. Отсюда их горделивая осанка, условные жесты, снисходительные взгляды. Портретируемые изображались обычно в роскошной одежде, парадных мундирах, в звездах и орденских лентах. Однако сквозь эту феерию богатства и парад чинов внимательный зритель может увидеть живые и полнокровные образы незаурядных людей.
Таков А.М. Голицын, портрет которого был создан Левицким в 1772 году. Государственный деятель, сановник, он изображен согласно законам парадного портрета. Для этого художник выбрал большой формат холста и точку зрения снизу, дал поколенный срез фигуры. Широким жестом вице-канцлер указывает на бюст императрицы, подчеркивая тем самым свое прямое отношение к событиям, способствовавшим вступлению Екатерины II на престол.
Левицкий воспевает добродетели „просвещенной монархини“ в композиции „Портрет Екатерины II в храме богини Правосудия“ (1783). Аллегория здесь столь сложна, что художнику пришлось предпослать портрету пространное его описание: „Ея Императорское Величество, сжигая на алтаре маковые цветы, жертвует драгоценным своим покоем для общего покоя… В дали видно открытое море, и на развевающемся российском флаге изображенный на военном щите Меркуриев жезл означает защищенную торговлю“.
Ранний – условно скажем, барочный – Левицкий еще „многословен“. Для рассказа о человеке ему нужны „говорящие“ атрибуты, дидактические жесты, освоенное вещами пространство. Среди портретов такого рода особенно интересен „Портрет П.А. Демидова“ (1773)
Все эти скрытые смыслы люди XVIII века прекрасно понимали. Было ясно, например, что облака, омрачившие небо в детском портрете, намекают на появление первых страстей; что цветок в руке или на корсаже есть примета поэтической натуры, а роза отличается по эмблематике от полевого букета. Жизнь в ту эпоху риторических жестов и театральной условности как бы уподоблялась сценическому действу, и люди в своем бытовом поведении стремились соответствовать некой постоянной роли. Разрыв между „позой“ и „натурой“ будет осознан позднее; пока же и взыскуемый просветителями „естественный человек“ органично существует в системе условных знаков.
Очень любопытной представляется серия из семи портретов „Смолянок“ (1772-1776) – выпускниц Смольного института (Института благородных девиц), отличившихся в выпускных спектаклях. Левицкий написал эти 7 произведений таким образом, что они воспринимаются как единое целое.
Перед нами костюмированные портреты, но маски как бы впору моделям. Ребенок – воплощение „естественного человека“, и эти барышни еще почти дети. Один из лучших в серии – двойной портрет Е.Н. Хрущевой и Е.Н. Хованской. Одетые в театральные костюмы юные актрисы играют в пасторали. Левицкий чутко улавливает индивидуальные особенности каждой из изображенных. Бойкая и шаловливая Хрущева, играющая кавалера, уверенно чувствует себя на сцене. Она с неподдельным удовольствием, легко и естественно ведет свою партию. Вторая героиня портрета, Хованская, совсем иная. Ее высокая, по-детски угловатая фигура в пышном кринолине кажется неловкой. Она напряженно замерла в указанной ей позе, и никакие ухищрения не могут заставить Хованскую быть кокетливой и жеманной, как того требует роль.
Левицкий, конечно, не был в полном смысле слова „человеком Просвещения“. Это невозможно для художника второй половины XVIII века: слишком еще велика иерархическая дистанция между ним и моделями, слишком зависимо его положение от монарших милостей. При Екатерине Левицкий обласкан, при Павле, конечно, наоборот: ему приходится участвовать в унизительном разбирательстве по поводу заказанной императрицей серии портретов кавалеров ордена св. Владимира, которую ее преемник не желает востребовать и оплатить. Он пишет „слезницы“ по инстанциям, „почтительнейше припадает к стопам“, ведет себя согласно придворному этикету – и в то же время добровольно уходит с государственной службы в 1787 году (ссылки на плохое здоровье в прошении об отставке неубедительны – Левицкому в это время 52 года, и ему предстоит дожить почти до 90). Он вернется в Академию советником только в 1807 году при Александре I – точнее, его вернут, гуманно учитывая преклонный возраст, былые заслуги и нынешнюю необходимость кормить внуков. Но оставить „хлебное место“ – разве это не жест, так же как отказ занять должность инспектора Академии, сулящую материальные выгоды? Левицкий может служить лишь тому, чему „всяк по своему сердечному намерению, расположению или действованию принадлежит“. Так что индивидуальное самосознание пробуждается и укрепляется в нем, – как и в его героях: в Н.И. Новикове, Н.А. Львове, И.И. Дмитриеве, И.В. Лопухине и других.
Портреты „интеллигентов XVIII века“ (название, конечно, не вполне исторически корректное – этот слой только зарождается) не образуют отдельного цикла в творчестве Левицкого. Но им запечатлен целый ряд людей, составивших славу русской и европейской культуры того времени – от идейного вдохновителя отечественной интеллектуальной элиты Дени Дидро (1773-1774) до „Неизвестного композитора“ (1781). Возможно, с кем-то из них Левицкий состоял в одной масонской ложе (предположение не вполне доказанное, но вероятное), и причастность общему кругу идей определила трактовку образов, которая, как правило, предельно проста.
Никакого постановочного размаха, никаких риторических жестов: даже парик и парадная одежда не обязательны для философа. Но в лаконичных характеристиках Левицкий уже вплотную приближается к психологическим завоеваниям портрета следующего столетия.
Вплотную, – но не совсем. По точному определению искусствоведа А.М. Эфроса, „Левицкий отнюдь не опережал своего времени, а шел в ногу с ним“. Подобно Державину в поэзии, он воплотил в живописи самый дух противоречивой эпохи – ее декоративную пышность и тяготение к рационалистическим идеалам, веру в просвещение и плотское, „нутряное“ ощущение жизни. В его наследии можно обнаружить и почти рембрандтовские предвидения „портрета-судьбы“ (»Портрет священника Г.К. Левицкого”, 1779) и полуэтнографические опыты в духе пробуждающейся моды на национальное («Портрет дочери Агаши в русском костюме», 1785); он умел быть блестяще-светским («Портрет Анны Давиа», «Портрет Урсулы Мнишек», оба 1782) и лирически-проникновенным, особенно в женских изображениях («Портрет М.А. Дьяковой», 1778), опровергающих расхожее в то время представление о женщине, как о существе «веселонравном, любящем только смехи и забавы»; наконец, ему не было равных в портрете парадном, в великолепии композиционных постановок. И строки из дифирамба, написанного И.Ф. Богдановичем по поводу «Портрета Екатерины II в храме богини Правосудия» – «Твоею кистью ты явил в Петровом граде бессмертных красоту и смертных торжество» – можно отнести ко всему его творчеству.
Портретная и историческая живопись XVIII века была пронизана идеями гражданственности, патриотическим пафосом, чувством общественного долга. Эти идеи найдут дальнейшее развитие в искусстве последующего столетия.
Жанрами в живописи называют её разновидности, которые определяются предметом изображения. Одним из наиболее важных и широко распространённых является бытовой жанр, то есть изображение повседневной жизни. Бытовой жанр часто называют жанровой живописью. Интерес к ней понятен: это искусство говорит о нас самих, о наших делах и днях. О труде и об отдыхе, о радостях и тревогах, стремлениях и успехах таких же, как и мы с вами, обыкновенных людей. Жанровая живопись помогает нам прямо и непосредственно осмысливать нашу жизнь, наш сегодняшний день: в ней отражаются те жизненные ситуации и вопросы, которые волнуют нас и ответы на которые мы ищем. Художникам всегда хотелось запечатлеть также «шаги истории самой»: какие-либо более или менее важные события общественной жизни минувших времён или просто быт ушедших поколений. Историческая живопись существует очень давно, со времён Древнего Египта, но подлинного расцвета достигла она в XIX столетии, когда в связи с дальнейшим развитием буржуазного общества художники стали особенно чуткими к драматическим судьбам народов.
Русская историческая живопись представлена произведениями Репина, Иванова, Серова и прежде всего, такого гиганта, как Суриков. Конечно, не всегда сюжет исторического полотна будет взят из действительно важных реальных событий истории. Не так уж на самом деле исторически значительна трагедия сосланного в Сибирь Меншикова, но в этом эпизоде Суриков сумел почувствовать отражение сложнейших противоречий всей эпохи петровских преобразований.
С историческим жанром тесно связан батальный, призванный изображать военные сцены, битвы. Историю крупнейших войн, которые вела Россия в прошлом веке, дал в своих известных циклах картин знаменитейший баталист Верещагин. Героем его картин стал простой солдат во все моменты его ратного труда: в походе, на отдыхе, в быту — всюду, где требуются его воля, сила, смекалка. Пейзажная живопись, в отличие от бытовой (жанровой), даёт возможность художнику выразить своё отношение к миру в широком, обобщённо-политическом плане, хотя она обращена не к прямому изображению человека или обстоятельств его жизни, а к миру природы, которая нас окружает.
Природа сближает людей, часто рождая у них сходные настроения, раздумья, переживания и поэтому произведения пейзажистов нам обычно близки и понятны, хотя человек в пейзажной картине нередко отсутствует. Удачно написанный пейзаж способствует более полному восприятию красоты и величия природы. Цель портретного искусства — фиксация внешнего облика и внутреннего содержания конкретного человека.
Рассказывают, когда Веласкес закончил свой портрет папы Иннокентиях, папа негодующе воскликнул: «Слишком правдиво!» Сегодня мы никак не можем проверить это, но довольно одного взгляда на портрет, чтобы почувствовать всю его могучую и беспощадную правду. И нам важно уже не то, действительно ли был таким коварный, подозрительный, умный, настороженный облик римского первосвященника. Нас потрясает раскрытая гениальным художником сложнейшая жизнь души, властное обнажение сокровенных тайн характера, проникновение в бездонные глубины человеческой психологии. Портрет служит средством понимания людей, их натуры, их внутреннего содержания, он формирует в нас правильное отношение к человеку, уважение к нему и к его внутреннему миру.
Иногда говорят, что в наши дни, когда имеется фотография, технические возможности которой с каждым днём прогрессируют, нет нужды живописцам заниматься портретом: фотоаппарат с успехом зафиксирует облик любого человека, причём сделает это точнее, чем художник. Но что такое «точность» применительно к облику человека? Кстати, гипсовая маска, снятая с лица даже живого человека, бывает, как правило, наименее похожа на оригинал. Ведь художник, наблюдая свою модель, выбирает из множества состояний, выражений, поворотов лица наиболее характерные и, синтезируя их, создаёт образ, в котором личность портретируемого, его характер и психология переданы с такой обобщающей силой и глубиной проникновения в душу человека, какая невозможна при механической фиксации.
В мою жизнь настоящая живопись вошла, когда мне в руки попала книга об итальянской галерее «Уффици». Иллюстрации картин Боттичелли, Рафаэля просто потрясли мою душу. Но настоящие картины, хотя и не таких великих мастеров, как Рафаэль, увиденные впервые в городском художественном музее, произвели на меня гораздо большее впечатление, чем иллюстрации. Потом были картинные галереи Москвы, куда я ходила, когда приезжала в гости к своей тете. В Третьяковке я подолгу простаивала у картин великих русских мастеров. Выходила просветленная и потрясенная. Особенно — картинами Васнецова и Врубеля. Теперь моя мечта посетить картинные галереи Киева, Львова и, конечно, Петербурга. А уж потом попасть в Лувр, Прадо, в Уффици, в Дрезденскую галерею, в Британский музей. Это программа-максимум моей взрослой жизни.
Рядом с программой-максимум всегда существует программа-минимум. Проект «Музей одной картины», который где-то еще существует, — это, по-моему, очень правильное направление в культурном просвещении народа. Люди живут не только в больших культурных центрах — это раз, осмотреть сразу всю, к примеру, Третьяковку — это, считай, не увидеть ничего. Это два. И третье: организация больших передвижных выставок — дорогостоящее и потому редкое мероприятие. Поэтому «Музей одной картины» (конечно, шедевра) должен существовать и расширять свою географию и выставляемые картины. Материал с сайта //iEssay.ru
Первый портрет Петербурга был сделан, когда городу исполнился всего год. Автор этой гравюры – Питер Пикарт. Петропавловская крепость и заросший лесом Берёзовый или Городовой остров (нынешняя Петроградская сторона) с его строениями отделены от первого плана такой широкой рекой, что видны где-то на самом краю земли. Огромный едва обозримый простор Невы, текущей вровень с берегами, явно господствует над всем. Суши нет, она образует лишь тонкую раму для воды.
Парадные портреты юного Петербурга показывали его непременно с реки. Например, работы талантливого художника и гравера – А. Ф. Зубова. Здесь река образует с городом уже более или менее единое целое. На панораме виден уже большой город, занимающий берега Невы на протяжении шести с лишним вёрст. И кроме того здесь представлена сложная комбинация разных отрезков невских берегов.
Город строится, растёт, и русские и иностранные художники рисуют не просто огромные панорамы, и даже не общие виды, а части архитектурных сооружений, создают “монографии” отдельных уголков Петербурга. Всё большие права в гравюре получает стефаж – изображение фигур на фоне архитектурного пейзажа. Среди “певцов Петербурга” резко выделялся своим искусством С. Ф. Галактионов. В его работах счастливо сочетались точный рисовальщик, безукоризненный гравер и не менее талантливый литограф. Далее художников начинают привлекать не только центральные улицы, но и окраины города, жанровые сцены, народные праздники.
Первенство получает литография. В литографии тех лет, посвящённых столице, всегда присутствует человек, и уже не как статичная фигура, передающая масштаб изображения или “оживляющая” строгость архитектурных форм, а как едва ли не главный персонаж. Отметим работы Г. Беггрова, П. Сверчкова, Ф. Баганц, А. О. Орловского, о литографиях которых поэт П. А. Вяземский с восторгом писал:
Русь былую, удалую
Ты потомству передашь,
Ты схватил её живую
Под народный карандаш.
В 60-х гг. прошлого века в петербургской теме наметился определённый спад. Виды города всё реже привлекают внимание художников – и живописцев, и графиков. Одна из причин была в появлении фотографии, с которой кисть и резец не могли соперничать в точности передачи архитектурных деталей. Но главное заключалось в том что, с одной стороны, казалось уже невозможным найти свою точку зрения на хорошо знакомые всем ансамбли, а с другой, – новая архитектура, пренебрегавшая художественными традициями и ставившая во главу угла “доходность”, не могла заинтересовать глаз художника.
Большую роль в реабилитации Петербурга в живописи сыграла культурно-просветительная и художественная деятельность группы “Мир искусства”.
Самые известные из художников-мирискусников – это А. П. Остроумова-Лебедева, А. Н. Бенуа, М. В. Добужинский.
В предисловии к литографиям А. П. Остроумовой-Лебедевой, А. Н. Бенуа писал: “Петербургу особенно посчастливилось на литографии. Если бы все остальные его изображения – в картинах, акварелях, гравюрах и фотографиях – погибли и остались бы одни литографические виды Петербурга, то и тогда можно было бы вполне судить о нём, и не только о красоте и значительности его памятников или об особенном характере его широких проспектов и каналов, но и о самой душе этого, выросшего из болота, призрачного и монументального, “казённого” и поэтического города. Анна Петровна Остроумова-Лебедева взялась за литографический карандаш для того, чтобы в сюите из нескольких листьев, связанных между собой общностью настроения, начертать лик Петербурга таким, каким он ей представляется и каким она его любит” (А. Н.
«
1
2
3
»
Различают несколько разновидностей живописного искусства. Наиболее хорошо известна и наиболее распространена в настоящее время так называемая станковая живопись, к которой относятся обычные картины любого содержания.
Их главным отличительным свойством является то, что их можно переносить с места на место, вешая на любой подходящей для этого стене. Теперь картины пишут обычно на холсте, натянутом на специально сделанный деревянный подрамник. Готовую картину вставляют в раму, которая во многих случаях имеет такую форму, что создаёт впечатление оконного косяка, а само изображение на холсте становится похожим на вид, открывающийся в воображаемом окне.
Станковая живопись появилась сравнительно недавно — немногим более пятисот лет тому назад, в эпоху Возрождения: она как нельзя лучше отвечала потребностям мастеров того времени — воспроизводить реальный мир со всей непосредственностью и жизненной убедительностью.
Название своё станковая живопись получила оттого, что пишутся картины на особом виде станка, называемом французским словом «мольберт».
А вот произведения монументальной живописи, едва ли не самой древней в истории человечества, пишутся на поверхности стен или на перекрытиях зданий, украшать которые они предназначены. Ещё люди каменного века расписывали стены пещер изображениями разных животных, выполняя их несколькими красками. Процветала она и позже: в античную эпоху в греко-римском мире и в средние века.
Многие великие мастера Возрождения были авторами больших монументальных произведений, расписывая стены, своды, иногда и пол, нередко сочетая своё искусство со скульптурой, лепниной и различными орнаментами. Но иногда прибегают к другому техническому приёму: холст, натянутый на подрамник так же, как для обычной станковой картины, покрывают росписью, а затем закрепляют наглухо на стене, и тогда это произведение называется «панно», или на потолке или своде, и тогда оно называется «плафон».
В отличие от монументальной живописи, представляющей собой композиции с человеческими фигурами, нередко целые законченные сцены, декоративная роспись имеет орнаментальный или полуорнаментальный характер — в ней преобладает узор. Если монументальная роспись сочетается с декоративной, когда, например, написанная на стене монументальная композиция окружена рамкой из различных орнаментов, то говорят о монументально-декоративной живописи.
Декоративной живописью могут украшаться предметы быта: различные лари и сундуки, коробки, прялки, чудная деревянная посуда. И тогда речь идёт о прикладном искусстве, украшающем нашу повседневную жизнь.
О ЖИВОПИСИ…
Различают несколько разновидностей живописного искусства. Наиболее хорошо известна и наиболее распространена в настоящее время так называемая станковая живопись, к которой относятся обычные картины любого содержания.
Их главным отличительным свойством является то, что их можно переносить с места на место, вешая на любой подходящей для этого стене. Теперь картины пишут обычно на холсте, натянутом на специально сделанный деревянный подрамник. Готовую картину вставляют в раму, которая во многих случаях имеет такую форму, что создаёт впечатление оконного косяка, а само изображение на холсте становится похожим на вид, открывающийся в воображаемом окне.
Станковая живопись появилась сравнительно недавно — немногим более пятисот лет тому назад, в эпоху Возрождения: она как нельзя лучше отвечала потребностям мастеров того времени — воспроизводить реальный мир со всей непосредственностью и жизненной убедительностью.
Название своё станковая живопись получила оттого, что пишутся картины на особом виде станка, называемом французским словом «мольберт».
А вот произведения монументальной живописи, едва ли не самой древней в истории человечества, пишутся на поверхности стен или на перекрытиях зданий, украшать которые они предназначены. Ещё люди каменного века расписывали стены пещер изображениями разных животных, выполняя их несколькими красками. Процветала она и позже: в античную эпоху в греко-римском мире и в средние века.
Многие великие мастера Возрождения были авторами больших монументальных произведений, расписывая стены, своды, иногда и пол, нередко сочетая своё искусство со скульптурой, лепниной и различными орнаментами. Но иногда прибегают к другому техническому приёму: холст, натянутый на подрамник так же, как для обычной станковой картины, покрывают росписью, а затем закрепляют наглухо на стене, и тогда это произведение называется «панно», или на потолке или своде, и тогда оно называется «плафон».
В отличие от монументальной живописи, представляющей собой композиции с человеческими фигурами, нередко целые законченные сцены, декоративная роспись имеет орнаментальный или полуорнаментальный характер — в ней преобладает узор. Если монументальная роспись сочетается с декоративной, когда, например, написанная на стене монументальная композиция окружена рамкой из различных орнаментов, то говорят о монументально-декоративной живописи.
Декоративной живописью могут украшаться предметы быта: различные лари и сундуки, коробки, прялки, чудная деревянная посуда. И тогда речь идёт о прикладном искусстве, украшающем нашу повседневную жизнь.
Живопись в моей жизни
Искусство вообще, а живопись в частности занимают огромное место в жизни человека. Способность к творчеству, к созданию произведений искусства существенное отличие рода человеческого от остального живого мира. В ряду видов искусства живописи принадлежит особое место. Спросите: почему? Отвечу так.
Не каждый ребенок тянется к перу и бумаге, чтоб писать стихи или прозу. Не каждый хочет играть на рояле или скрипке. Но нет ребенка, который бы не пытался рисовать. И еще одно: из глубины веков до нас дошли свидетельства о живописных пробах древних цивилизаций. Наскальные рисунки, роспись предметов обихода — это ли не первый шаг к шедеврам Рафаэля?
В мою жизнь настоящая живопись вошла, когда мне в руки попала книга об итальянской галерее «Уффици». Иллюстрации картин Боттичелли, Рафаэля просто потрясли мою душу. Но настоящие картины, хотя и не таких великих мастеров, как Рафаэль, увиденные впервые в городском художественном музее, произвели на меня гораздо большее впечатление, чем иллюстрации. Потом были картинные галереи Москвы, куда я ходила, когда приезжала в гости к своей тете. В Третьяковке я подолгу простаивала у картин великих русских мастеров. Выходила просветленная и потрясенная. Особенно — картинами Васнецова и Врубеля. Теперь моя мечта посетить картинные галереи Киева, Львова и, конечно, Петербурга. А уж потом попасть в Лувр, Прадо, в Уффици, в Дрезденскую галерею, в Британский музей. Это программа-максимум моей взрослой жизни.
Рядом с программой-максимум всегда существует программа-минимум. Проект «Музей одной картины», который где-то еще существует, — это, по-моему, очень правильное направление в культурном просвещении народа. Люди живут не только в больших культурных центрах — это раз, осмотреть сразу всю, к примеру, Третьяковку — это, считай, не увидеть ничего. Это два. И третье: организация больших передвижных выставок — дорогостоящее и потому редкое мероприятие. Поэтому «Музей одной картины» (конечно, шедевра) должен существовать и расширять свою географию и выставляемые картины.
Была на телевидении прекрасная передача Никиты Михалкова, посвященная какому-нибудь одному из шедевров русской живописи. В этой передаче рассказывалось обо всем: и о самом художнике, и об особенностях картины, и об истории ее создания. Но главное: Н. Михалков открывал нам столько интересного о давно прошедшем времени, о быте тех времен и того сословия людей, которые были изображены на картине. Обо всем этом очень редко можно услышать в музеях или прочитать в книгах по искусству.
Заключая, хочу сказать, что живопись для меня — это вечный источник душевного наслаждения и познания жизни. Так пусть же он не иссякает никогда!
Если вам попадется в ОГЭ или ЕГЭ по обществознанию тема живописи или визита в музей, то в этом случае Вам будет полезен пример сочинения ниже.
Русская живопись — русский музей.
Сегодня мы поговорим с Вами о русской живописи второй половины девятнадцатого века. Свой рассказ я начну с повествования о представителях этого периода. Это всем известные знаменитые художники: Крамской, Перов, Мясоедов, Шишкин, Саврасов, Васнецов, Куинджи, Коровин и многие другие. Тема живописи весьма актуальна во все времена.
Вторая половина девятнадцатого века, ознаменована расцветом русской живописи. Большинство подлинных картин находятся в музеях России. Это знаменитый Русский музей в городе Санкт-Петербурге, не менее знаменитая Третьяковская галерея в городе Москва.
В живописи того времени отражался реализм бытия народа, стремление изменить эту жизнь. Главной темой искусства стал страдающий и угнетённый народ. Всяческая хула русской церкви и веры. Утверждением реализма в искусстве занимались руководители Академии художеств. Академики прибегали к мнению, что искусство выше насущной жизни и всячески направляли учеников на библейские и мифологические мотивы. Передвижники всецело не принимали академические взгляды на мифологию. Они стремились изображать живую жизнь. Ведущее место занимал бытовой жанр, а именно крестьянство, показывая угнетение, страдание, земледелие, домашние работы.
Тяжёлая доля народа обращала на себя огромное внимание. Василий Перов, показывает не лёгкую жизнь крестьян в своих работах. «Сельский крестный ход на пасху» , картина отражает нищету, пьянство, муки, страдания о нелёгкой жизни. Также многим известная работа » Проводы покойника» , показывает трагизм бедной семьи, оставшейся без кормильца. Не менее известная картина» Последний кабак у заставы», Перов изображает поздние сумерки зимнего дня, в соседних домах уже зажглись огни, небо сине-красного цвета, живописец тем самым показывает скупость, скуку и личное горе героев . Картина полна щемящей тоски и плача.
У Перова множество картин с изъезженными дорогами, которые символизируют скромную, «грустную» жизнь крестьян. В работах Перова нет ярких и чистых цветов, а наоборот пыльно-дымчатые оттенки. Не могу пропустить одну из известных работ » Охотники на привале» . Сам автор был заядлым охотником. Картина написана без внутренней психологии. Изображены три охотника, явно довольствующихся охотой. Один из охотников эмоционально рассказывает об удачной добыче, второй занятно слушает рассказчика, ну а третий в своих мыслях и настроен весьма скептически. Картина позволяет проникнуть в пространство .
Передвижники совершили определённые открытия в крестьянской жизни. Знаменитый Алексей Саврасов, который сумел показать красоту и лирику русской природы. Кто может назвать самую известную работу?
Да-да, именно » Грачи прилетели» . Многие художники писали русскую природу, но Алексею Кондратьевичу удалось передать изыск, нежность, и трепет простого , родного холмика. » Грачи прилетели»- самый известный пейзаж мирового уровня. Одним словом, работа стала образом удивительного поэтического обаяния.
Волшебным окрасом русской живописи стал Васнецов Виктор Михайлович, работы которого находятся в Русском музее. Его лучшее произведение -» Три богатыря».
Архип Кунджи, также пребывающий в русском музее. Отличается игрой света и тени. Воздействие воздуха и простора в его работах является полным противопоставлением произведениям искусства Перова. Таинственный свет луны, позволяет погрузиться в себя и задуматься о вечном.
Также на вторую половину девятнадцатого века приходится творчество Сурикова » Боярыня Морозова, Ильи Репина » Бурлаки на Волге, Врубеля » Демон летящий». Все художники того времени находятся на уровне мировой известности. Репин был знаменем передвижников. Для работ Ильи Репина в русском музее отведено специально несколько залов.
Подводя итоги, хочется сказать: русские художники покоряют сердца людей не только России, но и разных городов и стран. В Русский музей съезжаются разные народы, которые относятся с большим почтением к памятникам русского искусства.
Посмотрите другие сочинения-рассуждения для ОГЭ и ЕГЭ по обществознанию:
История русской живописи
Иконописное искусство
Византийская живописная традиция пришла на Русь вместе с христианством и храмовым строительством: храмы украшались мозаиками и фресками. Храмовая живопись отличалась одухотворенностью и строгой каноничностью. Выразительные образы призваны были воплотить идею превосходства духа над плотью.
Другим новшеством, принесенным христианством стали иконы (от греч. eikon — изображение, образ), представлявшие изображение Иисуса Христа, Богоматери и святых, которому приписывалось священное значение. Иконы заменили деревянных истуканов, символизировавших языческих богов.
Высочайшего уровня развития русская живопись достигает на рубеже XIV–XV веков. На этот период приходится расцвет иконописного искусства, связанный с деятельностью трех выдающихся мастеров иконописи: Феофана Грека, Андрея Рублева и Дионисия.
Западная школа живописи
С открытием Петром I окна в Европу Россия приобщается к западной школе живописи. Русские художники овладевают техническими достижениями западных мастеров: в обиход входят новые материалы (холст, масляные краски, мрамор). В живопись проникает невиданное дотоле многообразие образов и сюжетов. Самой, пожалуй, интересной сферой развития изобразительного искусства была портретная живопись.
Позднее расцветает пейзаж. В начале ХХ в. – это уже не просто изображение ландшафта, а живопись, через образы природы передающая тончайшие движения человеческой души. Величайшими мастерами пейзажа в России были А. К. Саврасов («Грачи прилетели»), И. И. Шишкин («Сосновый бор»). Реализм в живописи XIX в. достигает вершины в творчестве Ильи Репина и Василия Сурикова.
Русский модернизм
Начало ХХ в. – время развития и становления русского модернизма, представленного огромным количеством самых разнообразных течений и направлений: фовизм, футуризм, кубизм, супрематизм и т. п. Для модернизма характерно отрицание опыта традиционного искусства. Новое направление осознавало себя находящимся на переднем крае развития искусства – авангардом. Виднейшими представителями авангарда были родоначальник абстрактного искусства Василий Кандинский, Марк Шагал, Казимир Малевич, основатель супрематизма – художественного направления, доведшего идею беспредметной абстрактной живописи до логического завершения. Программное произведение Малевича – «Черный квадрат» (1913 г.) стало идейным манифестом супрематизма.
Достижения русской художественной школы общепризнанны. Картины русских художников, как живших в прошлом веке, так и наших современников, произведения скульпторов, великолепные образцы русского прикладного искусства считают за честь иметь все крупнейшие музеи мира.
Русское искусство – это большой пласт мировой культуры. Сюда входят и богатая сокровищница искусства изобразительного, и искусство танца, и музыкальные, литературные достижения русского народа. Конечно, я назвал не все виды искусства, их много больше. Найдем в перечне искусств также театр и кино, фотографию и прочие…
Во всем мире знаменит русский балет, имена Майи Плисецкой, Галины Улановой, Анны Павловой, других великих русских балерин. Любим и известен во многих странах цирк из России: цирковые династии Дуровых, Кио, других семей…
А русская литература известна своей проникновенностью, душевностью, психологичностью. Не так известен, например, по всей нашей планете поэт Александр Пушкин, прелестный прежде всего поэзией, оборотами русского языка, а оттого почти непереводимый на другие языки. Но широко знакомы мировой общественности прозаики, знатоки человеческих душ Федор Достоевский, Антон Чехов, Лев Толстой.
Русское музыкальное искусство уже давно не ассоциируется с балалайкой и гармонью. Оркестры и джаз-бэнды из России успешно гастролируют по всему миру. Примером может служить легендарный симфонический оркестр «Виртуозы Москвы», основанный Владимиром Спиваковым. Или джаз-оркестр Олега Лундстрема, который хорошо был известен и нашим родителям, и бабушкам, и дедушкам.
А я как-то более всего с теплотой отношусь к русскому изобразительному искусству. Но не к скульптуре и всяческим монументальным его жанрам. И даже не к фотографии, хотя ею, сейчас, как мне кажется, вокруг увлекаются поголовно все! А именно к русской живописи. Мне кажется, так, как Суриков, Шишкин, Левитан, Айвазовский и другие русские мастера, никто из художников не передал так красоты природы, окружающего мира. А таких «мастеров потустороннего мира», как Михаил Врубель, знатоков глубин человеческих чувств и страстей, в мире, наверное, единицы.
В XVIII веке в России происходил небывалый размах развития ваяния появления новой, западноевропейского типа скульптуры, какой еще не знала Россия. Заметную стилевую перемену в развитии русской пластики принесла новая эстетика классицизма эпохи Просвещения. Важную роль в освоении классической скульптуры в России сыграл приглашенный на русскую службу французский скульптор Н.Жилле, долгое время возглавлявший скульптурный класс Академии.
Школу Н.Жилле ,заложившую основы классического ваяния в России, прошли все ведущие русские скульпторы второй половины XVIII-века, окончившие Петербургскую Академию художеств: Ф.Гордеев, М.Козловский, И.Прокофьев, Ф.Щедрин, Ф.Шубин, И.Марос и другие. Рассмотрим наиболее известные работы и стилевые тенденции этих и некоторых других выдающихся скульпторов того времени. Наиболее полно овладевает принципами зрелого классицизма Иван Мартос (1752-1835 гг.). Он создает вполне классические произведения, заметно отличающиеся чистотой и ясностью своей формы от работ других мастеров. После окончания Академии художеств Мартос для совершенствования мастерства едет в Рим. Где непосредственно соприкасается с античной скульптурой. Мартос – мастер широкого диапазона, обращавшийся к разнообразной тематике. Особенно заметный след он оставил в разработке темы классического надгробия и городского монумента. Он был известен и как великолепный мастер декоративно-лепных работ, пробовал заниматься портретом. Его дарование как монументалиста в полной мере раскрылось в памятнике Минину и Пожарскому в Москве, ставшем эталонным произведением – он нашел новые пути соединения монументальной пластики не только с классическими зданиями, но и с пространственным городским ансамблем, превзойдя всех своих предшественников.
Последователен в своей эволюции к классицизму был и Иван Прокофьев (1758-1828 гг.). По сравнению с другими мастерами у Прокофьева сильнее чувствуется сентименталистская струя, придавшая особую мягкость и лиризм его образам. Самое лучшее в его наследии – это рельефы, созданные для петербургской Академии художеств, в которых он достигает исключительного совершенства формы в выражении величавой тишины, гармонирующих с классическим строем интерьера. В этом же контексте развивалось и искусство скульптора Федота Шубина (1740-1805 гг.) .Благодаря своему упорству и способностям он оказывается в Петербургской Академии художеств, где начинается блестящий расцвет его таланта. Ф.Шубин становится непревзойденным мастером скульптурного портрета. Он выполнил множество заказных портретов, бюстов. Это были бюсты А.М.Голицина, З.П.Чернышева и других известных деятелей екатерининской эпохи. К концу XVIII-века намечались и новые формы образного выражения в виде сентименталистских, а затем и романтических настроений. Характерны в этом отношении бюсты П.В.Завадовского и А.А.Безбородко (1798 г.), также выполненные Шубиным. Вместе с тем в поздних работах художника заметна и другая тенденция- усиливается конкретизация портретного образа, а в стиле нарастают черты строгости и простоты. Этими признаками обладают зрелые работы Шубина: бюсты Г.А.Потемкина (1791 г.) , Е.М.Чулкова (1792 г.) , М.В.Ломоносова (1793 г.), и др. Ф.Шубин показал своих современников в неповторимости индивидуальных особенностей их характера и склада души. Шубинский талант обусловил объективность и глубину его произведений, отразивших все многообразие и противоречивость эпохи. Художником одного творения (созданного для России ) можно назвать французского скульптора Э.М Фальконе (1716-1791 гг.). Созданная в России им всего одна работа “Медный всадник” принесла ему славу великого мастера.
Стремление к максимальному обобщению толкало на путь отвлеченного от конкретности истолкования памятника: гранитная скала постамента в виде морской волны, вздыбленный конь и растоптанная змея становятся олицетворением тех препятствий и враждебных сил , которые приходилось преодолевать Петру –I. В результате родился символ, ставший олицетворением не только великих деяний Петра, но и преобразованной им России. Еще множество прекрасных мастеров творило в этот период, и как бы подводя итог этой эпохи. хотелось бы отметить,что XVIII век стал временем, благоприятствующим развитию русской культуры, определив две основные ее линии: профессиональную, ориентированную на общеевропейский путь, и местную, продолжающую развивать традиции народного творчества.
Во второй половине XVII столетия вместе с другими видами искусства в России, живопись переживает серьезные изменения. В определенной мере они подготавливают те коренные реформы, которые происходят в ней в начале XVIII века. Вступая на позиции искусства нового времени со значительным запозданием по сравнению с другими передовыми в художественном отношении европейскими странами, русская живопись по-своему отражает общие закономерности этой стадии развития. На первый план выдвигается светское искусство. Первоначально светская живопись утверждается в Петербурге и Москве, но уже со второй половины XVIII века получает значительное распространение в других городах и усадьбах. Традиционное ответвление живописи – иконопись по-прежнему широко бытует во всех слоях общества.
Русская живопись развивалась на протяжении всего XVIII века в тесном контакте с искусством западноевропейских школ, приобщаясь к всеобщему достоянию – произведениям искусства эпохи Ренессанса и барокко, а также широко используя опыт соседних государств. Вместе с тем. как уже давно установили исследователи, искусство в целом и живопись в частности, на протяжении всего XVIII века связаны единой направленностью и имеют ярко выраженный национальный характер. В этот период в России творили величайшие мастера своего дела – представители отечественной художественной школы и иностранные живописцы. Наиболее интересным явлением в искусстве петровской эпохи стал портрет. У истоков портретной живописи нового времени стоит И.Н.Никитин (ок. 1680 – 1742) . И.Н.Никитин ярко воплощает силу человеческих возможностей, открытых петровской эпохой. Крупнейший реформатор русской живописи, он разделяет с ним триумфы, а под конец – трагические невзгоды. Портреты, созданные Никитиным в ранний период, уже представляют собой вполне европейские по характеру изображения, наиболее близкие произведениям французской школы начала XVIII века. Используя общеевропейский опыт, русский художник реализует свои собственные представления о мире, красоте и индивидуальных особенностях модели. Так возникает свой вариант портрета- общепонятный и вполне неповторимый.К кисти этого великого художника принадлежат такие произведения, как: портрет цесаревны Анны Петровны и царевны Прасковьи Иоанновны ( предположительно 1714 г.). Пожалуй, самым сильным произведением, после возвращения Никитина из Италии, является портрет государственного канцлера Г.И.Головкина (1720-е.г.). Помимо возросшей грамотности в рисунке и технике живописи он демонстрирует духовность выражения и взаимодействие образа со зрителем. Не меньшая серьезность присуща и “Портрету напольного гетмана” (1720-е.г.) . Авторская самостоятельность проявляется и в портрете С.Г.Строганова (1726 г.) и в картине “Петр-I на смертном ложе” (1725 г.). Со смертью Петра трагично закончилась и жизнь самого художника – он был судим по ложному обвинению и сослан в Тобольск. К петровской эпохе по духу принадлежит и творчество другого русского живописца – Андрея Матвеева (1701-1739). По указу Петра он был послан в Голландию учиться, что обеспечило необходимый уровень знаний. Еще в период прохождения обучения им были созданы картины – “Аллегория живописи” (1725 г.) и “ Венера и Амур”. Самое известное произведение Матвеева – “ Автопортрет с женой” (1729 г.).Произведение Макеева рисует новую для России культуру отношений. Муж и жена не просто выступают как равные: художник бережно и горделиво представляет зрителю свою супругу. Заинтересованность в делах искусства и трудолюбие выгодно отличали этого художника.
Живопись последних десятилетий XVIII века отличается значительным разнообразием и полнотой. В первую очередь это обусловлено основанием Академии художеств. Русская школа овладевает теперь теми жанрами живописи, которые прежде были представлены лишь работами старых и современных западноевропейских мастеров. Наиболее крупные достижения русской живописи последних десятилетий XVIII века связаны с искусством портрета. Творчество Ф.С.Рокотова (1735-1808) составляет одну из самых обаятельных и труднообъяснимых страниц нашей культуры. Уже в довольно зрелом возрасте он был принят в Академию художеств. Его ранние произведения – портреты Г.Г.Орлова (1762-1763 гг.), Е.Б.Юсуповой (1756-1761 гг.) свидетельствуют о его причастности к культуре рококо. Признаки этого стиля есть и в коронационном портрете Екатерины-II (1763 г.) , ставшей образцом для изображения весьма взыскательной императрицы. Еще много портретов вышло из-под кисти художника – поэт В.И.Майков (1769-1770 гг.), почти все семейство Воронцова – он сам (конец 1760-х), его жена М.А.Воронцова и дети (1770-е). В период восьмидесятых годов восемнадцатого века в портретах Ф.С.Рокотова преобладает оттенок горделивого сознания собственной значимости, к этому периоду относят: портрет молодой генеральши В.Е.Новосильцевой (1780 г.), знатной дамы Е.Н.Орловой. Современником Рокотова был Д.Г.Левицкий (1735-1822 гг.).
Около 20 лет Левицкий возглавлял портретный класс Академии художеств и не только участвовал в воспитании целой школы русских портретистов, но задавал тон и уровень высокой репутации портретного искусства в России. Сфера его живописи шире, чем рокотовская. Ему одинаково хорошо удавались и камерные портреты и парадное изображение в рост. Неудивительно , что круг его заказчиков весьма обширен. Это и богач Демидов. чью картину он нарисовал в 1773 г., и светская красавица Урсула Мнишек (1782 г.) ,и итальянская актриса Анна Давиа-Бернуци (1782 г.). Важное место в творчестве Левицкого занимает работа над портретом Екатерины -II ,получившим отражение в “Видении Мурзы” Г.Р.Державина. Возвышенная, мифологизированная интерпретация не могла не нравиться императрице, которая более чем внимательно относилась к своим изображениям.
В.Л.Боровиковский (1757-1825 гг.) как бы замыкает плеяду крупнейших русских портретистов XVIII века. Боровиковский, как и Левицкий, родом с Украины. Уже в первые петербургские годы он сблизился с кружком, возглавляемый Н.А.Львовым , и неоднократно портретировал близких к этому обществу лиц. Довольно быстро при поддержке друзей, знакомых и пользовавшегося успехом при дворе австрийского живописца И.Б.Лампи, Боровиковский становится популярным среди широкого круга петербургского дворянства. Художник портретирует целые семейные “кланы” – Лопухиных, Толстых, Арсеньевых, Гагариных, Безбородко, распространявших его известность по родственным каналам. К этому периоду его жизни относятся портреты Екатерины-II,ее многочисленных внуков, министра финансов А.И.Васильева и его жены. Преобладающее место в творчестве Боровиковского занимают камерные портреты. Полотна художника очень нарядны благодаря грациозной постановке моделей, изящным жестам и умелому обращению к костюму. Герои Боровиковского обычно бездеятельны, большинство моделей пребывает в упоении собственной чувствительностью. Это выражают и портрет М.И.Лопухиной (1797 г.),и портрет Скобеевой (середина 1790-х г.), и изображение дочери Екатерины-II и А.Г.Потемкина – Е.Г.Темкиной (1798 г.). Большое внимание художник уделяет малоформатным и прекрасно удавшимся ему миниатюрным портретам. Так же Боровиковский – автор ряда двойных и семейных групповых портретов, которые появляются уже после 1800-х гг. Из всего вышеперечисленного можно сделать вывод, что на протяжении всего XVIII века русское искусство живописи прошло большой путь становления по законам нового времени. Потребности эпохи получили отражение в преимущественном развитии светской живописи – портрета, пейзажа, исторического и бытового жанров.
Сочинение – описание по картине Сыромятниковой Екатерины «Первые зрители»
Картина многоплановая, изобилует деталями имеется и первый план, и дальняя перспектива. Стена с окном как бы разграничивает пространство картины на два пространства- комната и все остальное. Читать дальше
Сочинение о природе по картинам Левитана и Шишкина
Картины Левитана «Березы”, «Березовая роща”, пейзажи, привезенные из зарубежных поездок, такие как «Близ Бордигеры”, «Бурный день» останутся в истории живописи навсегда.
Кому неизвестна картина Шишкина «Утро в сосновом лесу”? Конечно, медведи, коренные обитатели дремучего леса нарисованы не самим художником, но его лес, могучий, которого не сломили даже буреломы, он именно главный герой картины. Читать дальше
Сочинение по картине Фельдмана Владимира «Родина»
Пожухлая осенняя трава, неизвестно какими судьбами уцелевший цветок, как привет от Родины, а он стоит около березы, смотрит вдаль и вспоминает. Читать дальше
Сочинение по картине художника В. Репки «Водитель Валя»
Она изображена в момент, когда требуется совершить какой-то маневр. Руки лежат на огромной баранке руля, готовые развернуть машину в любом необходимом направлении. Читать дальше
Сочинение по картине Щербакова Бориса «Русь подмосковная»
На Руси церкви и соборы всегда строили на вершинах холмов. Их было видно издалека. Читать дальше
Сочинеие по Русской истории на примере Александра Невского
Ведь Александр, тогда ещё не Невский сам лично сражался со шведами и « Возложил копьем своим печатьна лицо» Биргера, командира шведских искателей приключений. Читать дальше
Сочинение по картине Н. Н. Ге «Пущин в гостях у Пушкина в Михайловском»
Небогатая обстановка провинциальной усадьбы. Взволнованный поэт, с чувством читает свои произведения, которых он еще никому не читал. Читать дальше
Сочинение по картина Ракши Юрия «Проводы ополчения»
Княгиня с драгоценными подвесками глядит вдаль – туда, куда ушел её Ладо, но видно,
что её уже одолевают мысли от будущем, что делать, если войско не вернется, ведь на её плечи легла забота о судьбе города. Читать дальше
Сочинение по картинам С. Герасимова «Церковь Покрова на Нерли» и С. Баулина «Храм Покрова на Нерли»
От Древней Руси до нас дошло ничтожное количество уцелевших храмов и сооружений. Читать дальше
Сочинение по картине Назаренко Татьяны Григорьевны – «Церковь Вознесения на улице Неждановой»
Одной из известных картин середины прошлого века является картина художницы Назаренко Татьяны Григорьевны- «Церковь Вознесения на улице Неждановой». Читать дальше
Сочинение по картине А. Г. Венецианова «На пашне. Весна»
В этой картине все красиво — красивая женщина, красивые кони, красивый пейзаж. Молодая красавица в кокошнике и расшитом платье ведет под уздцы двух лошадей, боронуя пашню. Читать дальше
Сочинение по картине А. Дейнека «Будущие летчики»
Во всю ширь картины на заднем плане протянулось море. Оно сине-черное, только белые барашки вскипают на гребнях волн. Читать дальше
Сочинение по картине А. М. Герасимова «Натюрморт. Полевые цветы»
Сколько стихов, песен сочинили поэты про скромные полевые цветы. Они не такие роскошные, как орхидеи, но про полевые цветы – ромашки, колокольчики, другие цветы сочинено столько легенд, преданий… Читать дальше
Сочинение по картине А. П. Рябушкина «Московская девушка XVII века.»
Зимний день в Москве семнадцатого века. Девушка идет одна по улице без сопровождающих, гордо вздернув головку и опустив глаза, думая о чем-то о своём. Куда она идет? Неизвестно. Читать дальше
Сочинение по картине А.А. Рылова «Домик с красною крышей»
На даче знакомых, в подмосковной деревне Крюково художник увидел пейзаж, который так понравился ему, что он сделал множество эскизов и набросков, стремясь запечатлеть мир и покой, царивший в этом уголке Подмосковья. Читать дальше
Сочинение по картине А.Г. Венецианова «Девушка в платке»
Девушка больше похожа на сказочную принцессу. Высокий лоб, гладко зачесанные волосы, полуприкрытые синим платком с разноцветными полосами, глаза, которые доверчиво смотрят на зрителя. Читать дальше
Сочинение по картине А.К. Денисова –Уральского «Лесной пожар»
До самого неба взметнулись клубы огня и дыма, кажется и нам слышен треск погибающих деревьев. На переднем плане стоит сосна, но и она обречена, не говоря уже о более мелких деревцах. Читать дальше
Сочинение по картине Айвазовского Ивана Константиновича «Буря на Черном море. 1873»
«О скалы грозные дробятся с ревом волны, и с белой пеною, крутясь бегут назад…»
Эти строки как нельзя лучше отражают положение моряков, потерпевших кораблекрушение. Их корабль погиб, теперь волны несут их на суровый и неприветливый берег, ощетинившийся скалами. Читать дальше
Сочинение по картине Айвазовского Ивана Константиновича «Буря на Черном море. 1873»
Впередсмотрящий приготовил шест, чтобы попытаться оттолкнуть лодку от гибельных скал.
Вот очередной вал несет лодку, а за ним вырастает ещё один. Что они сулят морякам — гибель, или спасение?. Читать дальше
Сочинение по картине Айвазовского Ивана Константиновича «Буря»
Вне всякого сомнения, Айвазовский принадлежит к величайшим маринистам мира и даже чопрные англичане, которые жалели жителей континента, за несчастье родиться не в Англии, даже они могли сравнить Айвазовского только со своим маринистом -Тёрнером. Читать дальше
Русская живопись второй половины XVIII века
XVIII век в России – это не только время взлета общественного самосознания, общественной и философской мысли, но и время расцвета искусства. Рядом с именами корифеев русской науки и литературы – Ломоносова, Фонвизина, Радищева, Державина стоят имена русских художников – Рокотова, Левицкого, Боровиковского, Лосенко, Шибанова.
В XVIII веке в живописи начинает преобладать реалистическое направление. Героем искусства, носителем общественного и эстетического идеалов становится живой и мыслящий человек. В это время формируются новые жанры живописи: исторический, пейзажный, бытовой. Разнообразие и полнота жанровой структуры получили развитие в последние десятилетия XVIII в. Живопись широко распространяется: обогащаются царские собраний, складываются фамильные коллекции в столицах, провинциальных городах и усадьбах. Получают общественное признание амплуа живописца, поэта, артиста. С этим же временем связываются первые художественные выставки и продажа произведений, роль профессионального мнения по вопросам искусства, первые эстетические трактаты.
Первой и наиболее крупной фигурой в области исторической живописи был Антон Павлович Лосенко (1737-1773). Он написал всего несколько картин, среди которых «Владимир и Рогнеда» на сюжет русской истории и «Прощание Гектора с Андромахой на тему „Илиады“ Гомера. Обе картины сегодня кажутся во многом архаичными, но в свое время они пользовались большой известностью и стали первыми тематическими композициями в русском искусстве.
Федор Степанович Рокотов (1735-1808) – выдающийся мастер камерного портрета, т.е. погрудного изображения модели, где все внимание художника сосредоточено на лице портретируемого. Главное для Рокотова – показать внутренние переживания человека, его духовную исключительность. Рокотов был превосходным мастером женского портрета. Женские образы художника преисполнены чувства внутреннего достоинства и духовной красоты, они величественны и гуманны. Его творчеству были присущи поэтичность образов, тонкость живописных отношений, легкость и мягкость мазка. Его кисти принадлежат портреты Н.Е. и А.П. Струйских (1772, ГТГ), „Неизвестного в треуголке“ (начало 1770-х, ГТГ), „Неизвестной в розовом платье“ (1770-е гг. ГТГ).
Во второй половине XVIII века художники начинают уделять внимание изображению жизни и быта крестьян. Крестьянской теме посвятил свои работы крепостной художник графа Потемкина Михаил Шибанов.
Среди других художников XVIII века можно отметить творчество Владимира Лукича Боровиковского (1757-1825), который являлся третьим из ведущих мастеров портрета второй половины восемнадцатого века. Его полотна выделяются подчеркнутой лиричностью, созерцательностью, вниманием к миру личных переживаний человека. Он написал такие картины, как „Екатерина II на прогулке в Царскосельском парке“ (1794, ГТГ) и „Портрет Д.А. Державиной“ (181З, ГТГ), как отечественный вариант английского „портрета – прогулки“. Сентиментализмом проникнуты женские образы художника – портреты М.И. Лопухиной (1797), Е.А. Нарышкиной (1799), Е.Г. Темкиной (1798, все в ГТГ). В композиции полотен большую роль художник отводил пейзажу.
На портретную живопись восемнадцатого века значительное влияние оказал современник Ф.С. Рокотова Дмитрий Григорьевич Левицкий (1735-1822). Именно в творчестве Левицкого воплотилась самая суть российского века Просвещения, чей расцвет приходится на екатерининское царствование.
Творчество Левицкого демонстрирует, что Россия окончательно вошла в европейский круг. Просветительские идеалы достоинства, разума и естественности, актуальные для западного культурного сознания, весьма для него значимы. По живописному мастерству его портреты не уступают работам лучших французских и английских современников. Никто так сочно и осязательно не пишет вещественный мир, восхищаясь его драгоценностью и разнообразием: блеском бронзы, тяжестью и переливами тканей.
Происходя из рода малороссийских священников, Левицкий обрел вкус к рисованию еще с детства. Его отец, Григорий Кириллович, в придачу к духовному званию, был известнейшим на Украине гравером, „справщиком“ типографии Киево-Печерской Лавры. Просвещенный человек, поэт-любитель, он получил художественное образование на Западе. По семейной традиции, окончив семинарию и Киевскую духовную академию, сын помогал отцу в исполнении аллегорических программ для богословских диспутов. Его обучению „искусствам“ суждено было продолжиться, когда для руководства живописными работами в строящемся по проекту Ф.Б. Растрелли Андреевском соборе в Киеве в 1752 году прибыл Алексей Петрович Антропов. Оба Левицких были у него „на подхвате“. Оценив их старания, Антропов рекомендовал старшего на должность храмового ревизора – изымать иконы „неискусной резьбы“, а младшего в 1758 году пригласил к себе в ученики.
Антропов был портретист – тому и учил. У Левицкого появились первые заказы: ремесло не только доставляло удовольствие, но еще и обещало кормить, а это было важно, поскольку в семье подрастала дочь. Впоследствии Левицкий станет самым „модным“ художником – он будет буквально завален частными заказами. Уже по собственной инициативе, для „шлифовки стиля“, он берет несколько уроков у мастеровитых иностранцев – Ж.-Л. Лагрене-старшего и Дж. Валериани. И в 1770 году пришел настоящий успех – за „Портрет А.Ф. Кокоринова“ (1769), показанный на выставке Академии художеств, не обучавшийся в ней художник получил звание академика, а еще через год был приглашен вести портретный класс.
Левицкий писал портреты так, как того требовали эстетические и этические нормы эпохи. Модели непременно должны были быть представлены в наивыигрышном свете. Они не скрывают, что позируют художнику. Отсюда их горделивая осанка, условные жесты, снисходительные взгляды. Портретируемые изображались обычно в роскошной одежде, парадных мундирах, в звездах и орденских лентах. Однако сквозь эту феерию богатства и парад чинов внимательный зритель может увидеть живые и полнокровные образы незаурядных людей.
Таков А.М. Голицын, портрет которого был создан Левицким в 1772 году. Государственный деятель, сановник, он изображен согласно законам парадного портрета. Для этого художник выбрал большой формат холста и точку зрения снизу, дал поколенный срез фигуры. Широким жестом вице-канцлер указывает на бюст императрицы, подчеркивая тем самым свое прямое отношение к событиям, способствовавшим вступлению Екатерины II на престол.
Левицкий воспевает добродетели „просвещенной монархини“ в композиции „Портрет Екатерины II в храме богини Правосудия“ (1783). Аллегория здесь столь сложна, что художнику пришлось предпослать портрету пространное его описание: „Ея Императорское Величество, сжигая на алтаре маковые цветы, жертвует драгоценным своим покоем для общего покоя… В дали видно открытое море, и на развевающемся российском флаге изображенный на военном щите Меркуриев жезл означает защищенную торговлю“.
Ранний – условно скажем, барочный – Левицкий еще „многословен“. Для рассказа о человеке ему нужны „говорящие“ атрибуты, дидактические жесты, освоенное вещами пространство. Среди портретов такого рода особенно интересен „Портрет П.А. Демидова“ (1773)
Все эти скрытые смыслы люди XVIII века прекрасно понимали. Было ясно, например, что облака, омрачившие небо в детском портрете, намекают на появление первых страстей; что цветок в руке или на корсаже есть примета поэтической натуры, а роза отличается по эмблематике от полевого букета. Жизнь в ту эпоху риторических жестов и театральной условности как бы уподоблялась сценическому действу, и люди в своем бытовом поведении стремились соответствовать некой постоянной роли. Разрыв между „позой“ и „натурой“ будет осознан позднее; пока же и взыскуемый просветителями „естественный человек“ органично существует в системе условных знаков.
Очень любопытной представляется серия из семи портретов „Смолянок“ (1772-1776) – выпускниц Смольного института (Института благородных девиц), отличившихся в выпускных спектаклях. Левицкий написал эти 7 произведений таким образом, что они воспринимаются как единое целое.
Перед нами костюмированные портреты, но маски как бы впору моделям. Ребенок – воплощение „естественного человека“, и эти барышни еще почти дети. Один из лучших в серии – двойной портрет Е.Н. Хрущевой и Е.Н. Хованской. Одетые в театральные костюмы юные актрисы играют в пасторали. Левицкий чутко улавливает индивидуальные особенности каждой из изображенных. Бойкая и шаловливая Хрущева, играющая кавалера, уверенно чувствует себя на сцене. Она с неподдельным удовольствием, легко и естественно ведет свою партию. Вторая героиня портрета, Хованская, совсем иная. Ее высокая, по-детски угловатая фигура в пышном кринолине кажется неловкой. Она напряженно замерла в указанной ей позе, и никакие ухищрения не могут заставить Хованскую быть кокетливой и жеманной, как того требует роль.
Левицкий, конечно, не был в полном смысле слова „человеком Просвещения“. Это невозможно для художника второй половины XVIII века: слишком еще велика иерархическая дистанция между ним и моделями, слишком зависимо его положение от монарших милостей. При Екатерине Левицкий обласкан, при Павле, конечно, наоборот: ему приходится участвовать в унизительном разбирательстве по поводу заказанной императрицей серии портретов кавалеров ордена св. Владимира, которую ее преемник не желает востребовать и оплатить. Он пишет „слезницы“ по инстанциям, „почтительнейше припадает к стопам“, ведет себя согласно придворному этикету – и в то же время добровольно уходит с государственной службы в 1787 году (ссылки на плохое здоровье в прошении об отставке неубедительны – Левицкому в это время 52 года, и ему предстоит дожить почти до 90). Он вернется в Академию советником только в 1807 году при Александре I – точнее, его вернут, гуманно учитывая преклонный возраст, былые заслуги и нынешнюю необходимость кормить внуков. Но оставить „хлебное место“ – разве это не жест, так же как отказ занять должность инспектора Академии, сулящую материальные выгоды? Левицкий может служить лишь тому, чему „всяк по своему сердечному намерению, расположению или действованию принадлежит“. Так что индивидуальное самосознание пробуждается и укрепляется в нем, – как и в его героях: в Н.И. Новикове, Н.А. Львове, И.И. Дмитриеве, И.В. Лопухине и других.
Портреты „интеллигентов XVIII века“ (название, конечно, не вполне исторически корректное – этот слой только зарождается) не образуют отдельного цикла в творчестве Левицкого. Но им запечатлен целый ряд людей, составивших славу русской и европейской культуры того времени – от идейного вдохновителя отечественной интеллектуальной элиты Дени Дидро (1773-1774) до „Неизвестного композитора“ (1781). Возможно, с кем-то из них Левицкий состоял в одной масонской ложе (предположение не вполне доказанное, но вероятное), и причастность общему кругу идей определила трактовку образов, которая, как правило, предельно проста.
Никакого постановочного размаха, никаких риторических жестов: даже парик и парадная одежда не обязательны для философа. Но в лаконичных характеристиках Левицкий уже вплотную приближается к психологическим завоеваниям портрета следующего столетия.
Вплотную, – но не совсем. По точному определению искусствоведа А.М. Эфроса, „Левицкий отнюдь не опережал своего времени, а шел в ногу с ним“. Подобно Державину в поэзии, он воплотил в живописи самый дух противоречивой эпохи – ее декоративную пышность и тяготение к рационалистическим идеалам, веру в просвещение и плотское, „нутряное“ ощущение жизни. В его наследии можно обнаружить и почти рембрандтовские предвидения „портрета-судьбы“ (»Портрет священника Г.К. Левицкого”, 1779) и полуэтнографические опыты в духе пробуждающейся моды на национальное («Портрет дочери Агаши в русском костюме», 1785); он умел быть блестяще-светским («Портрет Анны Давиа», «Портрет Урсулы Мнишек», оба 1782) и лирически-проникновенным, особенно в женских изображениях («Портрет М.А. Дьяковой», 1778), опровергающих расхожее в то время представление о женщине, как о существе «веселонравном, любящем только смехи и забавы»; наконец, ему не было равных в портрете парадном, в великолепии композиционных постановок. И строки из дифирамба, написанного И.Ф. Богдановичем по поводу «Портрета Екатерины II в храме богини Правосудия» – «Твоею кистью ты явил в Петровом граде бессмертных красоту и смертных торжество» – можно отнести ко всему его творчеству.
Портретная и историческая живопись XVIII века была пронизана идеями гражданственности, патриотическим пафосом, чувством общественного долга. Эти идеи найдут дальнейшее развитие в искусстве последующего столетия.
Жанрами в живописи называют её разновидности, которые определяются предметом изображения. Одним из наиболее важных и широко распространённых является бытовой жанр, то есть изображение повседневной жизни. Бытовой жанр часто называют жанровой живописью. Интерес к ней понятен: это искусство говорит о нас самих, о наших делах и днях. О труде и об отдыхе, о радостях и тревогах, стремлениях и успехах таких же, как и мы с вами, обыкновенных людей. Жанровая живопись помогает нам прямо и непосредственно осмысливать нашу жизнь, наш сегодняшний день: в ней отражаются те жизненные ситуации и вопросы, которые волнуют нас и ответы на которые мы ищем. Художникам всегда хотелось запечатлеть также «шаги истории самой»: какие-либо более или менее важные события общественной жизни минувших времён или просто быт ушедших поколений. Историческая живопись существует очень давно, со времён Древнего Египта, но подлинного расцвета достигла она в XIX столетии, когда в связи с дальнейшим развитием буржуазного общества художники стали особенно чуткими к драматическим судьбам народов.
Русская историческая живопись представлена произведениями Репина, Иванова, Серова и прежде всего, такого гиганта, как Суриков. Конечно, не всегда сюжет исторического полотна будет взят из действительно важных реальных событий истории. Не так уж на самом деле исторически значительна трагедия сосланного в Сибирь Меншикова, но в этом эпизоде Суриков сумел почувствовать отражение сложнейших противоречий всей эпохи петровских преобразований.
С историческим жанром тесно связан батальный, призванный изображать военные сцены, битвы. Историю крупнейших войн, которые вела Россия в прошлом веке, дал в своих известных циклах картин знаменитейший баталист Верещагин. Героем его картин стал простой солдат во все моменты его ратного труда: в походе, на отдыхе, в быту — всюду, где требуются его воля, сила, смекалка. Пейзажная живопись, в отличие от бытовой (жанровой), даёт возможность художнику выразить своё отношение к миру в широком, обобщённо-политическом плане, хотя она обращена не к прямому изображению человека или обстоятельств его жизни, а к миру природы, которая нас окружает.
Природа сближает людей, часто рождая у них сходные настроения, раздумья, переживания и поэтому произведения пейзажистов нам обычно близки и понятны, хотя человек в пейзажной картине нередко отсутствует. Удачно написанный пейзаж способствует более полному восприятию красоты и величия природы. Цель портретного искусства — фиксация внешнего облика и внутреннего содержания конкретного человека.
Рассказывают, когда Веласкес закончил свой портрет папы Иннокентиях, папа негодующе воскликнул: «Слишком правдиво!» Сегодня мы никак не можем проверить это, но довольно одного взгляда на портрет, чтобы почувствовать всю его могучую и беспощадную правду. И нам важно уже не то, действительно ли был таким коварный, подозрительный, умный, настороженный облик римского первосвященника. Нас потрясает раскрытая гениальным художником сложнейшая жизнь души, властное обнажение сокровенных тайн характера, проникновение в бездонные глубины человеческой психологии. Портрет служит средством понимания людей, их натуры, их внутреннего содержания, он формирует в нас правильное отношение к человеку, уважение к нему и к его внутреннему миру.
Иногда говорят, что в наши дни, когда имеется фотография, технические возможности которой с каждым днём прогрессируют, нет нужды живописцам заниматься портретом: фотоаппарат с успехом зафиксирует облик любого человека, причём сделает это точнее, чем художник. Но что такое «точность» применительно к облику человека? Кстати, гипсовая маска, снятая с лица даже живого человека, бывает, как правило, наименее похожа на оригинал. Ведь художник, наблюдая свою модель, выбирает из множества состояний, выражений, поворотов лица наиболее характерные и, синтезируя их, создаёт образ, в котором личность портретируемого, его характер и психология переданы с такой обобщающей силой и глубиной проникновения в душу человека, какая невозможна при механической фиксации.
В мою жизнь настоящая живопись вошла, когда мне в руки попала книга об итальянской галерее «Уффици». Иллюстрации картин Боттичелли, Рафаэля просто потрясли мою душу. Но настоящие картины, хотя и не таких великих мастеров, как Рафаэль, увиденные впервые в городском художественном музее, произвели на меня гораздо большее впечатление, чем иллюстрации. Потом были картинные галереи Москвы, куда я ходила, когда приезжала в гости к своей тете. В Третьяковке я подолгу простаивала у картин великих русских мастеров. Выходила просветленная и потрясенная. Особенно — картинами Васнецова и Врубеля. Теперь моя мечта посетить картинные галереи Киева, Львова и, конечно, Петербурга. А уж потом попасть в Лувр, Прадо, в Уффици, в Дрезденскую галерею, в Британский музей. Это программа-максимум моей взрослой жизни.
Рядом с программой-максимум всегда существует программа-минимум. Проект «Музей одной картины», который где-то еще существует, — это, по-моему, очень правильное направление в культурном просвещении народа. Люди живут не только в больших культурных центрах — это раз, осмотреть сразу всю, к примеру, Третьяковку — это, считай, не увидеть ничего. Это два. И третье: организация больших передвижных выставок — дорогостоящее и потому редкое мероприятие. Поэтому «Музей одной картины» (конечно, шедевра) должен существовать и расширять свою географию и выставляемые картины. Материал с сайта //iEssay.ru
Первый портрет Петербурга был сделан, когда городу исполнился всего год. Автор этой гравюры – Питер Пикарт. Петропавловская крепость и заросший лесом Берёзовый или Городовой остров (нынешняя Петроградская сторона) с его строениями отделены от первого плана такой широкой рекой, что видны где-то на самом краю земли. Огромный едва обозримый простор Невы, текущей вровень с берегами, явно господствует над всем. Суши нет, она образует лишь тонкую раму для воды.
Парадные портреты юного Петербурга показывали его непременно с реки. Например, работы талантливого художника и гравера – А. Ф. Зубова. Здесь река образует с городом уже более или менее единое целое. На панораме виден уже большой город, занимающий берега Невы на протяжении шести с лишним вёрст. И кроме того здесь представлена сложная комбинация разных отрезков невских берегов.
Город строится, растёт, и русские и иностранные художники рисуют не просто огромные панорамы, и даже не общие виды, а части архитектурных сооружений, создают “монографии” отдельных уголков Петербурга. Всё большие права в гравюре получает стефаж – изображение фигур на фоне архитектурного пейзажа. Среди “певцов Петербурга” резко выделялся своим искусством С. Ф. Галактионов. В его работах счастливо сочетались точный рисовальщик, безукоризненный гравер и не менее талантливый литограф. Далее художников начинают привлекать не только центральные улицы, но и окраины города, жанровые сцены, народные праздники.
Первенство получает литография. В литографии тех лет, посвящённых столице, всегда присутствует человек, и уже не как статичная фигура, передающая масштаб изображения или “оживляющая” строгость архитектурных форм, а как едва ли не главный персонаж. Отметим работы Г. Беггрова, П. Сверчкова, Ф. Баганц, А. О. Орловского, о литографиях которых поэт П. А. Вяземский с восторгом писал:
Русь былую, удалую
Ты потомству передашь,
Ты схватил её живую
Под народный карандаш.
В 60-х гг. прошлого века в петербургской теме наметился определённый спад. Виды города всё реже привлекают внимание художников – и живописцев, и графиков. Одна из причин была в появлении фотографии, с которой кисть и резец не могли соперничать в точности передачи архитектурных деталей. Но главное заключалось в том что, с одной стороны, казалось уже невозможным найти свою точку зрения на хорошо знакомые всем ансамбли, а с другой, – новая архитектура, пренебрегавшая художественными традициями и ставившая во главу угла “доходность”, не могла заинтересовать глаз художника.
Большую роль в реабилитации Петербурга в живописи сыграла культурно-просветительная и художественная деятельность группы “Мир искусства”.
Самые известные из художников-мирискусников – это А. П. Остроумова-Лебедева, А. Н. Бенуа, М. В. Добужинский.
В предисловии к литографиям А. П. Остроумовой-Лебедевой, А. Н. Бенуа писал: “Петербургу особенно посчастливилось на литографии. Если бы все остальные его изображения – в картинах, акварелях, гравюрах и фотографиях – погибли и остались бы одни литографические виды Петербурга, то и тогда можно было бы вполне судить о нём, и не только о красоте и значительности его памятников или об особенном характере его широких проспектов и каналов, но и о самой душе этого, выросшего из болота, призрачного и монументального, “казённого” и поэтического города. Анна Петровна Остроумова-Лебедева взялась за литографический карандаш для того, чтобы в сюите из нескольких листьев, связанных между собой общностью настроения, начертать лик Петербурга таким, каким он ей представляется и каким она его любит” (А. Н.
«
1
2
3
»
Различают несколько разновидностей живописного искусства. Наиболее хорошо известна и наиболее распространена в настоящее время так называемая станковая живопись, к которой относятся обычные картины любого содержания.
Их главным отличительным свойством является то, что их можно переносить с места на место, вешая на любой подходящей для этого стене. Теперь картины пишут обычно на холсте, натянутом на специально сделанный деревянный подрамник. Готовую картину вставляют в раму, которая во многих случаях имеет такую форму, что создаёт впечатление оконного косяка, а само изображение на холсте становится похожим на вид, открывающийся в воображаемом окне.
Станковая живопись появилась сравнительно недавно — немногим более пятисот лет тому назад, в эпоху Возрождения: она как нельзя лучше отвечала потребностям мастеров того времени — воспроизводить реальный мир со всей непосредственностью и жизненной убедительностью.
Название своё станковая живопись получила оттого, что пишутся картины на особом виде станка, называемом французским словом «мольберт».
А вот произведения монументальной живописи, едва ли не самой древней в истории человечества, пишутся на поверхности стен или на перекрытиях зданий, украшать которые они предназначены. Ещё люди каменного века расписывали стены пещер изображениями разных животных, выполняя их несколькими красками. Процветала она и позже: в античную эпоху в греко-римском мире и в средние века.
Многие великие мастера Возрождения были авторами больших монументальных произведений, расписывая стены, своды, иногда и пол, нередко сочетая своё искусство со скульптурой, лепниной и различными орнаментами. Но иногда прибегают к другому техническому приёму: холст, натянутый на подрамник так же, как для обычной станковой картины, покрывают росписью, а затем закрепляют наглухо на стене, и тогда это произведение называется «панно», или на потолке или своде, и тогда оно называется «плафон».
В отличие от монументальной живописи, представляющей собой композиции с человеческими фигурами, нередко целые законченные сцены, декоративная роспись имеет орнаментальный или полуорнаментальный характер — в ней преобладает узор. Если монументальная роспись сочетается с декоративной, когда, например, написанная на стене монументальная композиция окружена рамкой из различных орнаментов, то говорят о монументально-декоративной живописи.
Декоративной живописью могут украшаться предметы быта: различные лари и сундуки, коробки, прялки, чудная деревянная посуда. И тогда речь идёт о прикладном искусстве, украшающем нашу повседневную жизнь.
О ЖИВОПИСИ…
Различают несколько разновидностей живописного искусства. Наиболее хорошо известна и наиболее распространена в настоящее время так называемая станковая живопись, к которой относятся обычные картины любого содержания.
Их главным отличительным свойством является то, что их можно переносить с места на место, вешая на любой подходящей для этого стене. Теперь картины пишут обычно на холсте, натянутом на специально сделанный деревянный подрамник. Готовую картину вставляют в раму, которая во многих случаях имеет такую форму, что создаёт впечатление оконного косяка, а само изображение на холсте становится похожим на вид, открывающийся в воображаемом окне.
Станковая живопись появилась сравнительно недавно — немногим более пятисот лет тому назад, в эпоху Возрождения: она как нельзя лучше отвечала потребностям мастеров того времени — воспроизводить реальный мир со всей непосредственностью и жизненной убедительностью.
Название своё станковая живопись получила оттого, что пишутся картины на особом виде станка, называемом французским словом «мольберт».
А вот произведения монументальной живописи, едва ли не самой древней в истории человечества, пишутся на поверхности стен или на перекрытиях зданий, украшать которые они предназначены. Ещё люди каменного века расписывали стены пещер изображениями разных животных, выполняя их несколькими красками. Процветала она и позже: в античную эпоху в греко-римском мире и в средние века.
Многие великие мастера Возрождения были авторами больших монументальных произведений, расписывая стены, своды, иногда и пол, нередко сочетая своё искусство со скульптурой, лепниной и различными орнаментами. Но иногда прибегают к другому техническому приёму: холст, натянутый на подрамник так же, как для обычной станковой картины, покрывают росписью, а затем закрепляют наглухо на стене, и тогда это произведение называется «панно», или на потолке или своде, и тогда оно называется «плафон».
В отличие от монументальной живописи, представляющей собой композиции с человеческими фигурами, нередко целые законченные сцены, декоративная роспись имеет орнаментальный или полуорнаментальный характер — в ней преобладает узор. Если монументальная роспись сочетается с декоративной, когда, например, написанная на стене монументальная композиция окружена рамкой из различных орнаментов, то говорят о монументально-декоративной живописи.
Декоративной живописью могут украшаться предметы быта: различные лари и сундуки, коробки, прялки, чудная деревянная посуда. И тогда речь идёт о прикладном искусстве, украшающем нашу повседневную жизнь.
Живопись в моей жизни
Искусство вообще, а живопись в частности занимают огромное место в жизни человека. Способность к творчеству, к созданию произведений искусства существенное отличие рода человеческого от остального живого мира. В ряду видов искусства живописи принадлежит особое место. Спросите: почему? Отвечу так.
Не каждый ребенок тянется к перу и бумаге, чтоб писать стихи или прозу. Не каждый хочет играть на рояле или скрипке. Но нет ребенка, который бы не пытался рисовать. И еще одно: из глубины веков до нас дошли свидетельства о живописных пробах древних цивилизаций. Наскальные рисунки, роспись предметов обихода — это ли не первый шаг к шедеврам Рафаэля?
В мою жизнь настоящая живопись вошла, когда мне в руки попала книга об итальянской галерее «Уффици». Иллюстрации картин Боттичелли, Рафаэля просто потрясли мою душу. Но настоящие картины, хотя и не таких великих мастеров, как Рафаэль, увиденные впервые в городском художественном музее, произвели на меня гораздо большее впечатление, чем иллюстрации. Потом были картинные галереи Москвы, куда я ходила, когда приезжала в гости к своей тете. В Третьяковке я подолгу простаивала у картин великих русских мастеров. Выходила просветленная и потрясенная. Особенно — картинами Васнецова и Врубеля. Теперь моя мечта посетить картинные галереи Киева, Львова и, конечно, Петербурга. А уж потом попасть в Лувр, Прадо, в Уффици, в Дрезденскую галерею, в Британский музей. Это программа-максимум моей взрослой жизни.
Рядом с программой-максимум всегда существует программа-минимум. Проект «Музей одной картины», который где-то еще существует, — это, по-моему, очень правильное направление в культурном просвещении народа. Люди живут не только в больших культурных центрах — это раз, осмотреть сразу всю, к примеру, Третьяковку — это, считай, не увидеть ничего. Это два. И третье: организация больших передвижных выставок — дорогостоящее и потому редкое мероприятие. Поэтому «Музей одной картины» (конечно, шедевра) должен существовать и расширять свою географию и выставляемые картины.
Была на телевидении прекрасная передача Никиты Михалкова, посвященная какому-нибудь одному из шедевров русской живописи. В этой передаче рассказывалось обо всем: и о самом художнике, и об особенностях картины, и об истории ее создания. Но главное: Н. Михалков открывал нам столько интересного о давно прошедшем времени, о быте тех времен и того сословия людей, которые были изображены на картине. Обо всем этом очень редко можно услышать в музеях или прочитать в книгах по искусству.
Заключая, хочу сказать, что живопись для меня — это вечный источник душевного наслаждения и познания жизни. Так пусть же он не иссякает никогда!